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Un calme en sursis

Cindya Izza — 2013-11-09T16:49:15Z

Co-fondateur et membre du "Raoul Collectif", qu'on ne présente plus, Romain David s'allie cette fois à Yaël Steïnmann pour explorer le territoire de Saint-Josse comme on le ferait d'une carte au trésor, avec, à la clé, un butin énorme de justesse et d'émotion.

"On n'a rien en commun si TU le veux." La réplique résonne étrangement fort dans la bouche de la vénérable Joséphine. Sauf que Joséphine n'est pas vénérable, ni même vieille : elle chante, danse, crie et jure comme un charretier. Elle est aussi pleine de vie qu'Adam et Chawki, les deux jeunes loups à qui elle donne la réplique, aussi pleine de frustrations et de revendications au sujet de son quartier, son territoire, son royaume.

Ce dialogue improbable entre trois vies parallèles qui se partagent ce mouchoir de poche en voie de disparition qu'est Saint-Josse accomplit le petit miracle d'éviter tous les écueils au tournant desquels on l'attendait : belge sans être hermétique, lucide mais pas pessimiste, humaine sans mélo, Romain David et ses trois bijoux de comédiens nous offrent, plutôt qu'une plongée, une joyeuse entrée au coeur de "leur" commune.

Comme une balle de flipper, le propos fonce, rebondit, change de trajectoire, feinte et roule des mécaniques, conscient que trois petites voix vouées à finir dans la gueule béante de l'oubli collectif ne peuvent pas grand-chose contre une machinerie entière, mais néanmoins bien déterminé à nous secouer pendant cet unique tour de piste.

Portée par une mise en scène délicate et poétique, la petite histoire de ces trois quidams qui voient leur quartier se faire manger tout cru raconte la grande histoire, universelle, du malaise qui s'installe quand la vie déserte les quartiers populaires pour les transformer en no man's land et que les tribus se retrouvent sur le trottoir et sans territoire. On a tous besoin d'être quelque part.

Passa Porta festival, c'est parti !

Cindya Izza — 2013-03-21T16:57:02Z

On l'attendait depuis deux ans, le revoilà ! Durant quatre soirées et une journée, le Festival Passa Porta déferle sur Bruxelles avec des rencontres, des lectures et des débats conviant écrivains et penseurs du monde entier.

Avis aux affamés de littératures : nous sommes en 2013.
Et alors ?

Et, alors, année impaire oblige, Passa porta, la maison internationale des littératures de Bruxelles, orchestre et accueille une fois encore le festival de littérature international de Belgique.

Le coup d'envoi a été donné ce mardi 20 mars avec l'auteur algérien Boualem Sansal. Lauréat en 2011 du Prix de la Paix des libraires allemands, Il est un des initiateurs du mouvement mondial Écrivains pour la paix. L'auteur, censuré dans son propre pays, est venu parler du besoin d'imagination et de rêve dans notre société. L'évènement affichait complet mais l'intervention est disponible en streaming.
Le reste du programme s'annonce au moins aussi riche et passionnant.
Vendredi soir, rendez-vous aux Halles de Schaerbeek pour un débat polyphonique intitulé "Arab Spring : writers in revolution". Cinq auteurs du Moyen-Orient prendront la parole pour témoigner des bouleversements qui transforment leurs sociétés et leurs écritures. Béatrice Delvaux et Mohamed Berrada animeront la discussion.
Samedi, la nuit appartiendra entièrement à la fiction, et plus particulièrement à la nouvelle ! Une pléthore d'auteurs de renommée mondiale convergeront vers le Studio 4 de Flagey, le temps d'une longue balade nocturne au fil de l'imaginaire.
Vous êtes plutôt diurne ? Laissez tomber la grasse matinée du dimanche et enfilez vos baskets ; le parcours passa porta, ce sont des rencontres, des visites guidées, des ateliers, des débats, des lectures et des scènes, partout dans Bruxelles, de 11h à 19h. On épingle au passage : Une balade littéraire sur le thème des légendes urbaines avec Aurore van de Winkel, une rencontre avec Tahar Ben Jelloun et Isabelle Durant sur le thème des relations culturelles entre l'UE et le monde arabe, une lecture érotique avec Philippe Delerm.

Le menu complet de ce programme pantagruélique est disponible sur le site du festival. Bon appétit !

Cindya Izzarelli

Everything we see or seem...

Cindya Izza — 2012-12-03T11:18:57Z

Le collectif 6414 réunit une douzaine de jeunes acteurs issus d'écoles belges et françaises. Il s'est formé en 2011. La petite fille est la première recherche de ce collectif. Sous la plume d'Emilie Maréchal s'entrechoquent les thèmes du sacrifice, de la souffrance et du rêve.

Nous travaillons dans l'obscurité. A la création d'espaces, d'images où les sensations sont à la base du récit.

Plus dans la performance que dans le texte, la petite fille marque par la grande beauté de ses tableaux, d'une concision cinématographique, vivant, ambiants, vibrant d'une musique qui semble suinter de la scène plutôt que de s'y superposer. La scène du théâtre Océan nord, basse et profonde, se prête à merveille à ces jeux de tableaux oniriques, sans lien apparent entre eux, mais qui, par touches, dressent le portrait d'une maison où le malheur a posé son chapeau pour ne plus jamais le reprendre. On contemple un portrait de mère sombre, froide, rêche et aigrie (impressionnante Lindsay Ginepri), réfugiée dans la dévotion comme l'unique refuge à sa douleur et imposant à tout son entourage cette souffrance qu'elle estime salutaire. La fillette silencieuse se promène dans des souvenirs empruntés qu'elle ne comprend pas tous. Qu'importe, insensiblement, elle entre, sinon dans les réponses, du moins dans la conscience de l'amour qu'elle porte à sa mère, fût-il incongru, est à sens unique. Je sens que je n'aimerai jamais cette petite fille, car son visage me rappellera toujours celui que j'ai perdu. Car quand la mère est malheureuse, elle mange ses petits. Une rhétorique simple et pourtant si complexe. Reste non remuée la question du ressentiment vis-à-vis de ce désamour maternel, de la place réelle de l'enfant dans ce nucléon familial abîmé.

A la dimension familiale s'ajoute le rapport à la foi, au sacré dans tout ce qu'il a de terrible. L'homme naît pour souffrir, comme l'étincelle pour voler. Cette citation de Job peut résumer le point de départ de l'écriture. S'ensuit une scène biblique appuyée, explicite, interminable et grotesque à la façon d'un cauchemar, qui parvient à susciter un malaise, un certain dégoût, un effroi inexplicable, comme peuvent le causer les iconographies flamboyantes chez les jeunes enfants élevés à l'ombre d'un catholicisme monumental et menaçant. Un choix fort qui montre encore que l'on préfère la sensation à la cohérence.

Pas de narration linéaire, pas de conclusion donc. Un retour au point de départ. Une rêverie errante, entre deux coups de peigne. Un rêve trop semblable à la réalité. Une balade troublante au creux d'une intimité volée.

Cindya Izzarelli

Noire et lumineuse nostalgie

Cindya Izza — 2012-01-13T11:27:10Z

Écrite en 1896, "La Mouette" est une des plus célèbres pièces de Tchekhov. Au travers de ce drame de mœurs, l'auteur aborde la question du statut de l'artiste et de l'art, thèmes repris ici dans l'adaptation de Myriam Saduis.

Qu'est-ce que créer ? Qu'est-ce que réussir sa vie ? Est-ce que le prix à payer pour une réussite est d'échouer dans tout le reste ? Autant de questions que se pose cette galerie de personnages brillants et sombres, tourmentés et à côté de la plaque. D'emblée, on est emporté par des scènes de famille emplies d'amours violentes et complexes, où chacun aime et torture selon ses peurs, ses obsessions et ses regrets : peur de vieillir, d'être insignifiant, obsession de la gloire et de ce qui brille, regret d'être seul. Pierre Verplancken livre un très beau Konstantin, enfant sombre et tourmenté, en quête d'absolu, ou peut-être juste de reconnaissance. L'action va et vient du passé au présent, sans cesse et sans heurts. Au fil des flash-backs se reconstitue la trame épaisse et rugueuse de ce drame. Ici, la famille est une oeuvre d'art, et l'art une affaire de famille. Chacun essaie de s'emparer de ce trophée qu'est le dernier mot, et les egos d'artistes s'entredévorent. Florence Hebbelynck est parfaite en actrice tyrannique, à la fois femme-fleur vieillissante et mère rongée de remords. Juste après la mort, les souvenirs affluent de partout, comme des fantômes, tirés de la mémoire des personnages ou de celle de l'ordinateur portable du défunt. Le spectateur a l'impression qu'on lui a vidé sur les genoux, en vrac, tout le contenu de l'album photo de la famille. Il regarde les clichés, dans le désordre, capte ça et là une allusion, une insinuation, sans avoir les clés. Mais au final, un portrait se dégage, portrait qui, s'il n'est pas complet, a le mérite d'être limpide. On peut regretter que la mise en scène, bien qu'efficace, cède aux gimmicks à la mode cette saison : écrans semi opaques dont on se joue pour faire des effets d'ombre ou de flou, carré de sciure au centre de la scène figurant un espace de jeu. Mais dans l'ensemble, et malgré quelques longueurs, on passe un très beau moment.

Cindya Izzarelli

In memoriam : à la libre pensée

Cindya Izza — 2011-12-12T15:02:35Z

Après "Die siel van die mier (L'âme des termites)" et "Liefde/ zijn handen (L'amour/ses mains)", "De gehangene/ Les pendus" est la troisième oeuvre issue de la collaboration entre Josse de Pauw et le compositeur Jan Kuijken.

Au sol, dix-huit musiciens, maniant de fragiles instruments à cordes. Loin au-dessus d'eux, pendus, suspendus, nimbés d'une lumière presque sacrée, cinq personnages : deux comédiens (Han Kerckhoffs et Hilde van Mieghem), protagonistes principaux, les pendus de notre histoire, et trois chanteurs lyriques (Janneke Daalderop, Ekaterina Levental et Steven van Gils), le chœur de cette « tragédie sans script ». Voilant le tout, un écran de toile au premier plan, comme une barrière, comme pour rappeler au public qu'il ne peut plus rien pour ces pendus. Sur l'écran s'affiche le texte, en latin, français et néerlandais, dans une continuité chaotique et lumineuse (et un peu fatigante). Num verberanda sum quod cogito, « Serai-je battu si je pense ? ». Voilà l'idée noyau autour de laquelle tout le spectacle se développe.

Les pendus sont, ou étaient, des scientifiques, des savants, des sorciers, des guérisseurs peut-être. Ils appartenaient en tout cas à la caste de ceux qui, avant tout le monde, doutent et questionnent, veulent savoir et non plus croire sans voir. Ils se sont aimés, aussi. Ils ont été punis, et ne savent plus trop pourquoi. Aux litanies tantôt douces et plaintives, tantôt fortes et amères, chantées en latin, langue du savoir et de la foi, succèdent les échanges savoureux entre les amants morts, résignés mais toujours clairvoyants. Au bout de près de deux heures de tension flottante, de sac et de ressac entre le chant, la musique et la parole, et après un discours final efficace que l'on ne dévoilera pas, les pendus sont autorisés à descendre, remettent leurs chaussures, et passent leur chemin.

La pièce se veut un hommage à ces figures d'avant-garde qu'on a fait taire par la mort, car leur discours ou leurs actes étaient gênants pour « les autres », qu'il s'agisse de leurs contemporains, de l'Église ou du pouvoir en place. Au sortir de la salle, les avis semblent pourtant se rejoindre : « Les pendus » fait l'effet d'un grand tableau, très beau mais très froid, heureusement réchauffé par les notes d'ironie de quelques dialogues, animé ça et là par le relief percutant d'une réflexion pertinente sur le désir de savoir, la peur qu'il suscite et le non-sens de la vie.
Malgré une esthétique admirable et un message profond, le spectacle touche la raison plus que le cœur du spectateur, qui ressort de cette longue contemplation assagi, mais pas bouleversé.

Cindya Izzarelli

Ensemble, c'est tout

Cindya Izza — 2011-11-14T10:08:56Z

L'histoire d'amour entre Félicie Artaud et Aurélie Namur continue. Après « Le voyage égaré », « On se suivra de près » est leur quatrième spectacle, et la deuxième partie du dyptique « Partir », paru aux Editions Lansman.

Dans « on se suivra de près », Aurélie Namur aborde le thème angoissant de la mort en solitaire, ignoré de tous, une mort qu'elle a elle-même frôlée.
Sur scène, le monde des vivants et l'au-delà se côtoient dans le décor unique du commissariat de police, pour ensuite se superposer et enfin se fondre pour ne faire qu'un. On y voit les hommes s'affairer dans une course contre la montre, les uns pour rendre une identité à ce corps sans nom, les autres pour lui apporter un peu de chaleur humaine. Aurélie Namur, dans le rôle de la morte, passe de l'état de cadavre-objet, accessoire, à l'existence, pour finalement prendre toute la place. La mort n'est pas qu'une absence, un trou noir autour duquel l'action se brode, c'est l'adieu à un être, à ce qu'il a été et ce qu'il est encore. Chaque personnage se retrouve confronté à ses angoisses intimes : l'identité, la solitude, le droit à la considération, même après trépas,…
Malgré quelques inégalités de rythme, l'ensemble est enlevé, les répliques font souvent mouche (« Vous vous sentez donc plus Arménien depuis le génocide ? », « C'est quoi, une communauté ? Des gens qui vivent ensemble »). Aux scènes dialoguées succèdent des chorégraphies d'une grande beauté entre le cadavre vivant et son gardien (émouvant Angelo Dello Spedale). Des parenthèses de poésie muette souvent plus parlantes que le texte lui-même, et dont on regrette que l'impact en soit trop souvent atténué par une réplique superflue. Le public, pris à témoin, passe du rire à l'interrogation grave. Si je meurs, qui sera là ? Qui pleurera ? Qui sera présent pour être « témoin de ma vie », comme le demande un des personnages ? C'est sur cette promesse implicite que repose la pièce : celle de se comporter en frères et de prendre soin les uns des autres, vivants et morts.

Cindya Izzarelli

Du silence des agneaux

Cindya Izza — 2011-10-13T09:01:42Z

Il y a des fées, mais ce n'est pas féérique. Des chaussures se perdent, mais pas celles que l'on croit. Il y a une méchante belle-mère, mais elle n'est, au fond, pas si diabolique que ça. Souvenez-vous de l'histoire de Cendrillon, puis oubliez-là : Sans fard, sans paillettes, abrupte et violente, celle-ci n'est peut-être pas la vraie Cendrillon, mais elle est bien ancrée dans la réalité.

« Je n'écris pas des pièces, j'écris des spectacles. » Avec Cendrillon, Joël Pommerat nous le prouve une fois de plus. Dans une obscurité presque totale, la voix aux accents lointains d'une narratrice s'élève pour conter l'histoire de cette toute jeune fille qui comprit mal ce que sa mère lui dit sur son lit de mort et qui, de longues années durant, se construisit sur une erreur. Les tableaux se succèdent, nets et admirablement orchestrés. Ombre et lumière sculptent l'espace sans effort, de cave sombre et lugubre en maison de verre scintillant sous le faste du lustre en cristal. Les personnages connus apparaissent, évoluent, et pourtant bien vite on oublie la trame du conte de fées pour se concentrer sur l'instant. Les dialogues ont la férocité de l'enfance : bruts de décoffrages, directs, et sans chichis. C'est souvent percutant, comique parfois, et toujours pertinent.
Récrire une histoire sans en changer une ligne, c'est la prouesse qu'accomplit Pommerat avec sa lecture des personnages, de leurs mécanismes internes et de ce qui y coince : une Cendrillon rongée par la culpabilité face à une promesse imaginaire impossible à tenir et qui se complaît dans la soumission, une belle-mère autoritaire et légèrement mégalo que la jalousie transforme en tyran, un père dépassé et effacé, noyé dans ces tourmentes de femmes auxquelles il n'entend rien. Cigarette au bec et allures désabusées, la bonne fée elle-même y perd de son aura magique et préfère se retrousser les manches pour donner un coup de pouce à sa filleule.
Par la finesse de son analyse et la force de sa mise en scène, Joël Pommerat atteint l'équilibre parfait -et forcément précaire- de la justesse : le spectacle entier se déroule sur ce fil ténu séparant le drôle du grotesque, le profond du maniéré, le grave de l'ennuyeux, sans jamais tomber du mauvais côté. Un rhinocéros de verre, puissamment fragile et délicatement bouleversant, qui a reçu la plus belle des ovations : le silence captivé des nombreux enfants présents dans la salle.

Cindya Izzarelli

Calme plat

Cindya Izza — 2011-05-06T10:10:57Z

Écrite par Shakespeare en 1611, « La Tempête » a inspiré une pléiade d'illustres artistes de toutes disciplines tels que Beethoven, Tchaïkovsky, Aimé Césaire ou encore Aldous Huxley. Gageons que cette adapation-ci ne restera pas dans les annales.

Il est toujours douloureux d'avoir à annoncer un mauvais bulletin. Malgré un grand nombre de bonnes idées potentielles et une louable volonté de se démarquer, cette « Tempête » souffre peut-être d'un trop-plein d'enthousiasme dans sa réalisation et tombe malheureusement à plat.

Un trop grand nombre d'éléments (pour ne pas dire d'artifices ) viennent, au mieux, alourdir l'ensemble, au pire, nuire franchement au déroulé de la pièce. Signalons avant toute chose les « effets spéciaux », trop nombreux, mal choisis, mal agencés ou mal coordonnés : projections d'animations sur un écran de fond dont on ne voit pas toujours bien la pertinence, musiques et bruitages trop nombreux, parasitant souvent le texte, au son parfois approximatif, marionnette géante qui aurait pu faire son effet mais qui pâtit d'une mauvaise manipulation, sans parler des fumigènes qui, à entendre divers témoignages, ont incommodés pas mal de personnes dans l'assistance.

A noter également : un problème manifeste de déplacements tout au long de la pièce. Les chorégraphies sont approximatives, les changements de décors trop longs et laborieux cassent un rythme déjà inconstant (ces énormes bâches de sol figurant le sable et l'herbe étaient-elle vraiment nécessaires ?) ; et à maintes reprises, les acteurs semblent ne pas savoir où se placer, voire passent carrément devant les projecteurs. Enfin, le texte souffre trop souvent d'excès de cabotinage.

En résumé, un spectacle surchargé et qui donne un sentiment de « pas encore au point ». La mention "2h15 sans entracte" figurant sur le programme n'a malheureusement pas empêché une bonne partie du public de s'enfuir discrètement avant la fin de la pièce.

C.I.

L'esprit et la lettre

Cindya Izza — 2011-04-11T14:44:38Z

Quand deux intelligences se rencontrent et partagent les mêmes affinités, le tout qui en résulte devient bien plus que la somme de ses parties : un moment d'intense bonheur théâtral, brillant, direct, enrichissant. Et, en ces temps troublés, notons qu'il est de Seraing, qu'elle est d'Antwerpen, et que les barrières culturelles et linguistiques n'existent que pour qui veut bien les voir...

"Lettre à une actrice", c'est avant tout la rencontre avec deux personnalités. Celle de Jean-Marie Piemme d'abord, l'auteur, le grand absent par qui tout arrive. Une personnalité qu'on devine, au détour des mots, fine et féroce, amusée et réfléchie, convaincue et émerveillée, et surtout, passionné par cette étrange caste que sont les acteurs.
Celle, ensuite, de Viviane de Muynck, entière et inoubliable, qui a faite sien ce superbe texte. Viviane de Muynck reçoit aux Tanneurs comme dans son salon, avec un généreux sourire, de l'excellente musique et beaucoup de simplicité. Pas de barrière ici, comédienne et public sont sur scène ensemble : "Mon but, dira-t-elle, "est d'établir un lien profond et direct avec le public." La comédienne, bavarde, se raconte un peu, danse longuement sur du free jazz, parle de la beauté et de la dureté de la condition d'acteur, enfin met son public à l'aise avant de s'asseoir, majestueuse, pour vivre avec nous cette lettre.

"Lettre à une actrice", c'est aussi la rencontre entre ces deux personnalités. Comme une femme qui relirait les lettres d'un ancien amant, il y a quelque chose de délicieux à observer cette mise en abyme de l'actrice reprenant au creux de sa voix les mots que l'auteur, homme de surcroît, adresse à une autre qui aurait pu être elle-même... Au fil de cette longue lettre où se mêlent tendresse, ironie et questionnement sincère, l'auteur et l'actrice ne forment plus qu'un et s'interrogent sur le petit monde du théâtre, son rapport à la vérité, à la véracité, sur le jeu, la technique, sur le métier d'acteur enfin, et la place laissée dans tout cela à l'identité et à la sincérité (et pas forcément dans le sens qu'on croit). Après la lecture, la comédienne invite le public à entrer dans la conversation, à poser ses questions, sur le théâtre, sur les acteurs, faisant ainsi naître un beau moment fait de rires et d'échanges.

"Lettre à une actrice", c'est enfin beaucoup d'amour : l'amour de Piemme pour les acteurs, l'amour de Viviane de Muynck pour son métier. Un amour comme on les aime : sincère et généreux, qui rend le propos d'autant plus profond. Un spectacle dont on sort grandi, et un mode d'emploi pour mieux comprendre le fascinant métier de ces drôles d'oiseaux qui évoluent au loin, là-bas, sur scène.

Cindya Izzarelli
[www.capitaleminuscule.com]

C'est l'histoire d'un âne qui rêvait de s'envoler...

Cindya Izza — 2011-04-04T08:29:28Z

Depuis plus de trente ans, le collectif des Ateliers de la Colline travaille à des projets de création artistique avec des enfants et des adolescents et cherche à faire exister sur scène une réalité souvent tue ou ignorée : celle de ces enfants des quartiers populaires des villes industrielles."Enfant Mouche" s'inscrit pleinement dans cette tradition et nous raconte l'histoire de Léon Mouche, 16 ans,qui a décidé de se taire pour toujours.

La foule attend patiemment l'arrivée de l'ascenseur transparent qui doit les mener là-haut, au 4e étage du National, dans la salle où se joue le spectacle. Mais, surprise, c'est le spectacle qui vient chercher ses spectateurs : deux comédiens en queue-de-pie et grimage cabaret viennent haranguer leur futur public, armés d'un cabinet des curiosités lourd de promesses. Intrigués, amusés, on ne peut que les suivre, et attendre la suite. Les lumières ne sont pas encore éteintes que l'on est déjà pris par la main, emmené dans l'univers étrange d'Enfant Mouche. Au centre de la scène de bois circulaire et rotative, semblable à une piste de cirque, encadrée de mâts et de voilages, un adolescent sur un tabouret, l'air buté, ou désespéré, coiffé d'un éloquent bonnet d'âne. "Voici Léon, Léon Mouche, l'enfant qui, à 16 ans, décida de se taire pour toujours !" Pourquoi ? Comment ? Les quatre comédiens nous emmènent dans le passé du petit Léon, enfant d'un couple ordinaire, des gens comme tout le monde, les Mouche, qui, avec leurs petits moyens et beaucoup d'amour,feront leur possible pour éduquer leur rejeton récalcitrant.
"Enfant Mouche" est un spectacle qui use de poésie et de bizarrerie pour raconter des choses, au fond, très concrètes : la différence, la difficulté de s'insérer dans un système uniforme et lisse qui prône le formatage, le décrochage scolaire, le désarroi des parents, l'amour, cet amour qui est tout mais parfois ne suffit pas. Avec des mots simples et un grand naturel, les quatre comédiens et leur poignée de marionnettes donnent vie au monde de Léon Mouche, à son calvaire fait de retards scolaires, d'incompréhension constante, de souffrances et de cet atroce bonnet d'âne qui deviendra sa seconde peau, dans laquelle il laissera se dissoudre ses espoirs et son courage.

"Enfant Mouche" est une pièce qui parlera à tous ceux qui, de près ou de loin, ont connu un enfant différent, un Léon qu'on tente par tous les moyens de remettre "dans le droit chemin", un chemin parfois trop étroit pour ceux qui pensent autrement...On sourit, on s'émeut, et même si la morale de l'histoire reste à écrire, on se surprend en sortant à se sentir moins seul. Courez-y.

Cindya Izzarelli
www.capitaleminuscule.com