Demandez Le Programme

Quand cocaïne et théâtre ne peuvent pas se sniffer

Caroline Paillard — 2011-12-20T08:53:04Z

D'abord, il y a le titre de la pièce qui titille la curiosité. Puis il y a le pitch qui émoustille déjà les zygomatiques. Vient alors la distribution dont les noms évoquent des synonymes de talents réunis. Il y a aussi l'annonce du programme qui nous dit « ces joyeux bras cassés sont doués pour rien sauf pour nous faire rire » Et enfin, il y a le théâtre qui les invite, dont le leitmotiv nous promet « ça va être dur de ne pas rire ». Gonflé à bloc par ces teasers alléchants, et après avoir traversé les émeutes de Matongé pour arriver au Théâtre de la Toison d'Or, ce soir-là, on se dit qu'on va prendre une bonne dose de rire bien méritée !

Jo, Tony, Franckie, Ritchie et Sergio ont rendez-vous pour le casse du siècle : dénicher le magot planqué dans les murs du château d'une comtesse. Se retrouver à un rendez-vous c'est plutôt basique me direz-vous, mais quand ce sont cinq petites frappes totalement à l'ouest qui doivent s'y rendre, c'est déjà le bordel dans le GPS de leur(s) neurone(s). Entre les quiproquos au téléphone sur fond de friture sur la ligne, les pensées tendance Feng-shui et plantes calmantes de l'un et les pulsions psychopathes qui virent aux envies de cul de l'autre, c'est sûr, les gaillards sont mal barrés ! Là où ça coince, c'est que le public coince vraiment et les comédiens qui n'en sont pas à leur premier rail de scène, coincent aussi, bien malgré eux. Aussi stupéfiant qu'inexplicable : la came ne prend pas, alors qu'elle devrait nous emmener dans un flash zygomatique dès les premiers sniffes de répliques. L'ambiance cinématographique à la « Tontons flingueurs » ne passe pas en version théâtrale, malgré tout l'évident travail produit en amont. Seule la scène d'entrée dans le château, au hasard des lampes de poche dans le noir, est hilarante, mais n'arrive que vers la fin…

L'asphalte du texte accroche quelques excellentes répliques (Jo/Didier Colfs) mais tombe surtout dans plusieurs nids de poule qui bloquent le rythme ou n'amènent pas grand-chose. La mise en scène (dealée méthodiquement par Olivier Massart) aurait peut-être gagné quelque chose à dépasser franchement la ligne blanche. Le réglage des moteurs de ces comédiens tous terrains (Didier Colfs, Nicolas Ossowski, Patrick Ridremont, Ahmed Ayed, Nina Drecq, Thomas Struyck) semble trop serré pour qu'ils ne se trouvent pas à l'étroit dans la conduite de leur jeu. Dommage, car le travail de construction des personnages, tous aussi différents, paumés, frimeurs, mythomanes et attachants les uns que les autres, est très juste.

Vous l'aurez compris, on déplore un seul effet secondaire en fin de soirée, mais pas bien grave : celui de se sentir un peu trompé sur la marchandise ; avec ou sans la paille, cette prise théâtrale goûte plus le coca-cola que la coke. Si elle n'est pas le casse du siècle annoncé, elle n'est pas pour autant une arnaque. Il vous reste à vous faire votre propre shoot pour vous faire votre propre avis.

Céline Verlant

Une laborieuse entreprise : teaser

Caroline Paillard — 2011-11-21T15:26:19Z

UNE LABORIEUSE ENTREPRISE from Rideau de Bruxelles on Vimeo.

On se suivra de près : teaser

Caroline Paillard — 2011-11-10T14:07:10Z

Childéric / Un paradis sur terre : teaser

Caroline Paillard — 2011-10-28T11:35:08Z

Where is Brian ?

Caroline Paillard — 2011-10-12T07:53:09Z

No idea but we don't care ! Que Brian reste dans sa « kitchen » et qu'on en parle plus… En effet, Avec Sue, Helen, Zena, Tom et Julian, nous sommes servis et, à dire vrai, même très bien servis ! C'est sur un plateau d'argent qu'ils nous offrent une pièce drôle, absurde, complexe et pleine de surprises. En un mot, délectable !

Un concept alléchant - une pièce londonienne, jouée par des britanniques et surtitrée en français - et un scénario, sorte d'Ionesco transcendé, fabuleux. Mind Out ne souffre dès lors d'aucune fausse note ! On se retrouve plongé dans un univers saugrenu régi par les actes qui ne sont que moult mises en abyme, si l'on peut dire, de cette expression toute puissante qu'est la parole, moteur réel de la pièce.

Loin d'être un défi facile, celui-ci est pourtant relevé haut la main par Julian Maynard Smith et ses compères. Virevoltant entre rythme intense et haché et digressions monologuées plus diffuses, le jeu des acteurs reste constant et tout simplement excellent.

C'est le souffle coupé que nous ressortons de cette création pour le moins génialissime, époustouflée à la fois par le travail de longue haleine et d'une précision hors du commun que doit être la mise en scène, et par la prestation plutôt sportive et renversante des comédiens.

Voici donc un méli-mélo de faits et gestes entrecoupés de dialogues, à chaque fois introduits par un tiers, tenant le rôle étonnant de narrateur omniscient momentané, qui révèle plus de rebondissements que vous n'êtes capables de l'imaginer. Ils nous font tourner la tête, ces Anglais ! Et notre seule déception est qu'ils ne restent que trois jours.

Carole Glaude

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Mamma Medea : teaser

Caroline Paillard — 2011-10-10T10:42:14Z

La mort de l'argent

Caroline Paillard — 2011-10-10T08:54:07Z

L'argent parle-t-il de l'argent lié à la mort ou plutôt de la mort qui est toujours liée, d'une manière ou d'une autre, à l'argent ? Telle est la question que nous nous sommes posée à la sortie de la pièce.
C'est un concept pour le moins alléchant que nous présente ici la Balsamine :
« Voici un projet emblématique de notre saison : l'argent lié à la mort. (…)Il est de plus en plus difficile d'estomper le fossé entre ceux qui n'ont rien, même pas les mots, ceux qui ont de moins en moins et ceux qui ont tellement qu'ils ne savent plus comment le cacher. La vie artistique, miroir de nos sociétés, reflète cette précarité générale. L' « artiste », empêché d'accomplir son œuvre, en est réduit à la non-existence. »

Cette mort de l'art, de l'âme… Cette société de consommation qui broie tout, à commencer par du noir, annihile les moindres rêves et envies sans sourciller. En voilà un thème contemporain qui devrait en intéresser plus d'un !

Seulement, il n'en est rien. Les phrases saisies sur le site du théâtre ne reflètent pas complètement le projet d'Arcas qui tente en réalité d'établir un parallélisme métaphorique pour le moins obscur entre notre conception humaine de l'argent et de la mort. Et c'est tout de suite beaucoup plus complexe…

Malheureusement, si le décor est audacieux et la mise en scène intrigante, la lenteur extrême et le manque de luminosité desservent totalement cette pièce absurde et décousue au possible ! Un poil trop d'ailleurs. Le jeu loufoque des acteurs – comprenant son lot d'hésitations, de silences, de répétitions et de tics - crée un rythme haché qui, drôle au départ, finit irrémédiablement par lasser et, entre fatigue et exaspération, notre cœur balance plus d'une fois.

Loin de nous l'envie de dénigrer cette création théâtrale mais nous nous devons d'avouer que, personnellement, nous ne fûmes que très peu convaincue par les moyens de communications usités…

Carole Glaude

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C'est bon quand c'est fort !

Caroline Paillard — 2011-10-07T09:49:17Z

Sans doute une plaie supplémentaire au corps archi-mutilé de la compréhension humaine, du sens existentiel ce Play Loud. mais comme c'est bien fait ! Cette fois, Falk Richter a planté son décor dans une chambre d'enfants en escalier parsemée de peluches, cassettes vidéo, coussins, amplis, guitares et micros. Les comédiens, de pyjamas vêtus, transitent énergiquement entre réel et fiction dans des tableaux disparates à forte puissance relationnelle.

Avec Play Loud, on se retrouve à la fois dans l'insouciance du jeu et dans la lucidité de la condition multi-formatée. Les variations d'émotions font battre de manière irrégulière nos petits cœurs, serrent nos gorges sensibles ou leur extraient des rires compassionnels (notons le jeu impressionnant de Cédric Eeckhout). On ne peut que se sentir touché par les paroles de ces hommes et femmes en habits de nuit. Sans doute parce qu'elles synthétisent la somme de vécus plus ou moins torturés et imprégnés d'images marquantes ou simplement fantasmées. Le tout, dans un climat borderline entre retours à l'enfance et doutes d'adultes entièrement assumé.

Les images parcourent trois grands écrans qui bordent la scène. Elles proviennent tantôt du cinéma, tantôt expriment la diversité naturelle ou industrialisée de notre cher monde. Une profusion visuelle qui alterne avec beaucoup de musique. Greg Rémy de Ghinzu accompagne parfaitement à la guitare Lucie Debay et Anne Tismer dans des balades douces ou des morceaux plus trash. La pièce est d'ailleurs construite comme un album, en séquences plus ou moins indépendantes, en histoires fortes et condensées.

Touchantes également les chorégraphies récurrentes de corps entremêlés qui avancent lentement ensemble. Puis on se touche beaucoup dans Play Loud, on court et on crie. Ça vit fort sur la scène, même si on a parfois l'impression que c'est un grand bordel. Comme la vie au fond…

Samuel Bury

Quand un champignon fait l'effet d'une bombe

Caroline Paillard — 2011-10-06T09:05:51Z

Alex Lorette est auteur, metteur en scène et comédien, fondateur de la compagnie Kinésis en 2006. En 2010 il a mis en scène et interprété « Terres Mortes » de Franz-Xaver Kroetz (qui lui vaudra la nomination de « Meilleure Découverte » par les Prix de la Critique). Ses recherches questionnent essentiellement les notions de l'identité, du territoire et de la mémoire, tout en interrogeant le rapport au public et la forme théâtrale.

Hiroshima, événement historique majeur du 20e siècle est donc un sujet de choix pour cet auteur et metteur en scène, qui en propose ici une lecture-puzzle inspirée de témoignages réels, dont les individualités, forcément partielles et subjectives, apportent leur pièce à l'édifice. Sans tomber dans le pathos des images dramatiques, l'écriture poétique de ce « théâtre témoignage » propose une mise en lumière du rapport que chacun d'entre nous entretient avec le « très lointain », le « juste avant » et le « juste après » dans le temps et l'espace.

Toute en sobriété, la mise en scène (assistée par Léonore Frenois) donne néanmoins un cadre créatif au jeu des comédiens, qui alternent chœurs, monologues, jeux corporels. La scénographie d'Hélène Kufferath est emprunte d'une esthétique épurée mais juste, qui nous plonge dans des images fortes. L'ombre du nuage atomique retombant sur le sol, aux contours de la carte géographique du Japon, est dramatiquement belle, la scène d'une fête où coule le champagne en papier de soie noire, est horriblement efficace. Mis à part quelques longueurs et niveaux de jeu des comédiens par moments différents, Pika Don est un projet dont Alex Lorette a abouti ce qu'il voulait en dire et en montrer.

Céline Verlant

Orgueil et préjugés

Caroline Paillard — 2011-10-03T18:25:27Z

Amour(s) secret(s) n'est pas une pièce comme les autres. Si « The Pride », de son titre original, fut un énorme succès en Angleterre en 2008, ce n'est pas pour rien. La pièce d'Alexi Kaye Campbell offre une histoire en deux temps pleine de rebondissements et très agréable abordant des thèmes universels tels que l'amour et la solitude à travers ces deux états : le changement et son contraire, la persistance.

Malgré quelques petites lenteurs au début, force est de constater que c'est indéniablement un scénario abouti et très bien ficelé qui apporte son lot de réflexion et nous offre un aspect intéressant de l'Histoire et de ses mœurs. Car un phénomène banalisé aujourd'hui comme l'est l'homosexualité ne le fut pas toujours et ne l'est jamais tout à fait, Alexi Kaye Campbell nous ouvre les portes d'un monde réel, sans paillette ni confetti, et nous montre la vie, telle qu'elle est… Telle qu'elle était.

Une pièce qui incite à méditer, donc, sur les liens sociaux mais qui ne manque pas pour autant d'humour. À cela s'ajoute un décor incroyable, à la fois minimaliste et très élaboré et une mise en scène originale (bien que parfois perturbante) qui met bien en exergue les entrelacs temporels imaginés par l'auteur. Quant aux acteurs, ils sont tous bons.

Cependant la prestation des deux protagonistes principaux se démarque légèrement de celle de Sabine Haudepin et Didier Colfs. Alors que ces deux derniers sont pétillants et parfaitement bien dans leur rôle, Alexi Goslain et Olivier Massart semblent plus hésitants, moins… convaincants et offrent une image quelque peu pathétique à leurs couples, induisant un malaise confus chez le spectateur.

Carole Glaude

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