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Violence and Son

Jean Campion — 2023-01-17T15:13:28Z

Dans "Iphigénie à Splott", que le Théâtre de Poche reprend en avril 2023, Gary Owen raconte le chemin de croix d'une laissée-pour-compte, qui en se sacrifiant retrouve sa dignité. Sans misérabilisme. C'est avec le même humour grinçant et la même empathie que dans "Violence and son", il décrit les tensions entre des adultes brutaux et des jeunes vulnérables. Parfois drôle, cette comédie soulève de nombreuses questions sur la violence intra-familiale, la transmission des valeurs, l'hérédité, l'alcoolisme, la notion de consentement.

La mort de sa mère a obligé Liam à déménager dans un trou perdu du Pays de Galles, pour vivre chez un inconnu : Rick, son père biologique. Ce soir, le jeune homme a invité Jen à revoir quelques épisodes de "Doctor Who", une série de science-fiction désuète , dont tous les deux sont fans. Il aimerait bien partager avec elle d'autres plaisirs, mais les filles l'intimident. Jen apprécie sa compagnie : "Je peux vraiment te parler. Les garçons ici, en gros, ils grognent." Pourtant elle hésite à casser avec Jordan, un rugbyman très prometteur. En débarquant dans leur salon, Rick et Suze, sa compagne, affichent sans complexe leur vulgarité. Cependant ils accueillent chaleureusement l'amie de Liam, en l'invitant à partager leurs frites. Jen préfère rentrer chez elle.

La pluie l'en empêchera. Sa présence réveille le machisme conquérant de Rick. Soulagé que son fils ne soit pas une tapette, il veut lui faire profiter de son expérience de tombeur. Durant ces tête-à-tête, les deux hommes règlent leurs comptes. Liam reproche à son géniteur d'avoir abandonné lâchement sa mère. Obligé de vivre avec cet alcoolique, il se sent désespérément seul. Rick tente de se justifier, mais très vite cède à la brutalité, dont il aime se vanter. Pourtant il promet de renoncer à ses cannettes et Liam ne boude pas ses conseils.

La mise en scène adroite de Jean-Michel Van Den Eeyden maîtrise la tension dramatique et pousse chaque comédien à révéler progressivement la complexité de son personnage. On sent d'emblée que Rick se prend pour un mâle dominant, fier d'avoir cassé la gueule à un rival. Jean-Luc Couchard joue les matamores, mais sous l'outrance percent les fêlures. Cet homme belliqueux, imbu de lui-même a des regrets : "Je bois depuis que j'ai quatorze ans." Magali Pinglaut fait bien sentir que, sous une apparence provocante, Suze recherche la sérénité. Elle encourage Liam à tenter sa chance, mais sans lui forcer la main. Contrairement à Rick, dont la violence menace leur vie commune. Adrien De Biasi incarne un Liam déboussolé par la disparition de sa mère. Sans argent, il est condamné à subir une cohabitation toxique, qui perturbe ses relations sentimentales. Léone François est une Jen tiraillée entre l'enfant et l'adulte. Comme Liam, elle balbutie sa vie. Mais c'est une jeune fille plus lucide. Elle ne se sent pas à l'aise dans ce milieu paumé et lorsque'elle découvre la blessure de Liam, elle l'incite à rompre avec la violence

Le décor utilisé par la scénographe Sofia Dilinos est astucieux. Des panneaux pivotants, incrustés de portes, suggèrent différentes pièces. En se rapprochant, ils rétrécissent le salon et rendent l'atmosphère de ce huis clos plus étouffante. "Violence and son" nous sensibilise à différents problèmes de relations humaines, en évitant tout didactisme. Gary Owen construit des personnages qui nous touchent, parce qu'il leur permet d'avoir à la fois tort et raison. Subtile, mordante, parfois cocasse, sa comédie, jouée par quatre comédiens talentueux, mérite l'adhésion enthousiaste du public.

Jean Campion

Ivanov

Jean Campion — 2023-01-17T14:59:36Z

Durant ses études, Georges Lini s'était attaqué au théâtre de Tchekhov et avait été déçu par cet auteur "chiant". En l'incitant à lire "Ivanov", sa pièce préférée, Vincent Lecuyer l'a poussé à revoir son jugement. Coup de foudre ! Mise en valeur par la traduction subtile d'André Markowicz et Françoise Morvan, cette comédie dramatique met aux prises un antihéros qui cherche désespérément un sens à son existence et une société au bord du gouffre. Proche de la nôtre. Une ressemblance soulignée par l'intrusion des comédiens dans le public et le dispositif bifrontal.

Borkine (Thierry Janssen), gestionnaire de la propriété d'Ivanov (Vincent Lecuyer), peste contre sa passivité. Il préfère lire et continuer à s'endetter, plutôt que de gagner facilement de l'argent, en suivant ses suggestions. Le docteur Luov (François Sauveur) lui reproche aussi son inertie. La maladie de sa femme Anna Petrovna (Anne-Pascale Clairembourg) s'aggrave. Une cure en Crimée pourrait la soulager. Refus catégorique d'Ivanov : il ne peut pas lui offrir ce luxe. En réalité, pendant plusieurs années, il a aimé sincèrement cette femme juive, qui a renoncé à sa religion pour l'épouser. Mais maintenant, son amour, sa tuberculose le laissent indifférent. Désarçonné, il "se sent profondément coupable, mais ne comprend pas en quoi consiste sa faute".

Les petits bourgeois qu'il côtoie chez les Lebedev ne se posent pas de questions. Ils se contentent de jouer leur rôle, en respectant les conventions sociales. Ils font la fête, colportent des ragots, se chamaillent, boivent comme des trous... Une agitation qui leur donne l'illusion de vivre. Chabelski (Pietro Pizzuti) était riche, relativement heureux. Il est devenu un parasite, un bouffon : "Je m'indigne, je crache mon mépris et ça fait rire tout le monde." Babakina (France Bastoen) est une veuve fortunée, qui aimerait bien l'épouser. Pour devenir comtesse. Kossyh (Stéphane Fenocchi) est obsédé par les jeux de cartes. Nazarovna (Cécile Van Snick) se vante de ses talents de marieuse et Doudkine (Félix Vannoorenberghe) est un pique-assiette qui a beaucoup d'aplomb.

Zinaida (Marie-Paule Kumps) est heureuse de recevoir cette faune remuante. Cependant son avarice et ses préjugés en font une créancière impitoyable. Ivanov n'aura droit à aucun délai, pour rembourser ses dettes. Comme la plupart de ses "amis", elle croit que celui-ci a épousé Anna Petrovna, la "youpine", par intérêt, alors que les parents de la jeune fille, se sentant trahis, l'ont déshéritée. Lorsque sa fille Sacha ( Mélissa Diarra) lui avoue aimer Ivanov et prétend l'épouser, même sans dot, Zinaida pique une crise de nerfs. Lebedev, son mari (Luc Van Grunderbeeck) lui obéit à contre-coeur. Cet homme désabusé, qui attend la mort en se soûlant, a des accès de générosité. Il s'incline devant la détermination de sa fille et souhaite sincèrement son bonheur. Impressionné par l'amour fervent de Sacha, Ivanov s'interroge : est-il capable de la rendre heureuse ?

Même si Ivanov nous déçoit par sa paresse, son immobilisme, son indifférence, sa lâcheté, il a le mérite de s'élever au-dessus de la mêlée. Il refuse la médiocrité des autres personnages, parfois complexes, mais qui se contentent de vivre en sursis. L'exubérance de cette société qui se nourrit de beuveries, de jeux et de commérages s'oppose violemment à la réserve mélancolique de l'antihéros. En mêlant des comédiens débordant de vitalité aux spectateurs qui se font face, la mise en scène de Georges Lini nous plonge au coeur de cet affrontement. Toujours présents sur le plateau, les personnages entendent ce qui se dit sur eux et mesurent la puissance destructrice des cancans. Créée en 1887, la pièce de Tchekhov trouve des échos sinistres dans notre société malade et déboussolée. La troupe d'excellents comédiens, dirigée avec rigueur par Georges Lini, nous le confirme avec brio.

Jean Campion

Est-ce qu'on ne pourrait pas s'aimer un peu ?

Jean Campion — 2022-12-26T22:13:26Z

"Est-ce qu'on ne pourrait pas s'aimer un peu ?"a été créé il y a 22 ans, au Théâtre des Riches-Claires, par le trio qui fête aujourd'hui sa 1200e représentation. Fuyant le romantisme à l'eau de rose, les auteurs ont misé sur l'absurde pour montrer, en particulier aux ados, les pièges tendus par le "grand amour". Si pas mal de jeunes ont contesté cette démystification, des publics chaleureux ont applaudi l'originalité de ce spectacle réjouissant. Comme les grands films muets de Charlie Chaplin, il défie le temps, en privilégiant le comique visuel, pour susciter les émotions.

Arborant des tignasses provocantes, un nez rouge et des vêtements excentriques, un homme et une femme s'installent aux extrémités d'un grand divan. Le trac les paralyse. Encouragés par la musique, ils tentent de timides rapprochements. Avec une gaucherie cocasse. Au deuxième round, les masques tombent. L'homme se montre plus entreprenant, mais exaspéré par la fausse pudeur de l'objet de ses désirs, il critique sèchement son hypocrisie.

Une dizaine d'autres séquences illustreront avec un humour tendre ou caustique différents dangers qui menacent la cohésion du couple. Par exemple l'égoïsme aveugle du mari de Chantal. Imbu de lui-même, il lui coupe systématiquement la parole, pour pérorer sur la réussite de leur union. On comprend la rage et les désirs de meurtre de cette femme ignorée. Parfois le bonheur fait peur. Deux amants qui viennent de faire l'amour discutent de leurs sentiments. Chaque jour elle l'aime davantage. Lui, prétend éprouver la même sensation, mais brutalement... la quitte. La jalousie bien sûr est un poison. Il suffit qu'Eric De Staercke sourie gentiment à une spectatrice pour que Sandrine Hooge la fusille du regard.

Si ce spectacle insolite nous intrigue, nous séduit et nous fait souvent éclater de rire, c'est parce qu'il utilise efficacement le langage du cirque. Acteurs et metteur en scène sont reliés par le chaînon du clown : "Nous avons créé davantage dans l'action que dans la réflexion, presque spontanément, sans prise de tête." Formée à l'Ecole du cirque, Sandrine Hooge nous épate par l'audace de ses cabrioles et l'élasticité de son corps. Comme sa partenaire, Eric De Staercke privilégie le mime, pour exprimer la naïveté, la prétention ou la brutalité. Tous deux se contorsionnent dans des bagarres, dont la violence fait grimacer leurs visages en caoutchouc. La mise en scène précise et inventive de Jaco Van Dormael fait émerger des images signifiantes, tout en imposant à la représentation un rythme haletant. Serge Bodart soutient musicalement le spectacle, mais quitte parfois son piano, pour rendre service à sa femme. Un mari plan-plan , à l'opposé des énergumènes maladroits en amour.

Malgré leur agressivité et leurs échecs, ces paumés inspirent la sympathie. Les scènes burlesques, qui soulignent leur peur de la solitude et leur refus de l'indifférence nous touchent davantage que certaines parodies plus gratuites. Les échanges entre Inge et Kurt se contentent de ridiculiser la raideur germanique. Et le pastiche de vaudeville se borne à agiter des marionnettes. Cependant le public conquis justifie par son enthousiasme, une nouvelle reprise de cette comédie inoxydable.

Je mène une vie scène

Jean Campion — 2022-12-21T11:36:22Z

Dans "Andropause" (2019), Bruno Coppens baissait le masque , pour nous confier son parcours singulier et révéler "l'homme avec ses fêlures, ses doutes, ses questions." Ce dialogue avec son public dissipait sa crainte du vieillissement et bourré d'énergie, il nous poussait à mordre dans la vie. Un élan cassé brutalement par la pandémie. Après des mois de frustration, le "trublion mélancomique" retrouve la scène et le plaisir d'entraîner les spectateurs dans son univers décalé. Les plaisanteries sur leur âge, leurs transformations en sapins et les photos de famille soulignent la connivence entre l'artiste et son public.

Juché sur la bicyclette qui lui a permis de garder la forme, malgré le confinement, le comédien est rayonnant. S'il pédale allègrement, c'est pour lutter contre la crise énergétique. Ses efforts permettront d'éclairer les trois salles du "Public". Ce vélo reliera plusieurs séquences, puisqu'il deviendra une harpe, le bureau d'un "gologopède" et le véhicule d'un Délveroo. Dans la lignée de ses cafés serrés, Bruno Coppens vise différentes cibles avec un humour grinçant. Des vannes sur les politiciens incompétents, indétrônables et sur des Français prétentieux qui regardent de haut une Belgique, qu'ils ignorent. Leur mémoire n'a retenu que le roi Baudouin et l'irrésistible Michel Dardenne. Les Wallons horripilent tout autant l'humoriste. Par leur passivité devant les multiples reports du RER et les chantiers hors de prix qu s'éternisent. Autre source d'exaspération : la déshumanisation. Bruno Coppens s'est révolté contre le robot intégré dans son ordinateur, quand celui-ci a eu l'impudence de lui poser une question ridiculement simple, pour vérifier... s'il n'est pas un robot.

Cet héritier de Sol et de Raymond Devos nous fait partager sa passion pour la langue française. Il plaint les mots orphelins comme "belge, goinfre, monstre, etc." qui ne riment avec aucun autre. Il nous montre aussi que si un Canadien, un Français, un Belge ou un Suisse utilisent une expression locale, pour exprimer la même idée, ils risquent de s'enliser dans les malentendus. Cet inventeur de mots tordus, tremplins de délires poétiques, est bien décidé à rédiger une Grammaire Gréviste. Son sens de l'absurde lui fait imaginer un dialogue burlesque entre un enfant dyslexique et son "gologopède", tout aussi maladroit. Bruno Coppens aime autant les sonorités que le sens des mots, mais ne voit pas d'images. Contrairement à Eric De Staercke, son vieux complice, qui transforme les jeux de mots en situations concrètes. Exposées à la gare des Guillemins, les montres molles de Dali influencent les trains qui, en ralentissant, agacent les voyageurs.

Raymond Devos aurait 100 ans... Bruno le fait revivre avec ferveur et tact par la voix, la gestuelle et des variations drôles et tendres sur son gros ventre. Ce ventre qu'il exhibait généreusement et qui engloutissait "le petit poussin mignon à croquer".

La Fontaine est un autre phare pour ce jongleur de mots, qui s'amuse à nous réciter "Le Corbeau et le renard" en verlan, puis actualise "Le Chêne et le roseau". Soutenu par des lumières crues, il illustre le défi lancé par l'ours arrogant Vladimir Poutine au fragile mais coriace Volodymyr Zelinsky. Des rafales de néologismes, des explosions de colère pour dénoncer la guerre dans toute sa bêtise, dans toute son horreur. Toutes les séquences n'ont pas ce brio. Ainsi la parodie du "Sud" de Nino Ferrer manque d'originalité. Mais ce spectacle confirme l'osmose entre l'artiste et son public. On admire sa maîtrise et on comprend que la scène qui le galvanise est un garant de sa santé.

Jean Campion

Perfect Day

Jean Campion — 2022-12-19T10:07:17Z

"Si tu as envie d'écrire un texte pour moi, c'est le moment." En faisant appel à Geneviève Damas, qu'elle connaît depuis plus de vingt ans, Hélène Theunissen souhaitait sortir d'une période difficile. Pour écrire "A Perfect day", son amie l'a longuement interrogée sur son passé. Mais ce monologue n'est pas autobiographique, il reflète simplement les ressentis d'Hélène Theunissen. Des ressentis que peuvent connaître bien d'autres femmes entrées dans la soixantaine. Cette réflexion sur le temps qui passe, la comédienne a tenu à l'éclairer par le regard de la jeunesse. C'est pourquoi, elle a confié sa mise en scène à Lara Ceulemans (31 ans), dont elle avait déjà apprécié la pertinence.

Depuis que sa mère est atteinte de la maladie d'Alzheimer, Marie Couturier veille sur elle, avec une tendresse de maman. Mais malgré les bains, son corps, gavé de médicaments, exhale une odeur répugnante. Un supplice pour cette créatrice de parfums. Hors de question pourtant qu'elle soit abandonnée dans une maison de repos. Marie se souvient avec attendrissement de cette mère, qui mettait tout son honneur à sortir avec six enfants...impeccables. Elle ne voudrait pas non plus la priver du bonheur que lui offre une journée à Coxyde.

Séparés depuis 14 ans, Marie et Stéphane ont gardé de bonnes relations. Témoin, le repas de Noël qu'ils partagent avec leur fille, "la réussite de leur couple". Si Stéphane est heureux avec Chantal, Marie se persuade qu'à 64 ans, elle n'a plus l'âge de vivre un grand amour. Elle juge son corps avec une sévérité impitoyable. Ses beaux yeux verts et ses dents bichonnées ne masquent pas les pattes d'oie et les bras fripés. Inscrite sur un site de rencontres, elle est désagréablement surprise par l'âge avancé des hommes intéressés. Constatation cruelle atténuée par sa fille. Justine a rompu avec son amoureux, qu'elle juge trop plan-plan et ne tarit pas d'éloges sur son nouvel amant. Quand elle apprend que cet homme a des enfants qui ont atteint la quarantaine, Marie se sent revigorée.

Dotée d'une sensibilité olfactive exceptionnelle, Marie Couturier est devenue un "nez" réputé. Son parfum "Valparaiso" a remporté un énorme succès. La directrice de sa boîte voudrait que cette réussite professionnelle la rende plus conquérante. Elle la pousse à fréquenter les dîners mondains, lui montre l'exemple d'une femme mûre, qui lutte contre l'usure du temps grâce à la chirurgie esthétique. Peu convaincue, Marie accepte une dernière mission avant la retraite : inventer un nouveau parfum destiné aux femmes de son âge (disons la quarantaine !). Pour la seconder, elle choisit parmi trois candidat(e)s, un collaborateur : Alexis, nettement plus jeune qu'elle...

La fluidité de la mise en scène aère le monologue. Nous passons de la loge d'Hélène qui revient sur son passé à l'appartement de Marie qui observe le vieillissement de son corps et revit des émotions : joie, désillusion, doute, panique, espoir. Autre rapprochement entre réalité et fiction : le cadreur Gaspard Audouin filmant Hélène suggère la relation qui s'établit entre Alexis et Marie. En éclairant les liens qui unissent l'héroïne à sa mère et à sa fille, Geneviève Damas illustre subtilement les cycles de la vie. Contrairement aux préjugés et aux stéréotypes, l'évolution physique et morale de la femme ne devrait pas la condamner au déclin et au renoncement. Hélène Theunissen maîtrise remarquablement ce texte incisif, sans fioritures, où se mêlent émotions retenues et humour mordant. Marie n'est pas une revendicatrice, mais une femme sincère, qui nous touche par ses doutes et sa difficulté à saisir sa chance.

Jean Campion

Une Fable séduisante et terrible

Jean Campion — 2022-11-28T16:31:28Z

En 2019, Thierry Debroux proposait une adaptation angoissante de "1984", le chef- d'oeuvre de Georges Orwell, paru en 1949. Pris à partie par la mise en scène ingénieuse de Patrice Mincke, le public était plongé dans l'univers cauchemardesque de ce roman prémonitoire. Orwell fait preuve de la même lucidité dans "La Ferme des animaux". Ce récit satirique démystifie la révolution russe et dénonce les méfaits du stalinisme. Des mises en garde malheureusement de plus en plus d'actualité. C'est pourquoi il est heureux que Thierry Debroux nous en propose une version musicale accessible à tous.

Après un court préambule qui justifie la statue du cochon, le rideau se lève sur un décor imposant. Modulable, il permet d'enchaîner les séquences sur un rythme vif. Une dizaine de comédiens, associés à de jeunes talents, jouent plusieurs rôles, chantent et dansent. Leur vitalité nous entraîne dans un spectacle coloré et pétillant. On savoure les créations musicales de Laurent Beumier. On apprécie la singularité des masques, le pouvoir de suggestion des costumes et la qualité des chorégraphies, orchestrées par Emmanuelle Lamberts. Cependant si cette comédie régale les yeux et les oreilles, elle permet aussi, par sa limpidité, de comprendre les avertissements de Georges Orwell, qui a publié cette fable en 1945, un peu avant le début de la guerre froide. Une période de tensions parallèle à la nôtre...

Inspiré par un rêve, Sage l'Ancien, le cochon le plus âgé, prône l'égalité entre les animaux. Il les incite à s'unir et à se rebeller contre le fermier Mr Jones, qui les traite en esclaves. Convaincus, ils entonnent un chant des partisans. Exaspéré par le vacarme, Jones tire des coups de carabine à l'aveuglette, les animaux regagnent leurs cages. Quelques jours après son discours, Sage l'Ancien meurt. Mais son rêve se réalise. Affamés, les animaux attaquent les ouvriers de Jones, chassent tous les hommes et prennent possession du domaine, qu'ils baptisent "La Ferme des animaux". Boule-de-Neige, César et Beau-Parleur, trois cochons choisis pour leur intelligence supérieure, élaborent les sept commandements qui la régissent, le premier étant : "Tout deux pattes est un ennemi."

Les animaux mangent à leur faim et sont heureux. Pas tous ! Incapable de résister aux sucres et aux flatteries, la jument Molly pactise avec les humains. Plus grave : l'hostilité entre les chefs, constamment en désaccord. Puisque Boule-de-Neige veut faire construire un moulin à vent, César est contre. Bien décidé à accaparer le pouvoir, celui-ci calomnie puis chasse son rival. La voie est libre pour imposer une dictature fondée sur l'hypocrisie, le mensonge et la trahison. On ajoute par exemple à "Nul animal ne tuera un autre animal." (6e commandement) "sans raison valable". Devenu tout-puissant, César instaure un culte de la personnalité et favorise la race supérieure des cochons, qui dorénavant marchent sur deux pattes. Lorsqu'il vante l'intérêt du commerce avec les hommes, les animaux sont déconcertés. Beau-Parleur réussit habilement à leur faire accepter ce revirement. Tout en leur promettant une amélioration de leurs conditions de vie, le dictateur leur impose un travail harassant. Hercule, un vieux cheval stakhanoviste, en est victime. Il serait mort d'épuisement... à l'hôpital. Fake-news ! Un fourgon a emmené ce travailleur, désormais inutile, à l'équarrissage.

Cochons et hommes sont entourés de toute une faune symbolique, représentant "les animaux". La rigueur de la mise en scène empêche ce foisonnement de disperser notre attention. Nous nous attachons aux principaux protagonistes : Sage l'Ancien (Thierry Janssen) déclencheur de la révolution, Boule-de-Neige (Fabian Finkels) opposant héroïque à César (David Pion), tyran soutenu par le rusé Beau-Parleur (Guy Pion). On sort de ce spectacle ébloui et perplexe. Quand ferons-nous taire César ?

Jean Campion

La Violence, un poison qui gangrène la famille

Jean Campion — 2022-11-24T10:54:23Z

Dans "Cinglée" (2009), Céline Delbecq décrit le comportement d'une femme simple, naïve, bouleversée par la banalisation des féminicides. Solidaire des victimes, celle-ci lutte avec acharnement contre leur oubli. Un combat qui la condamne à perdre pied dans un monde indifférent.
Autrice et actrice des "Yeux noirs", un triptyque qu'elle joue avec Sébastien Bonnamy, Céline Delbecq interroge à nouveau la reproduction de la violence conjugale. Dans ces trois textes, celle-ci est un venin qui empoisonne la vie familiale.

Dans "PHARE", une femme est tiraillée entre la nécessité de fuir un mari tyrannique et le désir de continuer à partager la vie d'un homme, qu'elle ne peut s'empêcher d'aimer. Depuis 14 ans, ils vivent dans ce phare, subissant les assauts des vagues imprévisibles, changeantes. Benoît est devenu gardien, en succédant à son père. Elle l'aurait suivi n'importe où. "La mer me l'a rendu fou." Un petit retard suffit à déclencher sa hargne. Rouée de coups, elle se persuade que c'est un "autre" qui la cogne. Quand baignant dans son sang, elle l'entend pianoter toujours la même petite musique, elle imagine son mari enfant. Ses yeux noirs effarés encaissent les coups assénés par son père à sa maman. "Un désastre qui lui rentre dans la peau à tout jamais". Cependant son désir de le consoler est balayé par sa révolte contre son bourreau. Son fils a peur que ses cris le réveillent. Sa fille s'empresse de frotter les traces rougeâtres. Il faut partir, "avant que les vagues ne nous enterrent". Malgré sa douleur et les menaces de "l'autre". Céline Delbecq vit la détresse de cette amoureuse piétinée, avec une intensité poignante. Sa gestuelle et ses changements de ton rendent palpables les contradictions qui la paralysent.

Marchant rageusement sur un tapis roulant, Sébastien Bonnamy incarne un jeune homme qui s'enfonce dans "LA NUIT NOIRE". En espérant que Chiara, son amour, le rattrape. Les commentaires qu'il s'adresse éclairent progressivement son désarroi. Il fêtait ses vingt ans, mais la soirée a mal tourné. A chaque anniversaire, les nuits noires de sa vie ressurgissent. Celles où il aurait voulu "faire bouclier de son petit corps d'enfant", pour protéger sa maman des coups de son père. Lorsqu'à la fête, il a surpris des sourires complices entre Chiara, la douceur de sa vie et ce fils de pute, il a vu rouge. Armé d'un tesson de bouteille, il voulait le défoncer, venger l'enfant impuissant, "être quelqu'un". Comme son père ?... Non ! Le refus de perdre Chiara le libère des fantômes du passé...

La langue percutante et poétique de ces monologues contraste violemment avec les dialogues familiers des "OMBRES". Six instantanés qui nous font assister au dessèchement d'un couple. LUI éprouve un besoin maladif de l'entendre dire : "Je t'aime". Les rendez-vous qu'ELLE est obligée de donner à ses clients les isolent et excitent sa jalousie. Elle a beau dissiper les malentendus, s'excuser, se montrer obéissante, il laisse les soupçons l'envahir. Son aveuglement et sa mauvaise foi le rendent de plus en plus tyrannique. Ivre, il la traite de sale pute et envoie promener le landau. Ce premier bébé qu'elle attend, il en était fier. Ce sera un fils ! Il s'inquiétait, quand elle "faisait sa gueule de l'enfant est mort". Maintenant, il se demande si elle ne ferait pas mieux d'avorter.

Les deux comédiens se complètent efficacement, pour faire sentir que la désagrégation de ce couple est grotesque, choquante et inéluctable. Passant des insinuations aux critiques, puis aux coups de gueule et aux insultes, Sébastien Bonnamy se laisse dominer par la violence. Céline Delbecq s'appuie souvent sur des silences, des mimiques pour traduire la tolérance, la lucidité et le désespoir de son personnage. La mise en scène épurée de Jessica Gazon imprime aux monologues un rythme très soutenu. Illustration intéressante de l'enlisement du couple dans "Les Ombres" : en manipulant des fils, LUI tisse une toile dans laquelle ELLE se débat.
Cette nouvelle création confirme le grand talent de Céline Delbecq.

Jean Campion

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Se battre comme un diable

Jean Campion — 2022-11-17T14:28:05Z

Depuis 34 ans, Geneviève Damas et Isabelle Defossé ont vu leur amitié grandir et résister à l'usure du temps. Partenaires dans "Stib", une pièce de Geneviève Damas(2009) , elles incarnaient deux femmes séparées par un fossé profond, qui se découvraient progressivement dans le regard de l'autre. "Hors-jeu" illustre à nouveau la complexité de l'amitié. Très sportive et fan de foot, Geneviève imagine que deux soeurs ont gagné à la loterie, des places pour assister à la Coupe du monde de football 2022. Les deux amies pourraient jouer les rôles de Magda et d'Eva, ces jumelles chançardes... Impossible ! Isabelle veut que sa voix serve à ceux qui n'en ont pas. Elle refuse de cautionner le choix ridicule et scandaleux du Qatar. Pour calmer son indignation, Geneviève lui propose de collaborer au texte. Elle pourra dénoncer les pétro-oligarchies ? Oui ? Alors, c'est d'accord.

Culottée, Isabelle s'empresse de contacter des directeurs de théâtre, pour leur vanter les qualités de ce spectacle en construction. Un zèle qui bute malheureusement sur des visions de la Coupe du monde diamétralement opposées. Ces stades tout neufs, faut-il en apprécier l'élégance architecturale ou concrétisent-ils l'arrogance de nouveaux riches, insensibles à la misère des ouvriers qu'ils exploitent ? Les tensions entre Magda et Eva déteignent sur les comédiennes. Vexée par Isabelle qui lui reproche de se contenter de coups d'un soir, Geneviève la harcèle de questions sur sa vie sexuelle. Celle-ci lui tient tête, au nom de son amour pour un mari plus âgé qu'elle. Des querelles qui cependant ne déracinent pas l'amitié.

"Hors-jeu" s'articule entre la réalité des comédiennes construisant leur spectacle et la fiction de leurs personnages. Les annonces au micro confirment au spectateur qu'il assiste à des scènes de théâtre, mais le dispositif trifrontal lui donne l'impression d'être dans un stade, une arène, pour assister aux affrontements entre Isa et Gene. Malgré leurs différences et leurs divergences, elles se battent pour tenter de donner du sens à leur vie.

Eden Hazard viendra leur rappeler l'importance de cet objectif, en leur lisant un texte de Francis Bacon. Eh oui ! Les dieux du stade viennent au secours des fans, dans "cette histoire où on ne sait plus ce qui est vrai et ce qui est faux". Elle bascule dans le conte de fées. Tout de blanc vêtu, Michel Lecomte apparaît comme un père rassurant, qui encourage les héroïnes à tenir bon et leur promet la victoire.

Depuis qu'elle supporte les diables rouges, Geneviève Damas fantasme sur Kevin De Bruyne. Face à son portrait, elle se lance dans un dialogue surréaliste, s'excusant de ne pas le poursuivre en néerlandais. Cet échange entre la fan paniquée et l'idole bourrue est hilarant. Il illustre la principale qualité de "Hors-jeu" : l'autodérision. Même si elles nous touchent parfois par certaines révélations, les autrices-comédiennes cherchent avant tout à nous amuser. Sans se ménager. Ces féministes osent même danser sur "Femmes des années 80" de Michel Sardou, une chanson particulièrement machiste. Dommage que les différentes séquences ne s'enchaînent pas sur un rythme plus vif. La pièce souffre même de certains temps morts. Cette lenteur incite à comparer l'intérêt de scènes fort diversifiées. Cependant, grâce à leur punch et à leur simplicité, les meneuses de jeu nous aident à apprivoiser ce spectacle insolite et drôle.

Jean Campion

Une Rencontre stimulante

Jean Campion — 2022-11-07T14:10:36Z

Dans un fouillis bucolique, au parfum d'arrière-saison, deux vieux gamins, culotte courte et grosses bottines, s'apprêtent à "faire les Jacques". Prévenants ou facétieux, ils invitent les spectateurs à retrouver leur âme d'enfant, pour s'amuser avec Prévert. Grâce au casque audio, chacun peut savourer les mots, parfois chuchotés par Nicolas Buysse et Greg Houben. Une relation intime qui ne nous isole pas. En témoignent les réactions euphoriques d'un public complice.

Se partageant "Dans ma maison", Greg et Nicolas opposent d'emblée douceur, liberté à stupidité, abus de pouvoir. L'un rêve à la femme qui le rejoindra, l'autre dénonce la vanité des hommes, capables de dire "des choses aussi bêtes que bête comme ses pieds ou gai comme un pinson."
Très souvent, chez Prévert, l'amour de la vie nourrit la contestation de l'ordre établi. L'utilisation d'objets hétéroclites, de poupées, de marionnettes soulignent la fragilité de l'enfant, soumis à la loterie de l'existence et confronté à la mort. Les rires provoqués par l'illustration maladroite de la chanson "Le Chat et l'oiseau" ne masquent pas l'amertume et le cynisme du chat. En revanche, "Pour faire le portrait d'un oiseau" fait briller un soleil radieux. Enivrés de liberté, les vieux enfants suivent avec enthousiasme cette recette magique.

"Notre Père qui êtes aux cieux,
Restez-y
Et nous, nous resterons sur la terre
Qui est quelquefois si jolie."
Anar, rebelle, Jacques Prévert se laisse emporter par son anticléricalisme, en stigmatisant les maîtres de ce monde, "avec leurs prêtres, leurs traîtres et leurs reîtres". Mais il se montre encore plus corrosif, quand il tire à boulets rouges sur l'hypocrisie sociale. "Il faut laver son linge sale en famille." Propulsé par la fougue du texte, Nicolas Buysse rend monstrueux cet acharnement à sauver les apparences. Curieux mélange de douceur enfantine, de refus gonflé de colère et d'adhésion à la vie, Prévert aimait la convivialité. Les comédiens le rappellent, en trinquant joyeusement avec le pianiste Mathieu Van, qui les soutient tout au long du spectacle, et en distribuant des fruits et du chocolat (devinez la marque...).

Pour l'auteur de "Paroles", l'amour est une valeur sûre, un rempart contre le malheur. Mais fissuré par l'usure du temps, il engendre souvent la mélancolie. "Déjeuner du matin" décrit une rupture, avec une froideur glaçante. En associant la lecture du poème par une spectatrice à son illustration par Greg, Nicolas en souligne l'extraordinaire simplicité. Fredonnée par Yves Montand dans "Les Portes de la nuit" (1946), un film raté, "Les Feuilles mortes" est devenue une chanson culte. Pas une ride. Une mélancolie douce et implacable se dégage de ses paroles. Nicolas le confirme par la sobriété de son interprétation et Greg, dans un solo de trompette, magnifie la musique envoûtante de Joseph Kosma. Tous deux relèvent ce défi au temps, en reprenant "La Chanson de Prévert" (Serge Gainsbourg) : "Jour après jour, les amours mortes n'en finissent pas de mourir."

L'espièglerie, l'autodérision, l'enthousiasme et le talent des trois "Jacques" créent un climat favorable à la découverte d'un poète accessible et profond. On l'a souvent catalogué "poète pour écoliers". On lui a reproché la simplicité de son langage, ses plaisanteries faciles. Des préjugés que le spectacle fait voler en éclats. Prévert ne donne pas de leçons. Attaché à la vie et aux gens simples, il joue avec les mots, pousse des coups de gueule, des cris d'amour et suscite des émotions. Elles devraient contribuer à nous rendre plus humains.

Jean Campion

Un Nouveau cri d'alarme

Jean Campion — 2022-10-24T13:22:30Z

C'est en interviewant des paysans de Limagne (centre de l'Auvergne) sur leurs conditions d'existence que Guillaume Cayet a pris connaissance du drame de Jérôme Laronze. Après neuf jours de cavale, cet homme a été abattu de six balles dans le dos, par un gendarme, le 20 mai 2017. Le crime de cet éleveur de vaches limousines ? Avoir défendu une agriculture humaine, en s'opposant au traçage de ses bêtes, imposé par les normes européennes. Ce fait divers tragique a inspiré à Guillaume Cayet un monologue vengeur. Retravaillé avec le concours de Marie- Pierre, une des soeurs de Jérôme Laronze, il est devenu un oratorio poignant.

"Celle qui parle, c'est l'autre du même ventre", sa soeur, Marie-Pierre. Avocate, elle va nous raconter, en neuf mouvements, comment son frère Jérôme, paysan humaniste, a été acculé au désespoir. Elle admirait ce "géant". Prenant le relais de trois générations, il se battait pour sa ferme, seul. Une éventuelle épouse avait vite renoncé à l'épauler. C'était un homme chaleureux qui, le dimanche, animait les réunions familiales, en jouant avec ses neveux et en écrasant ses adversaires au tarot. Fermier bio, Jérôme Laronze refuse d'appliquer les recommandations tatillonnes, imposées par les grands groupes de l'agro-business. Les contrôleurs de la D.D.P.P. (Direction départementale de la protection des populations) le harcèlent. Juché sur son vieux tracteur, il les défie. Mais ce combat perdu d'avance le mine. Plus de parties de tarot. Il s'isole dans sa maison aux rideaux fermés.

Des signes inquiétants qui culpabilisent Marie-Pierre. Pourquoi n'a-t-elle pas volé à son secours ? Les suicides de paysans se multiplient. Leur histoire "prend la couleur d'une corde, l'odeur d'une poutre, le fumet d'un plomb." Jérôme résiste à l'épidémie : "Ni suicide, ni reddition." Sous la pression des lettres de rappel, des injonctions de plus en plus menaçantes, il prend le maquis... Pendant neuf jours échappera aux gendarmes lancés à ses trousses, s'offrira même le luxe de revenir fugitivement chez lui. Mais une dénonciation le transformera en cible. Dans la Toyota criblée de balles, on retrouvera sous le siège du passager, une arme dont il ne s'est pas servi.

Comme Antigone, Marie-Pierre veut défendre la mémoire de son frère. Elle se bat pour que ce crime soit reconnu comme violence policière. Il est inadmissible que le juge instruise le dossier de Jérôme, en ignorant la responsabilité du gendarme meurtrier. L'avocate montre aussi que la violence subie par son frère gangrène toute la communauté paysanne. Infantilisés, harcelés, ces garants de l'alimentation nationale disparaissent peu à peu. Leur ténacité, leur bon sens sont étouffés par des contraintes favorables à l'agro-business. "Les paysans ne meurent pas. On les efface. Il s'agit d'un meurtre orchestré." Un cri d'alarme qui fait écho à ceux lancés par les héros de deux films : "Petit paysan" (2017) et "Au nom de la terre" (2019).

Dans cette tragédie moderne, Guillaume Cayet transforme le deuil en révolte. Grâce à son écriture travaillée, rugueuse, mêlant le réel et la poésie, il nous sensibilise, par étapes, à l'effondrement d'une bonne partie du monde rural. Les interventions de la chanteuse lyrique Catherine Lybaert, accompagnée au violoncelle par Merryl Havard donnent parfois un écho déchirant à cette prise de conscience. Les nuages qui s'accumulent progressivement sur l'écran géant sont au diapason. Par la sobriété de sa mise en scène, Michel Bernard concentre notre attention sur Marie-Pierre. Stéphane Bissot lui insuffle une pugnacité et une ferveur bouleversantes. Fixant souvent le public, elle réclame justice et veut éveiller les consciences. Sa lucidité nous impressionne, mais c'est surtout son coeur qui nous touche.

Jean Campion