Demandez Le Programme

Edmond

Palmina Di Meo — 2023-01-10T13:51:59Z

Fin XIXème dans le Paris des grands boulevards où Feydeau règne en maître, Edmond Rostand, jeune auteur et père de deux enfants, a enchaîné quelques bides. Sa situation financière est au plus mal. Il doit absolument trouver l'idée géniale qui lui permettra de regagner la confiance de son épouse, la poétesse Rosemonde Gérard. Son amie Sarah Bernhardt pour laquelle il a écrit "La princesse lointaine", une pièce qui vante la beauté légendaire de Mélissinde, princesse de Tripoli, lui présente Constant Coquelin, acteur fétiche aux multiples démêlés avec la Comédie-Française, qui voit en Rostand un idéaliste talentueux. Il accepte de promouvoir Rostand à condition que ce soit dans une comédie ! En panne d'inspiration, Rostand promet pour les fêtes de fin d'année un chef d'oeuvre en vers qu'il doit écrire en un temps record et dont il n'a que le titre : "Cyrano de Bergerac"... et une caractéristique physique : un nez énorme ! inspiré des écrits de Théophile Gauthier à propos du nez de Savinien de Cyrano de Bergerac, libre penseur et polémiste que Rostand admirait beaucoup et peut-être, qui sait ?, du nez retroussé de Coquelin qui s'était vu refusé le rôle de Néron au Théâtre de la Renaissance par Sarah Bernhardt en raison du "comique de son nez ouvert à tous les vents, humant la joie de vivre".

Théâtre dans le théâtre, "Edmond" nous immerge dans la création d'une oeuvre mythique du théâtre français, véritable miracle d'improvisation d'un auteur sous pression qui s'inspire de son entourage et de ses propres émotions pour créer un personnage poétique et tourmenté élevé au rang d'archétype. Michalik, considéré comme le génie du théâtre français contemporain, l'abonné aux Molières, s'empare du contexte de l'époque pour recréer la genèse et l'ahurissement de la première au Théâtre de la Porte-Saint-Martin le 28 décembre 1897 face à un public en délire qui plébiscite l'oeuvre par de multiples rappels pour une durée d'ovations de plus d'une heure alors que personne ne croyait à cette oeuvre, à commencer par Rostand lui-même. Michalik, pour autant, ne se rêvait pas metteur en scène mais réalisateur. C'est l'absence d'intérêt des producteurs pour faire d'"Edmond" un film qui le pousse à se tourner vers la scène. S'inspirant du "Shakespeare in Love" de John Madden, compilant tout ce qu'il trouve sur Rostand et Cyrano, fignolant par des touches personnelles, empruntant à tous les genres - cinéma, séries, feuilletons, romans d'aventures-, la pièce est présentée au tout-Paris par le Théâtre du Palais Royal le 15 septembre 2016. C'est un triomphe. Michalik a très bien compris les attentes des spectateurs du XXIème siècle : du rythme, des rebondissements, des gags, des changements de décors aussi rapides que des plans de cinéma .... Bref, du divertissement populaire comme seul le XIXème siècle pouvait en offrir. Alors, l'esprit de troupe est poussé à son point culminant, une poignée de comédiens se démultiplient en une foule, pas de vedettes mais des rôles interchangeables, des changements de costumes en direct, des acteurs qui montent et démontent le décor pour un total de 80 tableaux différents. C'est tellement rapide que l'on s'y perd. Couronné de 5 Molières, le succès qui semble intarissable permet à Michalik de tourner le film 3 ans plus tard et il reçoit deux nominations aux Oscars. Une belle histoire faite pour durer ...

Le Public choisit la pièce pour fêter les 25 ans du théâtre en septembre 2019 dans une distribution belge qui n'a rien à envier à la version française. Et c'est un accueil tout aussi enthousiaste qui récompense les prestations des 12 comédiens qui s'affairent en scène pendant que le public s'installe, ressuscitant l'ambiance des cabarets et des théâtres de la Belle Epoque. Et puis le spectacle démarre au son des 3 coups. On roule le tapis. Monsieur Honoré, le tenancier de taverne qui fait office de transition, nous emmène dans les coulisses du théâtre de la Renaissance, chez la maniérée Sarah Bernhardt qui rentre d'une tournée américaine pour créer "La princesse lointaine". En dépit de la cadence éffrenée, la mise en scène de Michel Kacenelenbogen ne lésine pas sur les exigences de décoration et l'ameublement d'époque.

Côté distribution, Tristan Schotte est un Edmond rongé par le doute, acharné à l'écriture au milieu des travaux domestiques. Il est encouragé par son ami Christian (David Dumont) qu'il va aider à séduire Jeanne alias Elsa Tarlton (alias Roxane). Perrine Delers incarne une Maria Legault capricieuse, brutalement évincée du rôle de Roxane en dernière minute. Itsik Elbaz s'impose dans la double veste de Coquelin/Cyrano et nous enchante avec la fameuse tirade du nez, moment magique entre tous. A la fin de la représentation en 1897, Coquelin s'était-il pas tourné vers Rostand : « Ça c'est un rôle ! Je lance le vers dans la salle et je le reçois en écho sur le nez ».

Entre réalité et fiction, nous voilà plongé pendant deux bonnes heures dans le monde bigarré et saltimbanque des "artistes" du XIXème et dans le désastre des répétitions de la pièce aux disputes et aux chamailleries incessantes. On se régale des évocations de personnages illustres comme Méliès, Feydeau, Labiche, Courteline, Ravel, Tchékov et des détails de mise en scène de l'époque héroïque de Rostand.

Un excellent moment à vivre surtout en pleine connaissance du contexte.

Palmina Di Meo

Tout ça ne nous rendra pas Noël

Palmina Di Meo — 2023-01-09T12:52:26Z

Chez Charlotte et Dany on réveillonne en famille avec petits fours, chapon farci, champagne et alcool que l'on tient plus ou moins bien.
Comme dans toutes les familles, il y a ceux qui ont "réussi" et les loosers. Et comme dans presque toutes les familles, il y a le grand ado qui ne descend de sa chambre que pour le dessert qu'il mange en regardant son écran.

Chez Charlotte (Odile Mathieu) et Dany (Pierre Lafleur), un agent de footballeur pas plus honnête qu'il n'en faut, ce soir de réveillon est un peu particulier. On vient d'enterrer le grand-père, Papy Edouard, qui ne laisse derrière lui que quelques bricoles et pas trop de regrets. Pas question d'annuler le réveillon !

C'est Charlotte qui a eu l'idée de glisser sous le sapin des cadeaux anonymes à piocher, cadeaux à 5 euros max. "Une idée débile dans une barraque à 3 millions" dixit Jefferson (Thibault Packeu), le fils que Dany a eu avec Anna sa première femme ("la plus belle femme de Bruxelles"), toujours présente dans les conversations familiales au désespoir de Charlotte qui en devient hystérique.
Pour l'occasion, Will (Thibaut Nève), vieil ami de Dany et ex d'Anna, vient de débarquer de Londres avec sa nouvelle compagne Ariane (époustouflante Bwanga Pilipili), cadre supérieur dans une banque suisse.

L'ex beau-frère de Dany et oncle de Jeff, Stéphane (Fred Nyssen), rocker dans la cinquantaine, artiste méconnu et sans le sou, a retrouvé parmi les legs de Papy Edouard quelques photos et BD qu'il compte glisser sous le sapin en même temps que de vieux CD de ses mémorables concerts dans l'un ou l'autre café de la capitale.

Tout se passe cahin-caha jusqu'au moment où Will se rend compte que parmi les cadeaux figure "Tintin au Congo" d'Hergé que Stéphane a spécialement réservé à Jeff. Will, juriste international bien-pensant et bien pédant, explose la soirée. Montant sur ses grands chevaux, il en fait une affaire d'état et la soirée devient une tribune où le passé colonial de la Belgique ainsi que les affinités politiques douteuses des ascendants familiaux refont surface sous les regards indifférents de Jeff et Ariane qui apparemment à mieux à faire qu'entrer dans la mêlée.

Albert Maizel, co-directeur du TTO, signe ici un véritable vaudeville avec des personnages croqués sur des gabarits de BD. C'est de son expérience personnelle du racisme en société que le spectacle tire son souffle. "Ca vous tombe dessus quand vous avez vraiment mais vraiment autre chose à faire ou que les circonstances ne s'y prêtent absolument pas"..." Loin de vouloir refaire un énième procès du colonialisme, l'objectif est ici de revendiquer le droit à l'indifférence en tant qu'Africain quand LE "sujet" vous tombe dessus au moment le plus mal choisi. Le personnage d'Ariane, central dans le dilemme qui déchire la tablée (fallait t'il offrir ce cadeau dont personne ne se souvient du contenu ou le brûler), va donner à l'intrigue une tournure inattendue comme un bol d'air frais après une soirée orageuse.

Nathalie Uffner offre au spectacle une mise en scène soignée assistée par Charly Kleinermann pour un décor qui dynamise la pièce. Tout se passe dans la cuisine cossue des hôtes, une manière d'éviter une discussion assise qui aurait alourdi les propos. Ici les portes claquent, les confidences se libèrent et le frigo en prend un coup !

On ne peut que recommander ce spectacle qui n'a pas la prétention de faire débat mais reste un moment de franche détente grâce à l'interprétation impeccable et typée de tous les comédiens.

LA BELLE ET LA BÊTE, spectacle magique pour petits et grands

Palmina Di Meo — 2022-11-28T16:22:57Z

Le Théâtre des Galeries brillait de mille feux samedi dernier pour accueillir la troupe 100% belge de Art Fantesies venue émerveiller petits et grands avec la comédie musicale "La Belle et la Bête".

"Jekyll & Hyde", "Anastasia", "Alice et la pierre d'Opaze", "Cendrillon", "Peter Pan", autant de succès que ces artistes ont accumulés au cours des dix dernières années. Sans se laisser abattre par la pandémie, ils ont créé en français à partir des musiques originales du dessin animé "La Belle et la Bête", une féerie pour les yeux et un enchantement pour les cœurs.

Changements de décors grandioses, costumes éblouissants, chorégraphies endiablées ont maintenu le public en haleine. Alors que de tout petits faisaient partie du public, le spectacle a maintenu la salle en haleine. Une salle enthousiaste qui a chaleureusement applaudi les tableaux animés de ce conte fantastique avec Big Ben et Lumière en maîtres de cérémonie, sans oublier Mme Samovar, la théière gouvernante du gigantesque château où la Bête retient prisonnier le père de Belle.

Les artistes ont ravi les enfants par une sympathique séance photo à l'issue du spectacle devant l'arbre de Noël du théâtre déjà en habits de fête.

A l'origine du projet, Béatrice Fante, ancienne chanteuse lyrique de l'Opéra Royal de Wallonie, qui en 2006 propose des cours de chant, de danse et de comédie accessibles à tous et met sur pied l'A.S.B.L. Art Fantesies dans le but de produire des spectacles enchanteurs. Elle s'entoure d'un cinquantaine de jeunes artistes, chanteurs, danseurs et comédiens. Implantée en région carolo, la compagnie travaille en collaboration avec le Palais des Beaux-Arts de Charleroi et a déjà conquis toutes les grandes villes de Wallonie. Les dernières représentations de cette comédie romantique féerique auront d'ailleurs lieu les 10 et 11 décembre au Palais des Beaux-Arts de Charleroi.

Très bien reçu par le Théâtre des Galeries, Art Fantesies y sera de retour le 8 avril pour une adaptation de "Oliver Twist" de Charles Dickens. D'après la partition de Lionel Bart, l'histoire déchirante d'un gamin en quête d'une famille aimante, portée par une nuée de très jeunes artistes dans le milieu des petits voleurs et pickpockets londoniens de l'Angleterre victorienne.

L'A.S.B.L. propose des cours d'été pour les jeunes désireux de s'initier à la comédie musicale et qui débouchent sur un spectacle présenté à la Ruche Théâtre. En septembre prochain, une école de comédie musicale devrait même ouvrir ses portes à Chatelet. Elle se propose de former des jeunes dès l'âge de 5 ans.

La billetterie est déjà ouverte pour "Oliver !" aux Galeries.

Palmina Di Meo

LE CANARD A L'ORANGE (The Secretary Bird)

Palmina Di Meo — 2022-11-23T11:14:56Z

7 nominations aux Molières 2019. Le théâtre Le Public met les petits plats dans les grands pour faire renaître à Bruxelles ce vaudeville de William Douglas Home que l'on appelle aussi le Guitry anglais.

La recette ? Nicolas Briançon à la mise en scène (il en avait fait un triomphe à Paris en 2018) ; Michel Kacenelenbogen, le directeur du Public, dans le rôle du machiavélique mari cocu ; Charlie Dupont dans le rôle de l'amant qui reprend pour l'occasion son accent bruxellois de Serge dans "Il était une fois, une fois"(en alternance avec Fred Nyssen) ; Tania Garbarski, la séduisante épouse trompée en quête de revanche ; Laure Godisiabois, une gouvernante au déhanché suggestif et Marina Pangos, la secrétaire arriviste à la démarche cadencée et sautillante, le tout sur fond sonore de "Stand by Me" de Ben E. King.

Attention : on frappe les 3 coups (comme en '60)

L'intrigue ? Hugh Preston, vedette de la BBC, bon vivant, cultivé et grand amateur de whisky ("Je descends d'une vieille famille écossaise qui a toujours réussi à vendre du désherbant pour du whisky millésimé") est marié depuis 15 ans à Liz qu'il aime profondément tout en ne se privant pas d'aventures extra-conjugales. Un vendredi soir, au cours d'une partie d'échec, il lui fait avouer qu'elle a un amant. Liz dévoile alors qu'elle compte quitter le domicile conjugal le dimanche même pour un voyage en Italie avec son amant.
Hugh, imperturbable, se montre étonnamment fair-play blessant l'amour propre de Liz. Il lui propose d'inviter son amant pour le WE, histoire de prendre les torts à sa charge ("Un divorce n'est pas une surprise-party, cela s'organise"). Pour rendre le stratagème crédible, il se fera prendre en flagrant délit d'adultère avec Patty Pat, sa secrétaire qui sera elle aussi de la partie durant ce WE sulfureux ("Ce doit être très humiliant pour une femme d'être mariée à un cocu"). Car Hugh n'a pas l'intention de faire la part belle à l'amant de sa femme (sauf en apparence). Tel un brillant joueur d'échec, il sait diaboliquement déplacer les pions sur l'échiquier de la vie.

Pièce de réparties, "Le canard à l'orange" n'a rien perdu de sa saveur. Réunissant tous les ingrédients d'un théâtre de boulevard de qualité, elle soulève l'enthousiasme d'un public en quête de divertissement et de rire franc après une longue période de disette.
Le Public ne se prive pas du plaisir de nous plonger en pleine période "Golden Sixties" avec des décors et des costumes d'époque, une environnement sonore choisi et entraînant pour cette comédie excentrique aux accents de liberté des années folles que furent les années soixante.

Comique de situations et de répliques, le succès d'une telle pièce repose sur le talent des comédiens et ici encore pas de fausses notes. Tous les interprètes sont en parfaite fusion pour tenir le rythme de cette cavalcade de boutades et d'entourloupettes qui emportera les protagonistes déboussolés dans un virage à 180 degrés.

Un spectacle irrésistible en ce début de période festive.

Palmina Di Meo

Outrage pour bonne fortune

Palmina Di Meo — 2022-11-17T14:14:45Z

Un plateau nu. On distingue vaguement un chiffon dans un angle (une signature de Héloïse Ravet ?). Soudain un couloir s'illumine côté entrée des spectateurs, une nonne déboule, bruyante, les bras chargés de crucifix rudimentaires et multicolores.

Il s'agit de décorer cette abbaye perdue dans les Alpes italiennes. C'est là que vivent une nonne et un moine dans une parfaite quiétude où les plaisirs de bouche viennent rompre la monotonie des rites. Mais cette paix sera bientôt brisée par l'arrivée d'un Pape, rescapé du crash d'un avion du Vatican dans la montagne voisine. Ce dont il ne se doute pas, c'est que l'accident a réveillé les fantômes d'un couple d'alpinistes furieux d'avoir été violemment arrachés à la vie à la suite d'une chute.

Diplômée de l'Insas en 2020, Héloïse Ravet avait déjà présenté un premier opuscule pour 3 acteurs, "Le gigot" sur la solitude des cœurs à l'occasion d'un mariage dans le cadre du Festival Courants d'air en 2018.
Elle reprend un travail avec 3 acteurs dans "Larrons en baskets bleues" présenté aux Tanneurs en mars 2022, une étude des mouvements d'imitation à travers une commémoration à la mémoire d'Elvis Presley par des fans qui s'avère être un hymne à la faiblesse, à la tentative désespérée du dépassement de soi.

Dans "Outrage pour bonne fortune", elle approfondit une forme théâtrale basée sur l'esquisse. Texte embryonnaire, bruitages de voix, la dramaturgie surgit du matériau scénique et non d'une narration linéaire. L'objectif est ici de faire se rencontrer visible et invisible, apparence et aspirations intimes. Par des ruptures de rythme, d'ambiances, de couleurs, elle parvient à faire émerger les blessures d'un monde qui peut paraître paisible et rassasié.

Rien de raisonné dans ce théâtre de confrontation mais des sensations, des images et des variations qui suscitent des émotions et des questions. Rien d'austère non plus mais un tragique de situation où perce un humour caustique, absurde, une prise de conscience de l'inertie de nos vies ?

Héloïse Ravet et Les Saintes patronnes, une histoire d'exploration de l'intime au travers de tableaux où les fils dramaturgiques éclosent de notes colorées comme les pigments d'une naissance à soi.

Palmina Di Meo

Scènes Nouvelles

Palmina Di Meo — 2022-11-16T10:42:33Z

"Les scènes nouvelles" sont une initiative du Théâtre National pour promouvoir la jeune création en Fédération Wallonie-Bruxelles. La première édition a été présentée la semaine dernière. Certains spectacles sont déjà programmés au Théâtre de Liège.

Il s'agit d'un espace dédié aux artistes émergent(e)s en Fédération Wallonie-Bruxelles. Toutes les disciplines y sont représentées : théâtre, danse, art de la performance, théâtre jeune public, cirque.
Le but est également de donner une plus grande visibilité à des spectacles trop peu représentés et de créer des partenariats notamment avec le Théâtre de Liège et le Varia qui a accueilli la jeune metteuse en scène Héloïse Ravet et sa première production longue "Outrage pour bonne fortune", une histoire de fantômes athées à l'humour incisif, et une recherche dramaturgique à partir d'un travail corporel. Nous sommes dans les Alpes italiennes, une abbaye habitée par un moine et une nonne à l'abri du monde dont la quiétude sera brisée par l'arrivée du Pape dont l'avion s'est écrasé sur la montagne voisine. Le paradoxe vient du fait que ce crash va réveiller un couple d'alpinistes en colère d'avoir dû quitter la vie prématurément. Texte rare, désirs réprimés qui remontent en surface sous l'effet de chocs répétés, l'art d'Héloïse Ravet consiste à suggérer pour laisser place à l'imaginaire au travers de personnages atypiques. A voir encore à Liège dans le cadre du Festival Emulation. Outrage pour Bonne Fortune - Théâtre de Liège (theatredeliege.be)

"Le Jardin" de la compagnie Greta Koetz, propose une fable autour d'une fratrie menacée d'expropriation du jardin sur lequel ils vivent : un écrivain, un grand frère, un petit garçon et une sœur revenante qui se prend pour la Vierge, ce sont les protagonistes de ce tableau surréaliste sur le refus de quitter l'enfance et la prise de pas sur le désenchantement. Une fiction qui aime flirter avec le quatrième mur.

Un concept original créé par la compagnie Ersatz dans une mise en scène jeune public de Camille Panza, "Au jardin des potiniers", est une performance immersive qui vous plonge le nez dans un jardin pour une observation des cycles naturels. C'est une nature en mouvement qui émerveille petits et grands dans cette gigantesque maquette imaginée pour faire émerger la tête des spectateurs de sous le gazon. Attention jauge de 30 à 40 spectateurs par représentation. A ne pas rater.

Cirque et danse pour "Garcimore est mort", une création de Gaël Santisteva, ode à la décroissance au travers de tours de passe-passe et de chansons pop. Critique du consumérisme avec l'idée de proposer un spectacle en dehors des tous les codes de représentation traditionnelle.

"Danse Krump" avec les chorégraphes Hendrickx Ntela (artiste associé au National) et Pierre Dexter Belleka. Des danseurs venus de Belgique, de France, d'Espagne et du Sénégal pour dénoncer un système qui nous aveugle en générant des désirs inatteignables. La danse comme moyen d'expression de son propre vécu.
Autre artiste associée au National, Joëlle Sambi, artiste engagée, féministe, explore les "Angles morts" entre ses deux identités belges et congolaises dans une performance poétique. Du slam de haut niveau.

Double narration pour "La grotte" de Clément Papachristou dont c'est la première création - interprétée par Marthe Wetzel et Noémie Zurletti, une exploration d'un passé personnel qui rejoint les Grottes de Lascaux sur la question de l'art.

Qui dit festival dit fête, deux artistes ont mis l'ambiance. Au foyer : Robia Bamba et ses performances aux platines qui invitent à la danse et au studio Soa Ratsifandrihana dans "Groove", un solo dansé aux influences musicales choisies, très vite sold out.

Palmina Di Meo

Outrage pour bonne fortune

Palmina Di Meo — 2022-11-07T14:39:20Z

Héloïse Ravet est une jeune metteure en scène fraîchement sortie de l'INSAS en 2020 qui a déjà un beau palmarès derrière elle. Dramaturge sur les projets de Coline Struyf (Dans la Nuit, 2021,Théâtre Varia), Olivier Boudon (Nous, 2021, Théâtre Varia) et Emilie Maquest (How To Disappear, 2022, Théâtre Varia) ; assistante de Guillemette Laurent sur le spectacle "Dressing Room", elle a présenté aux Tanneurs en 2022 "Larrons en Baskets bleues" qui sera repris au Théâtre Varia pour la saison 24-25 où elle développe une étude poétique de l'échec et de la faiblesse comme un moteur politique contre une société qui pousse aux résultats.

Dans le cadre des scènes nouvelles, elle propose au Varia du 8 au 19 novembre sa première forme longue sous le titre "Outrage pour bonne fortune". Interview d'une jeune artiste prometteuse au talent singulier et novateur.

"Outrage pour bonne fortune" est l'histoire d'un avion du Vatican qui s'écrase dans les Alpes italiennes et qui dans sa chute tue des alpinistes ou réveille des alpinistes déjà morts, les deux versions existent sur le net...

Héloïse Ravet : Oui car il s'agit d'une écriture de plateau mais finalement nous avons privilégié la version où des alpinistes morts depuis bien longtemps se réveillent. "Outrage pour bonne fortune" interroge principalement le deuil. Que fait-on avec les morts ? Généralement, la question est posée du côté des vivants. J'ai voulu la renverser. Car peut-être que les morts ont aussi leur deuil de la vie à faire. Il s'agit ici de mort violente. Ce qui m'intéresse, c'est de savoir que faire si quelque chose reste après la vie.

L'intrigue est située dans les Alpes italiennes et le spectacle est sous-titré en italien.

Héloïse : J'ai grandi à la frontière italienne. L'histoire se passe dans une abbaye.

Dans cette abbaye, il y a des personnages mis à l'honneur, ce sont les femmes.

Héloïse : Il y a un moine et une nonne. C'est une abbaye mixte, ce qui n'existe pas. Je suis pour les femmes.

Si le sujet est grave, le spectacle est humoristique...

Héloïse : On ne veut pas rendre les choses graves. Pourquoi vouloir être ténébreux sur ces questions-là. J'ai voulu en faire une fable.
On se place du côté des morts. La question de la mort nous concerne tous. L'idée est d'explorer la manière d'en parler à travers la fiction sans vouloir être sérieux.

D'où viennent tes idées de spectacles ? Dans "Larrons en Baskets bleues", on pénètre l'univers particulier de trois camarades qui se réunissent tous les ans pour une célébration mystique sur Elvis Prestley et comme tu l'as dit toi-même, ce n'est pas un spectacle sur Elvis mais sur une tentative de trouver un idéal de soi.

Héloïse : Oui essayer d'être soi à travers l'idée d'être un autre. Se trouver en se perdant soi-même.

Souvent les univers décalés de tes spectacles déroutent le spectateur tout au long de la représentation.

Héloïse : Il y a cette envie de provoquer cela, de parler de sujets universels comme la mort, l'identité mais par des biais, des brèches, des endroits où l'on n'irait pas normalement. C'est une dramaturgie des chemins de traverse. Au travers d'éléments anecdotiques comme les sosies d'Elvis Prestley, on peut trouver un sujet véritable sans surlignage, sans dire : "On va parler de ça". Je pars du principe que la dramaturgie infuse sans cesse, durant la création, durant le spectacle, sur les spectateurs, les spectatrices. On ressent, on comprend, sans qu'il soit nécessaire de dire explicitement les choses. Le récit, la fiction tend vers cela. Pour les Larrons, je ne pensais pas spécialement à Elvis Prestley. Mais j'ai halluciné en voyant son dernier live. Je me suis demandée "Qui est cette personne ?" Il a 42 ans, il pourrait en avoir 80. Quelle est sa destinée ? Et pour Outrage, l'idée des moines est venue lors d'une balade où j'ai vu des moines manger des boules de glace à la vanille. J'ai trouvé cela rigolo, très inattendu. Je me suis dit : "Ces gens-là ont aussi une vie, très triviale" alors que dans mon imaginaire, ils sont toujours représentés pieux et tournés vers la spiritualité, ce qu'ils sont, mais l'image des moines avec des boules de glace m'a frappée.

C'est une écriture de plateau, mais tu viens avec une idée de départ ?

Heloïse : Je viens avec une structure, un canevas qui va bouger mais un espace clos et des personnages qui eux ne changent pas. A partir de là, on explore.

Sur base d'improvisations ?

Héloïse : Les comédiens vont travailler sur base d'improvisations oui mais pas d'improvisations de plateau où je vais demander à telle personne de me parler de ses souvenirs ou de ses propres morts. Je viens avec des orientations très écrites par rapport à la structure et il est évident qu'ils participent à la dramaturgie en amenant leur propre sensibilité ou leur propre éclairage. Mais ils ne s'agit pas de faire du collage ni qu'eux-mêmes aient une implication émotionnelle autre que la structure et les recherches que l'on est en train de faire.

Je remarque que dans tes mises en scène il y a un travail très axé sur le corps en mouvance qui demande un effort aux comédiens avec une certaine souffrance physique même. On le retrouve dans ce spectacle-ci ?

Héloïse : On travaille beaucoup sur le corps. Ici, il s'agit en outre d'un travail sur la foi et sur la foi catholique, sur la chair qui est centrale et la chair en souffrance. On interroge aussi la question du corps des morts. Que fait-on des cadavres ? Dans la société actuelle il y a une omerta à ce sujet, on parle très peu de prise en charge du corps des morts. On explore l'idée de savoir de quelle manière la chair peut être battante, pulsante, comment faire un spectacle sur la mort en étant diablement vivant, totalement vibrant. La réponse que j'ai trouvée, c'est que l'on ne peut travailler que sur le corps que l'on a, le corps de l'acteur qui est fascinant puisqu'il peut représenter un millier de choses, on voit un bras et il peut représenter la mer. Ce qui m'intéresse, c'est que ce soit des acteurs(trices) et non pas des danseurs. La qualité corporelle est très particulière. Il n'y a pas le soucis de faire bien et beau mais on fait avec ce que l'on est et donc on travaille sur des ébauches de chorégraphies avec un corps empêché, un peu lourd et pas forcément gracieux mais c'est de là que surgit une petite fenêtre de grâce.

Comment choisis tu tes comédiens et comédiennes, tu les recrute, tu vas les voir ?

Héloïse : Pas toujours. J'ai une passion de trouver les comédiens avec qui je travaille d'une façon liée à la vie et non au plateau. C'est assez rare que j'aie vu quelqu'un travailler, jouer. Cela n'est même jamais arrivé. Je pars du principe que le plus important, c'est la direction d'acteurs et si je peux ressentir quelque chose dans la vie, dans la rencontre avec l'acteur, alors la moitié du chemin est déjà fait et nous pouvons y aller ensemble. Je ne suis pas du tout orientée vers la technicité. J'essaye de travailler avec des gens qui présentent une certaine étrangeté, une bizarrerie qui m'emmène à des endroits que je n'aurais pas imaginés.

En tant que créatrice et metteure en scène, y a-t-il en toi une recherche de faire quelque chose d'innovant ?

Héloïse : Innovant je ne crois pas parce que c'est impossible. Je n'ai pas l'ambition de faire de l'inédit en art mais avec mes quatre collaboratrices de la compagnie des Saintes Patronnes (je travaille toujours avec la même équipe artistique), nous avons envie de mettre en place de nouveaux canevas, de nouveaux schémas narratifs, ne pas se conforter dans des choses qui fonctionnent au plateau. On essaye de trouver des endroits où on ne nous attend pas tant au niveau du fond que de la forme. Je ne crois pas inventer quelque chose de complètement fou si ce n'est essayer de réduire au maximum l'artifice théâtral. La lumière, le son, les costumes, les acteurs, l'espace, on les imagine à quatre, éviter la vidéo, les micros, que ce soit un espace qui aie l'air le plus vide possible. Je pense que c'est un retour à une certaine théâtralité.

Propos receuilis par Palmina Di Meo

Quadrille

Palmina Di Meo — 2022-11-02T10:38:49Z

Un jeune acteur hollywoodien, Carl Erikson, est de passage à Paris et fait tomber toutes les femmes. Il a accordé une interview dans sa chambre d'hôtel à Philippe de Morannes, directeur de Paris-soir et Claudine André, une journaliste montante et ancienne connaissance de Philippe. Il leur confie être tombé sous le charme d'une actrice française, Paulette Nanteuil, qui se trouve être la maîtresse de Philippe de Morannes. Ce sont là les acteurs d'un quadrille qui va chambouler en 24 heures la vie de ces individus que le hasard a mis en présence.

Un cinquième protagoniste joue un rôle déterminant dans ce scenario à la résolution inéluctable, c'est le téléphone, personnage tampon incontournable des trames de Guitry selon une de ses maximes : “Avez-vous remarqué que, lorsqu'on fait rétablir une conversation téléphonique coupée, on s'aperçoit qu'on s'était tout dit.”

Auteur de 124 pièces, Sacha Guitry est passé maître dans l'art de décortiquer les relations amoureuses n'hésitant pas à mettre en scène les péripéties des couples qu'il a formés avec d'innombrables femmes dont cinq épouses légitimes, toutes comédiennes. Dans Quadrille, il est connu que c'est le goût de Guitry pour l'art du mensonge qui en est la principale source d'inspiration ou plutôt l'art de "jouer sa propre vie". Une de ses réparties les plus connues n'est-elle pas : "Il faut s'amuser à mentir aux femmes ; on a l'impression qu'on se rembourse !" L'intrigue de Quadrille serait d'ailleurs directement inspirée de la fin de sa liaison avec Yvonne Printemps et son amour naissant pour Jacqueline Delubac, sa cadette de 22 ans.
Fils de comédiens (Lucien Guitry et Renée Delmas), Sacha Guitry est élevé dans le monde du spectacle. Il sera très tôt le témoin des passions amoureuses de son père notamment pour la grande Sarah Bernhardt et de la séparation de ses parents. Ses pièces empruntent au répertoire vaudevillesque dans la lignée de Feydeau (apparition impromptue des amants, claquements de portes) mais avec une touche d'analyse et un passage au peigne fin des coups bas qui frise le masochisme.

Sans conteste la pièce la plus jouée de Guitry, "Quadrille" - dont on se souviendra de la version de Bernard Murat au théâtre Edouard VII - est ici parfaitement mis en scène par Thibaut Neve avec peps pour une adaptation "à la sauce belge". Dans une esthétique qui emprunte aux vignettes de BD, soulignons la performance des comédiens - le quadrille (Fabio Zenoni dans le rôle de Philippe de Morannes, résigné et déjà prêt à tourner la page pour une nouvelle aventure ; Elsa Tarlton, une Paulette pleine de fougue et "vache" à souhait ; Cécile Florin, l'amie de Paulette, ambigüe et prompte à accélérer le dénouement des choses ; Marvin Schlick, provocateur dans la peau du latin lover) et l'hilarant Arnaud Van Parys dans un registre multifonctions, tour à tour garçon d'étage blasé ou médecin guindé façon Dupont de Hergé, sans oublier Juliette Manneback reprenant le rôle de femme de chambre de Pauline Carton dans un registre pétillant.

Le décor 1930 de Vincent Bresmal et Matthieu Delcourt est sobre et élégant jouant sur le contraste noir et blanc en harmonie avec le propos de la pièce. Les tenues chics et seyantes de Béatrice Guilleaume, Anne Guilleray et Sofia Dilinos sont ainsi délicieusement mise en valeur par la discrétion du décor.

Aucune fausse note donc pour ce spectacle qui vous fera passer une soirée des plus agréables dans une atmosphère au goût un peu suranné mais où le maniement de la langue et la cocasserie des répliques et des situations balaient toute réserve. Si Guitry a souvent été taxé de misogyne c'est plus par un réflexe d'autodéfense et d'orgueil face à la trahison que par mépris des femmes qu'il adorait purement et simplement.

Palmina Di Meo

Proust à l'épreuve du féminisme

Palmina Di Meo — 2022-10-17T11:45:17Z

Personnage de l'œuvre de Proust ('A l'ombre des jeunes filles en fleurs', deuxième tome de 'A la recherche du temps perdu'), Albertine fait l'objet d'un amour possessif. Cloîtrée dans l'appartement des parents du narrateur, elle est soumise à des interrogatoires incessants sur ses rencontres et doit dépeindre dans le détail chacune de ses sorties avec ses amies. En plein questionnement sur sa propre virilité, 'son geôlier' soupçonne Albertine d'être homosexuelle et de le tromper, ce qui excite sa curiosité et l'incite à vouloir percer tous les mystères de la jeune fille de manière obsessionnelle. Mais tout dérape et la narration va prendre une tournure inattendue.

Créé au théâtre de la Vie en 2021, la pièce ouvre la saison du Théâtre de la Toison d'Or. Originale, issue d'un rêve de Thibaut Nève de monter un spectacle sur Marcel Proust (en réponse entre autres à une exploration de sa propre virilité), la dramaturgie initiale est brisée net quand Jessica refuse d'interpréter la scène "érotique" prévue dans le canevas initial. Elle quitte la perruque à l'abondante chevelure brune d'Albertine et la représentation prend des allures d'improvisation sur un spectacle en pleine débâcle alors que Thibaut tente de sauver la représentation au risque de perdre la suprématie dans le rapport de force. Jessica ne fera aucune concession jusqu'à la disparition complète du décor qu'elle démonte seule.

Règlement de comptes, machisme, rapports de genre, tout passera à la moulinette dans un affrontement ravageur entraînant dans son sillage les luttes féministes, #Metoo, le statut d'artiste, le rôle du théâtre, celui de la femme dans le paysage audiovisuel et le désarroi masculin face à cette révolution, le tout sur un ton humoristique grinçant pour la plus grande joie de la salle. C'est qu'ils n'ont peur ni du ridicule ni d'aller au fond d'eux-mêmes Thibaut et Jessica. Adeptes de l'écriture de plateau, leurs créations malmènent les codes de la représentation pour nous surprendre et nous emmener hors du sentier battu des débats traditionnels.

Thibaut Névé et Jessica Gazon livrent sans artifices un processus de création qui évolue au gré de leur ressenti. Une plongée au cœur même de leur création et une exploration des mécanismes de réception au travers d'une explosion dramaturgique ou le spectateur cherche des points d'appui sur les sables mouvants de la narration éclatée. Et un plaisir jouissif a la clef.

Palmina Di Meo

Amour éternel au Parc

Palmina Di Meo — 2022-10-13T10:23:12Z

Aller voir un spectacle mis en scène par Thierry Debroux, c'est s'offrir un moment de plaisir fastueux : mise en scène grandiose, acrobaties, pyrotechnies, on en a des paillettes dans les yeux. Aller voir un Shakespeare mis en scène par Thierry Debroux, c'est assister à une histoire d'amour entre un auteur et un metteur en scène. Aller voir "Roméo et Juliette" mis en scène par Thierry Debroux, c'est s'offrir un moment de grâce. La collaboration entre Debroux et Patrick de Longrée pour cette superproduction marquait le retour du public à l'Abbaye après deux ans de disette. Elle s'avère particulièrement créative, apportant un souffle nouveau à une œuvre déjà jouée jusqu'à l'usure.

Créée l'été dernier à Villers-la-Ville, sur une proposition de Patrick de Longrée, le défi lancé à Thiery Debroux était de trouver les comédiens idéaux pour se glisser dans la peau des amants intemporels. C'est au Karreveld qu'il déniche Baptiste Blampain en mauvais garçon dans le rôle de Sammy. Mathilde Daffe, fraîchement sortie du Conservatoire rafle le rôle de Juliette lors d'une audition. Les deux tourtereaux vont évoluer dans une temporalité revisitée. L'intrigue ne se passe plus au XVIème siècle mais au XIXème dans un but esthétique (beauté et fluidité des costumes) mais aussi, dixit Debroux, car "c'est le siècle du romantisme, puissant, torturé, qui balaie les vieilles conventions".

13 comédiens, 3 danseuses investissent de toutes parts la scénographie imaginée par Patrick de Longrée : une gigantesque structure légère en bois en forme d'échafaudages à plusieurs niveaux. Des praticables insérés comme des paliers dans cette charpente éphémère permettent aux acteurs de grimper et cabrioler comme des signes. Au centre, le balcon de Juliette encadré de deux panneaux coulissants multicolorés de graffitis en souvenir du mur de la soi-disant demeure de Juliette recouvert des barbouillages des touristes à Vérone.

Nous le savons c'est à Vérone que Shakespeare a implanté ce duel entre deux familles rivales. Les Montaigu et les Capulet se vouent une haine séculaire. Mais le coup de foudre entre deux jeunes issus des camps adverses va dévaster les deux familles. Eperdument amoureux, Juliette Capulet et Roméo Montaigu vont braver tous les interdits et les codes de l'honneur pour vivre leur amour jusqu'à la tragédie.
Tout débute lors d'un bal masqué donné par les Capulet (très belle scène de danse modernisée par Emmanuelle Lamberts) où Roméo, en proie à un chagrin d'amour, s'invite à l'insu de tous. Duels (combats chorégraphiés par Emilie Guillaume), évasion, course contre la montre, l'action ne quitte jamais le plateau. Rythme soutenu, emballement de l'intrigue, clin d'oeil à West Side Story, musique du répertoire contemporain (Loïc Magotteaux), notes humoristiques, tout est mis en œuvre pour séduire un public cinéphile et tout âge.

Une adaptation qui magnifie chaque personnage, de Benvolio et Mercutio (les amis fidèles de Roméo) à Lady Capulet et Montaigu en passant par une servante maternelle et soupe au lait admirablement interprétée par Cathy Grosjean), chaque personnage apporte sa pierre à l'édifice de ce drame qui n'a rien de désuet.

Une leçon renouvelée d'ouverture et de tolérance mais surtout sur les conseils de Thierry Debroux une invitation à aimer passionnément car "ceux qui vivent prudemment sont, d'une certaine façon, déjà morts".

Palmina Di Meo