Demandez Le Programme

Le roi se meurt, vive le roi !

Thomas Dechamps — 2014-05-03T20:28:42Z

La compagnie Biloxi 48 s'empare du classique de Ionesco d'une manière à la fois très épurée et très visuelle. De toutes les pièces du maître de l'absurde « Le roi se meurt » est sans doute la plus sérieuse, l'interprétation qu'en fait la compagnie souligne son côté tragique mais parvient aussi à nous faire rire à plusieurs reprises. Magnifique méditation sur la mort, la pièce nous invite à nous préparer à notre fin avant qu'il ne soit trop tard.

Régnant depuis un nombre incalculable d'années, le roi Bérenger 1er se voit annoncer sa fin prochaine par son médecin, parfaitement impuissant. Pour le souverain, la chose est tout simplement impossible. Et pour cause, lui qui a tout pouvoir sur tout et tout le monde n'a pas décidé qu'il souhaitait mourir. Ce grand amateur des plaisirs terrestres a même encore très envie de vivre. Il lui semblait d'ailleurs avoir trouvé une seconde jeunesse dans les bras de sa deuxième épouse, Marie, qui, comme lui, aime tellement les bals, les dîners, les cérémonies et tout ce qui permet de profiter de la vie. Il va cependant devoir se rendre à l'évidence, il est mourant et ne peut plus rien y changer.

Lui qui, au temps de sa gloire, commandait même aux astres et à la nature ne règne plus que sur un royaume dévasté et réduit à son palais et ses environs. Trop occupé à jouir des bienfaits de l'existence royale, Bérenger 1er a laissé son royaume péricliter et ne s'est pas préparé à l'inévitable fin. A présent il est trop tard et sa première épouse, la reine Marguerite, lui annonce solennellement : « tu mourras à la fin de la pièce ».

Mais Bérenger refuse de se voir mourir et tente de se révolter contre la fatalité. Passant du déni à la colère puis au désespoir, il finira par abandonner ses dernières illusions et accepter, enfin, l'idée de sa propre mort.

Ionesco écrit Le roi se meurt en 1962, après s'être senti approché par la mort. Il entame alors une réflexion qui va accoucher de cette « farce tragique », au carrefour de son humour grinçant, son goût pour l'absurde et la pure tragédie classique.

Des trois, la mise en scène de Christine Delmotte et surtout la performance de l'acteur principal, Pietro Pizzuti, privilégient la tragédie. La scène et les costumes sont dénués de tout faste royal, comme pour bien montrer que ce roi là n'est déjà plus rien et que cette cour est restée coupée du monde depuis trop longtemps. Débraillé et un peu niais, le personnage du roi a perdu dès le début de la pièce toute sa dignité et va se débattre d'une manière exagérément démonstrative contre l'idée de sa mort qu'il ne peut admettre. Pietro Pizzuti parvient à extraire la quintessence du personnage, c'est-à-dire son côté pathétique et infantile. Combiné à des effets de lumière destinés à mettre en évidence cette figure tragique, le résultat se révèle impressionnant à certains moments de la pièce. Son portrait géant, pendu au fond de la scène et dont l'image se dégrade au fur et à mesure est une autre belle trouvaille. On visualise directement la dégradation progressive de la santé du personnage et l'effet est saisissant.

Les autres acteurs ne déméritent pas : tous les personnages de la pièce sonnent juste. Ils ne vont cependant jamais aussi loin dans les effets dramatiques, les personnages secondaires restant même plus dans le burlesque. La pièce à beau être une méditation grave sur le thème de la mort, elle parvient tout de même à nous faire rire de temps à autre.

On regrette toutefois un peu que ce « roi qui meurt » ait abandonné toute dignité royale. L'absence de décors de palais ou de costume de roi permet de se concentrer sur l'essentiel : la réaction d'un homme face à sa mort. Mais cela nous empêche aussi d'assister vraiment à la chute d'un monarque. D'autant que s'il joue très bien l'homme désespéré face à son destin, Pietro Pizzuti n'a pas vraiment l'air d'un mourant. Il bouge même beaucoup pour un moribond.

Qu'à cela ne tienne, Le roi se meurt est une pièce à aller voir pour son texte essentiel qui nous apprend à apprivoiser l'idée de notre mort et à nous détacher de nos illusions. Mention spéciale à la très belle mise en scène qu'a réalisée la compagnie Biloxi 48 pour le Théâtre des martyrs.

Le grand soir.

Thomas Dechamps — 2014-03-18T17:34:01Z

Le directeur du TTO rejoue la lutte des classes au 21e siècle, sauf qu'ici capitalistes et prolétaires révoltés sont les mêmes personnes. Dans « Trotsky Business », cet ancien de Solvay met en scène des professeurs de cette très respectable école de commerce rattrapés par leur passé. Le résultat est une pièce qui ne révolutionne rien mais qui remplit honnêtement son contrat : nous faire rire.

Hervé est directeur de la plus connue des écoles de commerce du royaume. Mégalo et sans scrupule, il a une priorité absolue : être réélu à la tête de l'institution. Pour cela, il compte bien faire un coup d'éclat lors de la cérémonie d'inauguration d'un nouveau bâtiment qui doit précéder de peu sa réélection. Et quoi de plus beau que d'annoncer la fusion de la Harvard Business School avec Solvay ? Surtout qu'il a sous la main un jeune étudiant dont le père est capable de vaincre les réticences de l'illustre institution concurrente. Il lui faut donc gagner les faveurs du fils pour atteindre le père. Jacques, son vieil ami et professeur de philo désabusé à Solvay est désigné volontaire pour cette dangereuse mission. Dangereuse car le pauvre étudiant mal aimé n'est pas n'importe qui…

Cependant, ce plan rôdé comme un défilé stalinien sur la Place Rouge va se heurter à un obstacle imprévu : la jeunesse des protagonistes. Les deux complices cachent un passé trouble qui va ressurgir au plus mauvais moment. Jacques aurait sans doute mieux fait de raconter ses souvenirs des années de plomb à sa fille, car celle-ci est bien décidée à les exhumer... Or l'histoire familiale est comme une bombe soviétique enterrée dans le sol : dissimulée depuis la fin de la guerre froide, elle est toujours prête à exploser.

Albert Maizel s'est manifestement beaucoup amusé à écrire cette histoire de profs de Solvay rattrapés par leur passé de militants trotskystes. Son texte, bien écrit mais sans fioritures, parvient à nous tenir jusqu'au bout et à renouveler les situations, de telle sorte que l'on ne s'ennuie jamais. Les personnages ont juste ce qu'il faut de profondeur pour éviter la caricature tout en allant à l'essentiel du spectacle, à savoir nous faire rire de leurs malheurs. Les acteurs sont tous impeccables, avec une mention spéciale pour Bruno Georis et Pierre Pigeolet sur lesquels la pièce repose ouvertement (il suffit de voir l'affiche du spectacle). Le rythme ne faiblit jamais, aidé en cela par le fait qu'aucune scène ne dérive de la ligne stricte de la comédie. Pas de drame ou de scène d'amour : l'objectif assumé est l'humour, seulement l'humour. Point barre. Quelques vidéos viendront habilement s'intercaler dans l'ensemble pour donner vie au passé nébuleux des protagonistes.

« Trotsky Business » cède tout de même à quelques facilités. Outre la référence à Solvay, beaucoup de gags misent sur le côté belgo-belge pour emporter l'adhésion du spectateur. Les petites piques envoyées à la RTBF ou au Roi en témoignent. La veine communiste est elle aussi exploitée de manière parfois un peu grossière. Entre les FARC, l'enlèvement du baron Empain et le lexique révolutionnaire de base, tout y passe.

Mais on pardonne facilement ces petits clichés. Après tout, on aurait été déçu de ne pas entendre « l'Internationale » ou « Revolution » des Beatles dans un spectacle comme celui-là. Contrairement à ses deux héros, « Trotsky Business » ne cache pas sa vraie nature et assume sans prétention d'être une bonne comédie qui ne cherche rien de plus qu'à nous distraire le temps d'une soirée. Et cet objectif là est rempli haut la main. Que demande le peuple ?

Mauvaise récolte

Thomas Dechamps — 2014-03-14T14:14:16Z

Ludovic Barth et Mathylde Demarez, de la Clinic Orgasm Society, investissent le Varia avec une idée étonnante et novatrice. Cinq courageux inconnus se prêtent à cette expérience théâtrale qui interroge notre capacité à obéir. Entre pièce de théâtre et art conceptuel, « Blé » est une création intelligente et audacieuse mais ne tient malheureusement pas ses promesses. L'excitation d'assister à cette performance unique retombe très vite et c'est finalement l'incompréhension, voire l'agacement, qui domine à la sortie.

Sur le papier, la proposition de « Blé » est plus qu'alléchante : cinq inconnus sont catapultés dans une histoire qu'ils ne connaissent pas et reçoivent leurs instructions de jeu en temps réel grâce à des casques audio. La trame de l'histoire se déploie petit à petit sans qu'ils puissent en comprendre les enjeux ni savoir où cela les mènera. Parviendront-ils à sauver leurs personnages du terrible sort qui les attend ? Dès lors que les acteurs changent tous les soirs, rien n'est assuré. Du coup, on est curieux de voir jusqu'où peuvent aller les cinq innocents cobayes au sein de ce laboratoire théâtral.

C'est une histoire de dimanche ordinaire en famille. La grand-mère arrive, on mange du gâteau, on regarde la télévision, on prépare le repas du soir. Sauf que tout est faux : la famille est composée de personnes qui ne se connaissent pas et la maison n'est qu'un décor de studio. Un couple (les deux auteurs) a tout organisé pour reconstituer la journée qui a vu leur vie s'effondrer. Ils sont à la fois les initiateurs et les spectateurs de cette expérience. Tandis que leurs cobayes suivent à l'aveugle les instructions, les auteurs analysent faits et gestes pour comprendre comment les événements de cette journée ont pu mener au drame qu'ils ont eux-mêmes vécu. Des phénomènes étranges vont vite apparaître et se faire de plus en plus inquiétants à mesure qu'on se rapproche de l'heure fatidique.

Voilà pour la théorie. Malheureusement, le passage à la pratique s'avère décevant. Ce récit d'une journée tranquille qui tourne au cauchemar se révèle très pauvre et sans rebondissement. Les dialogues se limitent à un échange de banalités dans lesquelles on a du mal à déceler une intrigue. Certes, la pièce possède plusieurs niveaux. Certes, il y a ce mystère entourant cette journée en apparence banale. Mais l'atmosphère d'« inquiétante étrangeté » que les deux auteurs cherchent à installer semble très artificielle et ne prend pas non plus. Jusqu'au drame final, on attend en vain que quelque chose se passe. Quant aux pauvres volontaires, ils ont l'air complètement perdus en recevant leurs instructions, si bien qu'il y a souvent un écart de vingt secondes entre chaque réplique. C'est amusant au début mais cela devient très vite agaçant, voire difficilement supportable. La pièce dure 1h10 et pourtant, on trouve le temps long.

Lorsque tout se finit, on se demande où était la part d'imprévisible dans ce qu'on a vu. L'histoire aurait-elle pu être différente ? On voit mal comment. La représentation à laquelle nous avons insisté était-elle juste une mauvaise pioche ? La seule façon de le savoir serait évidemment d'aller revoir la pièce.

Reste que « Blé » constitue une excellente réflexion sur la normalité, l'obéissance aveugle et la possibilité de changer sa destinée. Les deux complices de la Clinic Orgasm Society sont des audacieux qui bouleversent les codes du théâtre et proposent des nouvelles formes narratives. Mais un concept, aussi génial, soit-il ne suffit pas toujours pour accrocher un public et surtout pour transmettre une émotion. Cela ne suffit malheureusement pas ici.

Thomas Dechamps

L'enfance du dragon

Thomas Dechamps — 2014-02-12T16:08:47Z

David Strosberg, Alexandre Trocki et Thomas Gunzig s'associent pour créer un seul en scène tendre et original. Et le résultat est épatant. La performance d'acteur de Trocki, incroyable de justesse, fait vivre jusqu'au bout le texte à l'humour acerbe de Gunzig. Quant à la mise en scène de Strosberg, très simple et inventive à la fois, elle convient parfaitement à son sujet. Après « Et avec sa queue, il frappe », vous ne verrez plus jamais les films d'action de la même manière !

Bruce Lee s'avance lentement vers son adversaire. Ce « gros porc » d'italien vient de mettre l'un de ses cousins à terre. Pour Bruce, c'en est trop. Il le fixe de son regard d'acier. Avant que l'italien ait eu le temps de dire quoi que ce soit, il lui envoie un coup de pied circulaire dans la tête. Il dit alors d'une voix ferme mais calme : « Quatrième kata. Le petit dragon approche sa proie. » Un nouveau coup de pied surprend l'italien qui cette fois-ci s'effondre, inconscient. Bruce Lee conclut : « Et avec sa queue, il frappe ! ».

Cette scène de « La fureur du dragon », un vieux film de kung-fu des années ‘70, a servi de base à Thomas Gunzig pour écrire le texte de la pièce. Fasciné par les films d'arts martiaux, les films d'horreur, les « survivals » et autres « slashers » depuis l'école primaire, Gunzig s'est appuyé sur cette matière très personnelle pour écrire une histoire d'enfance universelle. On retrouve dans « Et avec sa queue, il frappe » l'histoire éternelle du gamin mal dans ses baskets qui se fait martyriser à l'école. Sauf qu'ici, son père, qui a lui aussi vécu cette situation, entreprend de lui expliquer comment il a trouvé son salut… dans les films d'action. Devant la grille de l'école, il lui raconte sa propre enfance, à la fois fantasmée et dépeinte de façon très honnête, et les scènes des films qui l'ont aidé à grandir.

Au départ, il y a l'envie de David Strosberg (directeur des Tanneurshttp://www.lestanneurs.be/) de travailler sur un seul en scène avec Alexandre Trocki. Mais il manque un texte aux deux complices, qui décident donc d'approcher Thomas Gunzig. L'association est une réussite, le travail de chacun complétant admirablement celui des deux autres. En quelques phrases, sans grande démonstration, Gunzig parvient à poser le cadre de son histoire : un père parle à son fils.

La mise en scène nous plonge intelligemment dans ce récit d'enfance émaillé de scènes de cinéma populaire. Quelques lumières suffisent à passer de la réalité aux films d'action. Tout se passe sous un brumisateur qui distille une légère bruine sur le pauvre Alexandre Trocki. On se demande si le comédien terminera la pièce sans attraper un rhume mais l'effet est réussi : cette fausse pluie colle bien aux souvenirs d'écolier mal dans sa peau et nous rappelle en même temps qu'il y là beaucoup de fantasmes et de scènes de cinéma. Le tout est magnifié par la performance d'acteur de Trocki qui sonne aussi juste dans la tendresse que dans la comédie.

C'est aussi là que réside la seule faiblesse du texte de Gunzig. On rit beaucoup à l'évocation des scènes plus ou moins trash et des maladresses d'adolescent, au risque peut-être de s'éloigner trop vite de l'émotion de départ... Le récit en devient moins touchant.

Qu'à cela ne tienne ! On ne boude pas son plaisir devant « Et avec sa queue, il frappe ». L'on sort de la salle avec une furieuse envie de prendre un abonnement au vieux vidéo club du coin pour, nous aussi, apprendre à avoir le regard d'acier de Bruce Lee.

La Belgique de papa.

Thomas Dechamps — 2013-12-04T12:57:31Z

Un homme se souvient et retrace son enfance dans la Wallonie profonde de l'après guerre. Cet homme c'est Jean-Marie Piemme, célèbre dramaturge et écrivain belge. Dans son autobiographie, Spoutnik, il raconte avec humour sa jeunesse à Seraing, entre l'usine, la famille, l'école,… Mais c'est aussi Philippe Jeusette, qui (avec Virginie Thirion) a tiré du livre une formidable adaptation théâtrale. Épatant sur scène, il parvient à nous plonger littéralement dans les souvenirs de Jean-Marie. Une astucieuse mise en scène achève de donner du rythme à cette histoire de courage et tendresse.

Jean-Marie se souvient étonnamment bien de sa naissance. D'ailleurs, il nous la raconte lui-même. C'était en 1944 dans la cave de la maison familiale. Depuis ce jour jusqu'à la mort de ses parents, il se remémore les moments importants de sa jeunesse : sa mère constamment aux fourneaux, son quartier, Saint-Nicolas, Elvis, les seins de Gina Lollobrigida,… La figure du père, ouvrier bourru mais affectueux, hante particulièrement cette succession de souvenirs plus ou moins heureux.

L'histoire nous replonge aussi dans une époque, celle de la région liégeoise des années soixante. C'est le temps des aciéries encore vaillantes et de la toute puissante société Cockerill, quand on tuait le cochon pour faire du boudin et que la conquête spatiale faisait encore rêver. Le récit ne sombre jamais pour autant dans la chronique d'un passé belgo-belge. À travers cette tranche de vie au « pays de l'usine », c'est avant tout une histoire universelle d'enfance qui nous est contée.

La grande réussite de Philippe Jeusette et de Virginie Thirion c'est d'avoir su donner corps à ce monologue en multipliant les personnages et les ambiances. La mise en scène très habile permet de passer facilement de la cuisine familiale à la rue, en passant par le pavillon du Spoutnik lors de l'exposition universelle de Bruxelles. Le texte s'appuie sur des images, des vieilles photos et des vidéos de famille, pour donner plus de consistance à l'enfance de Jean-Marie.

La pièce repose ouvertement sur la performance de Philippe Jeusette. Son interprétation sensible et chaleureuse sonne toujours juste et rend chacun de ses personnages irrésistiblement attachant, à tel point qu'on a le cœur serré chaque fois qu'il arrive malheur à l'un d'entre eux. Les interventions de Virginie Thirion et Eric Ronsse, plus discrètes, amènent des respirations et servent admirablement l'ensemble. Les talents de musicien d'Eric Ronsse contribuent d'ailleurs beaucoup à l'atmosphère de certaines scènes. Cette petite touche de musique « live » permet quelques intermèdes plus que bienvenus, que ce soit entre les scènes ou lors des moments chantés par les comédiens (il faut entendre Philippe Jeusette chanter du Elvis).

« J'habitais une maison sans grâce… » est un spectacle à la fois drôle et poignant. Philippe Jeusette prend manifestement beaucoup de plaisir à interpréter l'histoire touchante de Jean-Marie Piemme. Et le plaisir est partagé.

Thomas Dechamps

Mise en abyme

Thomas Dechamps — 2013-11-09T18:17:18Z

Anne Thuot et son équipe se réapproprient une pièce contemporaine de Shakespeare sur base d'un concept original. Le travail de réécriture est audacieux et donne un spectacle détonnant. On regrette que certains passages tombent un peu dans le grotesque mais les cinq comédiens (qui ont participé au processus de transformation de la pièce) sont épatants.

C'est une pièce qui parle d'une pièce. À la base, un vieux texte de 1606, « The revenge's tragedy », que les critiques attribuent en fonction des époques à Cyril Tourneur ou Thomas Middleton, voire tout simplement à un illustre inconnu. C'est une histoire de vengeance, celle de Vendice, dont la fiancée a été violée et empoisonnée (dans quel ordre ?)par le Duc neuf ans plus tôt. Un nouveau viol, cette fois-ci commis par le fils du Duc, va réveiller le désir de revanche du pauvre Vendice et le faire sortir de sa mélancolie.

Sur scène, cinq comédiens sont là pour nous parler de ce drame élisabéthain, mais aussi pour nous jouer quelques-unes de ses meilleures scènes. C'est là que les choses vont commencer à se brouiller. Très vite on ne sait plus trop qui est qui et les personnages historiques s'asseyent à la même table que les acteurs de notre époque. Plusieurs niveaux narratifs se télescopent donc dans cette mise en abyme théâtrale.

Les auteurs (les comédiens et Caroline Lamarche) ont gardé l'intrigue principale de la pièce du 17e siècle et l'ont retravaillée de manière très libre. Les tirades « shakespeariennes » cohabitent avec le langage d'aujourd'hui. Le discours est souvent très cru et met en évidence les aspects les plus durs de l'histoire : le viol, la vengeance, l'obsession, la soumission de la femme. Pourtant la pièce est aussi très drôle. On voit que les auteurs se sont beaucoup amusés autour de ce drame. Ils ont clairement l'intention de nous faire rire. Et ça marche. On est impressionnés par l'aisance avec laquelle les acteurs passent d'un rôle à un autre. De très beaux effets visuels viennent compléter le tableau et donnent à certaines scènes une ambiance d'épouvante réussie. On songera notamment à cette lumière projetant les ombres gigantesques de deux pendus sur le mur.

Cependant, à force de vouloir nous faire rire, certains personnages de la pièce sombrent parfois un peu dans le ridicule. Les acteurs assument leurs pitreries et cherchent sans doute à dépoussiérer l'histoire mais ils en font trop à certains moments. De plus, le concept comporte tout de même une faiblesse : puisque l'on ne suit jamais vraiment une histoire, on ne rentre jamais dedans. On ne peut pas oublier que ce que l'on voit est une pièce et on reste spectateur, sans vibrer avec les personnages.

On reste spectateur, mais spectateur heureux. L'humour des acteurs et l'audace de la pièce valent le détour, de même que les ambiances et la mise en scène fort bien travaillées. Ce discours là ne nous met pas du tout les oreilles en feu, bien au contraire il leur fait même plaisir.

Thomas Dechamps

Une comédie du meilleur tonneau

Thomas Dechamps — 2013-10-18T12:50:35Z

Deux acteurs pétillants nous invitent à leur table pour assister à leur création originale. Après plus de cent représentations, cette pièce parfaitement rodée se redécouvre avec bonheur, malgré quelques longueurs. La pièce ne parle presque que d'alcool, de plans de table et de grands crus mais demeure toujours fraîche et légère, sans jamais tomber dans le potache. On passe finalement une très bonne soirée en compagnie de ces deux comédiens que le vin inspire.

« Eventé, bouchonné, délicat, élégant, léger, typé, bourru, charpenté, parfait… », le duo Pascale Vander Zypen & Christian Dalimier a du vocabulaire pour parler de pinard. Tellement qu'ils ont décidé d'en faire une pièce pour répondre avec humour à quelques questions existentielles : comment réussir un plan de table familial ? Quels vins choisir sur une carte selon les menus proposés ? Pourquoi ne se cantonner qu'au champagne pour célébrer un moment heureux ?

Ce spectacle enjoué et bibitif est parfaitement rodé. A la fois simple et inventive, la mise en scène se déroule sans aucun heurt. Les deux acteurs jouent avec aisance, changeant de personnage comme on passe d'une bouteille à une autre.

« Entre deux verres » est conçu comme une suite de scénettes alternant réalisme et absurde. On regrette tout de même un peu que le texte n'aille jamais plus loin que le comique et le désinvolte, sans jamais donner de réelle profondeur à ses personnages. Le thème de l'alcool pourrait aussi faire l'objet d'un traitement plus "grave", traitement qui aurait peut-être apporté un peu d'émotion à l'ensemble. En résultent quelques longueurs à certains moments, mais les deux auteurs et acteurs arrivent à nous faire rire, ce qui est déjà beaucoup. Bonus appréciable, chaque représentation est suivie d'une dégustation de vin...

La deuxième soirée d' "Entre deux verres" à La Vénerie a malheureusement dû être annulée faute de réservations suffisantes. C'est un bien mauvais coup pour cette comédie guillerette et son duo d'acteurs attachants, sans doute encore insuffisamment connus à Bruxelles. Ils remettent heureusement le couvert au Théâtre St-Michel (du 15 au 24 octobre et les 16, 21 et 23 novembre) et, on l'espère, avec la même soif d'humour et de grands crus.

Thomas Dechamps

Moutons enragés

Thomas Dechamps — 2013-10-18T12:45:18Z

Un duo de moutons totalement déjantés s'installe dans le foyer de la Balsamine, complètement repensé pour eux. Dans ce spectacle désarçonnant, les deux quadrupèdes philosophent, font des rimes et des pirouettes, chantent, s'énervent… et partent un peu trop dans tous les sens. Mais les deux auteures réussissent tout de même leur coup. L'on est tellement intrigués qu'on finit par adhérer à la performance de ces actrices audacieuses et volubiles.

Deux moutons, un blanc et un noir, décident de quitter leur troupeau pour partir à la découverte de ces êtres qui les fascinent : les humains. Ces deux ruminants rêvent de côtoyer l'homme, cet animal si « complexe », c'est-à-dire « intelligent, pervers, érotique, manipulateur, inventif, cruel, spirituel, libéré sexuellement et perpétuellement angoissé par la conscience de sa mort prochaine ». Comme ils le disent si bien.

Et nos deux « moutonnes », Corinne et Corinne, de perdre leur innocence débonnaire à cause de cette passion pour l'humanité. Le mouton noir (Elena Perez) devient cynique et cérébral, son comparse blanc (Lise Wittamer) enthousiaste mais nymphomane.
L'histoire absurde de ces deux animaux trop curieux donne lieu à une réflexion sur la condition de l'homme, la sauvagerie, le sexe et la vulgarité. Les deux personnages doivent constamment se remettre en question. Bien qu'ils ne deviendront jamais réellement humains, leur quête les transformera profondément.

S'il est exposé, le propos est malheureusement noyé sous un déluge de blagues et de pitreries en tout genre. On rit beaucoup, quelques répliques sont de véritables perles, mais cela dessert les moments plus introspectifs où l'émotion se déploie. Du coup, on se retrouve parfois dubitatif face à ce mélange détonnant de passages loufoques et dramatiques. L'avantage, c'est que le spectacle est tellement imprévisible qu'on se demande constamment ce que les deux actrices vont bien pouvoir inventer, au point que l'on reste scotché jusqu'au bout.

Malgré cela, on appréciera franchement l'originalité de la mise en scène. Mises en valeur par une configuration spécifique du foyer, les deux actrices épatent, jouent juste devant notre nez et n'hésitent pas à apostropher leur public ou à s'asseoir parmi les spectateurs. Cette proximité rend l'expérience encore plus prenante et permet aux actrices d'imposer plus facilement leur univers déjanté. Le plateau est juste à nos pieds, rempli d'objets incongrus et de matériaux qu'utilisent les personnages pour mettre le bordel sur scène.

Impossible de rester de marbre devant ces deux moutons barjots. On prend un malin plaisir à les voir déchirés entre leur nature animale et humaine. L'on adore quand ils salissent le plateau ou se foutent de notre tête. Vous ne vous endormirez pas en comptant ces moutons-là.

Thomas Dechamps

Personne n'est tout blanc ou tout noir

Thomas Dechamps — 2013-09-11T13:36:10Z

Le théâtre Le Public ouvre la saison en beauté avec une pièce en forme de thriller juridique, dont le rythme rapide et l'atmosphère tendue ne vous laisseront aucun répit. Quatre acteurs fantastiques incarnent quatre personnages embarqués dans une affaire sordide de crime racial, et qui se retrouveront confrontés à leurs propres préjugés. Un scénario ambigu qui ose le politiquement incorrect mais pose les bonnes questions et laisse matière à réflexion bien après la tombée du rideau.

Un homme blanc et puissant est accusé d'avoir violé une femme noire et pauvre. Cela vous rappelle quelque chose ? Vous avez tort, « Race » a été écrit plus d'un an avant son "remake" au Sofitel de New-York. D'ailleurs, le fait divers n'est dans la pièce qu'un prétexte pour une réflexion beaucoup plus large autour de la question raciale. Qui est discriminé ? Qui profite de qui ? Qu'est-ce qu'un acte raciste ?

Quatre voix pour poser ces questions : deux avocats (un blanc et un noir), un client blanc (l'accusé) et une stagiaire noire. Aucun d'entre eux ne s'estime raciste. Pourtant, l'enquête et le sordide de l'affaire les amèneront à s'interroger sur leurs propres agissements. Pas de grandes déclarations bien-pensantes ici : juste des personnes différentes se débattant avec leurs propres histoires, leurs faiblesses et leurs mensonges.

L'auteur David Mamet est un dramaturge et scénariste américain. Il a notamment écrit le scénario d'un des plus grands succès du réalisateur Brian de Palma « Les Incorruptibles », et ceux de plusieurs autres films à suspense. Rien d'étonnant finalement à ce que « Race » sonne comme un thriller et que les répliques bien senties s'enchaînent sans cesse.

Les acteurs tiennent parfaitement ce rythme intense et les deux avocats (Alain Leempoel et Emile Abossolo M'bo) ont du bagout à revendre. Cela donne parfois l'impression qu'ils surjouent un peu (n'a pas la classe américaine qui veut) mais qu'importe ! Cela convient finalement bien à leurs personnages et ces deux-là tiennent clairement la vedette.

« Race » met parfois mal à l'aise mais sait aussi faire rire. La pièce parvient parfaitement à installer une atmosphère de suspense et de non-dits qui nous fait souvent retenir notre souffle en attendant le prochain rebondissement. Mais la vraie force du spectacle c'est d'utiliser ces atouts pour nous amener à une réflexion concrète sur le racisme qui va au-delà des lieux communs qui nous sont rabâchés habituellement. Réflexion, suspense et rire : voilà les trois ingrédients de ce spectacle intelligent et bien mené auquel nous convie Le Public pour sa rentrée.

Thomas Dechamps

Des coups bas qui volent haut

Thomas Dechamps — 2013-04-19T10:07:46Z

« Quelle réjouissante vision de l'industrie moderne » s'exclame un personnage en regardant vers le public. Il ne croit pas si bien dire : Sous la ceinture propose, dans un style à la fois impitoyable et détaché, une brillante satire du monde du travail. Cette petite merveille d'humour noir enchaîne à un rythme accéléré des dialogues acerbes qui laissent le spectateur pantois mais qui font aussi beaucoup rire, portés par casting impeccable. Une fiction finalement piquante de vérité et un vrai régal pour le spectateur.

Dobbitt vient d'être muté dans une usine perdue au milieu du désert. Ce grand optimiste y voit une promotion et vient prendre avec joie sa place de « vérificateur » au sein de son nouveau département. C'est sans compter sur Hanrahan, son collègue et voisin de chambre, un misanthrope acariâtre qui décide immédiatement de lui pourrir la vie. Son supérieur hiérarchique, Merkin, ne fera rien pour arranger la situation, bien au contraire il s'amuse à souffler le chaud et le froid et à jeter de temps en temps de l'huile sur le feu. Et pendant que l'usine produit chaque jour ses « unités », au dehors une mystérieuse présence se rapproche toujours un peu plus des palissades.

Qu'importe ce que font vraiment ces « vérificateurs », tout comme ce qu'ils ont à vérifier d'ailleurs, l'intérêt du récit est ailleurs : dans ses personnages, figures clownesques autant que tragiques et dans son univers, cruel et glacé, qui malgré son côté absurde rappelle furieusement un certain monde de l'entreprise bien réel. Tout cela est porté par l'écriture talentueuse de Richard Dresser, auteur américain ici traduit pour la première fois en Français. Son style marie parfaitement le drame à la comédie, l'inquiétant et le saugrenu, le ton caustique avec un certain accent loufoque.

Il y a là une belle matière à jeu dont les trois comédiens de la pièce ont su parfaitement s'emparer. Les deux vérificateurs, François Macherey et Jean-Philippe Salério, sont excellents, chacun dans leur style, en clowns tristes qui se déchirent tandis que leur supérieur, Olivier Cruveiller, est impeccable dans son rôle de tyran bipolaire. Les acteurs évoluent dans une mise en scène dépouillée mais au rythme accéléré qui convient à merveille.

On regrette un peu que ce rythme intense retombe à certains moments et que la pièce passe un peu plus dans le pathos sur la fin mais le propos reste toujours aussi vif et piquant. Et le plus beau dans ce huis-clos impitoyable c'est justement de nous faire aussi aimer ces personnages, malgré toutes leurs bassesses et leur désespérance. C'est avec regret qu'on doit les quitter lorsque la pièce se termine, tellement on s'y était attaché.

Thomas Dechamps