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Bruno Coppens "contratraque"

Emmanuelle Conte — 2014-07-15T17:35:29Z

Pour clôturer la saison, le Centre Culturel d'Uccle a décidé de laisser place aux calembours et autres jeux de mots de l'humoriste belge Bruno Coppens. Seul en scène, il traque le trac au rythme de ses fantaisies langagières, et entraîne le public dans un tourbillon de rires interminables.

Le trac, généralement associé à l'artiste sur scène, est pourtant omniprésent à tous les stades de la vie. C'est ce trac-là que Bruno Coppens a donc décidé de traquer dans son nouveau seul en scène. Le trac du commun des mortels, celui des premières fois : le premier rendez-vous, le premier baiser, et même le premier homme sur terre. Mais aussi, et surtout, le trac du public, plongé dans le noir, entouré d'inconnus avec lesquels il doit partager un accoudoir minuscule.

Le corps caché derrière un paravent – celui de sa loge installée sur scène – le comédien nous offre ses conseils pour devenir « décontraqués » en incarnant des personnages variés dans des situations presque inimaginables tant elles sont hilarantes. Chaque saynète s'enchaîne à un rythme effréné, sur fond de calembours toujours plus intelligents et originaux.

Mais l'originalité ne se trouve pas que dans le texte. Si la mise en scène d'Eric de Staercke est épurée, elle n'en est pas moins efficace et stimulante. Laissant le champ libre à l'imagination, le simple paravent faisant office de décor devient tour à tour une montgolfière, des ailes d'oiseau ou encore la tribune du Pape, au rythme des transformations de Coppens, qui semble s'amuser autant que le public. L'artiste poussera même la chansonnette dans un slam enflammé que le public reprendra en choeur. Enfin, Coppens démontrera une fois de plus l'étendue de ses nombreux talents en s'engageant dans une improvisation impressionnante.

Le spectacle se transforme alors en une véritable vitrine de ses capacités artistiques. Dans Trac !, l'intelligence côtoie l'humour avec une simplicité déroutante. Les mots s'accordent, se transforment, se désaccordent dans l'unique but de faire rire. La recette fonctionne à merveilles, si bien que le temps semble filer à la même allure que les rires fusent. La traque fonctionne donc très bien : le public en sort... détraqué.

Emmanuelle Conte

L'enfer d'une bonne intention

Emmanuelle Conte — 2014-02-22T15:59:11Z

Adopter un enfant est la plus belle chose qu'on puisse lui offrir, un acte d'amour, de bravoure, de générosité, qui en dit long sur ses bonnes intentions. Adopter un enfant, c'est le sortir de la misère... pour parfois lui en faire découvrir une autre. Cathy Min Jung pousse sa propre expérience à son paroxysme et raconte, par le biais de la fiction, l'histoire d'une adoption qui tourne à la tragédie.

Cathy Min Jung signe avec « Les Bonnes Intentions » son premier texte de théâtre. Inspirée de sa propre expérience d'enfant adoptée, elle raconte l'envers du décor, celui dont on ne parle jamais mais qui arrive pourtant parfois.

Cela part toujours d'une bonne intention. Ici, deux jeunes Européens mariés qui désirent accueillir chez eux un enfant abandonné, lui offrir une vie meilleure et tout l'amour qu'ils auraient donné à leur propre progéniture, s'ils avaient pu en avoir. Mais ce parcours se transforme vite en champ de bataille, parce que l'amour ne s'achète pas, et à l'âge de 7 ans, la fillette ressemble plus à une femme de ménage qu'à un môme chéri.

La comédienne emploie un ton calme, enfantin, presque trop doux par rapport à la souffrance qu'elle décrit. Puis, les horreurs se précisent, l'ambiance devient malsaine, la tension palpable. Cathy Min Jung laisse sortir la rage qu'elle semblait avoir enfermé dans une vieille boîte à jouets en bois. De vraies larmes coulent sur son visage, et l'on ne peut qu'applaudir l'intensité et la sincérité de son jeu.

La mise en scène, signée Rosario Marmol Perez, est pertinente : la comédienne va et vient dans un wagon de bois représentant à la fois l'environnement de son enfance et cette boîte dans laquelle sont enfermés ses secrets. Les jeux de lumières donnent une profondeur à l'ambiance déconcertante, et virent au rouge sang lorsque la narratrice commet l'acte fatal.

Par cette pièce, Cathy Min Jung met en lumière les zones d'ombres d'une telle aventure, souvent passée sous silence, et pose les questions taboues. Elle ouvre le débat de l'adoption, du déracinement, de l'abandon, et remet en question le bien-fondé d'une pratique perçue comme un véritable acte de bonté. On en sort bouleversé, décontenancé, et si certaines questions restent sans réponses, on finira par refermer la boîte à souvenirs, pour tenter de ne plus y penser.

Emmanuelle Conte

Mochélan s'époumone

Emmanuelle Conte — 2014-02-22T15:51:49Z

Dans le cadre du festival KICKS !, l'Eden de Charleroi met à l'honneur Mochélan, jeune rappeur carolo déclamant son amour pour sa ville d'origine, son Pays Noir. Comment la crasse qui colle à la peau d'une ville peut-elle influencer les espoirs des jeunes qui s'y construisent ? Cette question est le point de départ d'un spectacle aux allures de concert, une pièce drôle, intelligente et criante de vérité.

A Charleroi ou ailleurs, Mochélan a déjà fait ses preuves. Jeune artiste carolo, il a déjà reçu plusieurs prix (l'Envol des Cités, Musique à la Française...) lorsqu'il entame la création de ce qui deviendra plus tard le spectacle Nés Poumon Noir.

Son point de départ ? Un contraste fort qui lui saute aux yeux, à la vingtaine, lorsqu'on lui dit qu'il a l'avenir devant lui et qu'il peine pourtant à se créer un futur dans un environnement mort socialement, culturellement et économiquement. Dans ses textes, il met alors des mots sur les soupirs de la jeunesse, sur ses espérances, ses attitudes désinvoltes... parce qu'une jeunesse qui s'en fout, ça n'existe pas.

Sur scène, il raconte un parcours, la traversée d'un individu et ses premières remises en question lorsqu'il est confronté à son environnement. Son débit est rapide, étonnant, et ses mots acérés sont pourtant emplis d'autodérision. Il dit avec humour ce que la jeunesse peine à exprimer.

Ses rimes sont accompagnées par la musique de Rémon Jr., qui parvient à faire résonner les textes, à les rendre plus vivants qu'ils ne le sont déjà. Jeune maître dans l'art de « taper très vite sur plein de petits boutons carrés pour faire de la musique en live » - comme il le dit si bien – il sait également donner une ambiance plus intimiste au spectacle, en y joignant quelques mélodies mélancoliques ou sulfureuses aux claviers ou à l'harmonica.

Sur une mise en scène épurée de Jean-Michel van den Eeyden, et une mise en images du collectif Dirty Monitor, le duo échange, partage, dans un univers excessivement enfumé qui rappelle trop bien la ville industrielle qu'est Charleroi, ce poumon noir de la Belgique. Le spectacle est rythmé, et bizarrement, ne s'essouffle pas. Mochélan enchaîne entre rap et saynètes criantes de vérité et pourtant toujours drôles. D'un geste méthodique, il invite même le public à pousser la chansonnette avec lui.

Ce même public se lèvera d'ailleurs, en fin de spectacle, pour une standing ovation brûlante et méritée. Grâce à ses mots, Mochélan réussi à partager les maux d'une jeunesse à l'aube de l'âge adulte. Son parcours résonne chez tout un chacun, et nous fait redécouvrir Charleroi, nous faisant presque oublier son image peu reluisante. Au sortir de la salle, c'est très certainement un autre regard que l'on posera sur la ville... Et l'on y respire mieux.

Emmanuelle Conte

La poésie à travers villes

Emmanuelle Conte — 2014-02-03T19:22:13Z

Pour ouvrir en grandes pompes la quatrième édition du festival KICKS !, l'Ancre met ses planches à disposition d'une formation peu commune : un très bon acteur déclamant la poésie belge d'Emile Verhaeren, un quatuor à cordes, de la musique électronique et du mapping vidéo. Une initiative originale et intelligente pour décloisonner les arts... au moins pour les amateurs du genre.

En 1895, Emile Verhaeren signait un recueil de poèmes, « Les Villes tentaculaires », dans lequel il y exposait toute l'horreur et la beauté de la ville. Ce regard critique sur l'urbanisme grandissant de l'époque est aujourd'hui transposé de manière originale dans un spectacle contemporain, à la croisée du concert et de la représentation théâtrale.

A l'initiative du projet, Nicolas Mispelaere et son envie de faire connaître à la jeunesse les poèmes de Verhaeren (auteur malheureusement très peu étudié dans les écoles secondaires). Son ambition : montrer l'actualité du propos et la beauté des mots par une mise en scène contemporaine (signée Jean-Michel Van den Eeyden) mêlant différentes formes artistiques.

Sur les planches, quelques formes claires et obscures à la fois, mises en lumière et métamorphosées par du mapping vidéo, un art complexe qui consiste à projeter des animations visuelles en relief sur des structures 3D. Ces images, toujours en accord avec le thème de la ville, font résonner les mots du poète de manière visuelle, comme un envoûtement, une hypnose. Il est difficile de détacher le regard de ces formes qui fondent, brûlent et se reforment, se redressent comme autant de gratte-ciels.

Il est difficile également de se concentrer sur les mots déclamés par un Nicolas Mispelaere habité par son texte. Épatant, émouvant parfois, s'abandonnant corps et âme à des mots forts de sens et de sentiments, Mispelaere ne parvient pas toujours à emmener le public avec lui. La poésie demande souvent quelques efforts de concentration à celui qui l'écoute, pour en comprendre toutes les subtilités et en apprécier d'autant plus la beauté. Et bien que l'initiative soit originale et enrichissante, le mélange de tous ces arts est parfois brouillon.

Le son n'est qu'une distraction de plus : la musique électronique rencontre la douceur d'un quatuor à cordes. Le mélange est brillant, subtil, intéressant mais également suffoquant, étrange et parfois même assourdissant, au détriment de ces mots criés avec force par Mispelaere, que le public peine pourtant à entendre.

L'ensemble n'est pas mauvais, loin de là. L'initiative est appréciable, et fera même certainement mouche auprès des amateurs du genre. Le spectacle, joué à l'Ancre jusqu'au 5 février, affiche d'ailleurs complet. Il y sera reprogrammé en juin. En attendant, le festival KICKS ! continue jusqu'au mois de mars, et le public pourra sans doute trouver son bonheur parmi les nombreuses activités proposées à Charleroi, telles des tentacules prenant possession de la ville.

Emmanuelle Conte

Souvenirs guerriers

Emmanuelle Conte — 2013-02-25T10:42:36Z

Koenraad Tinel avait six ans, en 1940. Il a vécu la guerre, oui, mais dans le « mauvais camp » : avec un père flamingant et sympathisant nazi, et deux grands frères concrètement collaborateurs, le débarquement de Normandie n'a pas été perçu comme une bouffée d'espoir, mais comme le début d'une épopée dangereuse, en fuite vers l'Allemagne. Il raconte ses souvenirs, heureux comme douloureux, avec une franchise étonnante et une certaine maladresse plutôt attendrissante.

Koenraad Tinel est aujourd'hui artiste plasticien. Ses œuvres sculpturales évoquent principalement des mondes mythiques (à découvrir sur son site officiel). Mais ses dessins proposent une toute autre facette de l'artiste : ils sont une plongée dans son passé et donnent forme à des souvenirs complexes. Après avoir terminé le cycle « Scheisseimer » en 2006, composé de plus de 240 dessins au brou de noix et à l'encre de Chine, Tinel a pu, grâce à la complicité de son ami et écrivain David Van Reybrouck, mettre des mots sur ses œuvres, dans un livre paru en néerlandais en 2009 et rapidement porté à la scène à Anvers. C'est au théâtre Les Tanneurs qu'il raconte de nouveau son histoire, en français cette fois.

Sur scène, rien d'autre que des copies de ces centaines de dessins, un sublime piano à queue, et Koenraad Tinel, l'homme qui a vécu la guerre alors qu'il n'était encore qu'un enfant. En guise d'introduction, ses doigts noueux jouent une pièce de Bach qu'il avait apprise avec sa professeur juive, Betty Galinsky, à qui il dédie ce spectacle.

C'est avec des mots hésitants que Tinel parle. Il débite ses idées, ses souvenirs à une vitesse incroyable, comme si ses secrets étaient restés trop longtemps enfouis dans sa mémoire, ne demandant qu'à s'en échapper au plus vite. Rien n'est appris par cœur : il tente simplement de retranscrire avec des mots maladroits son histoire poignante et fascinante. Rien n'est joué, non plus : l'émotion est réelle, et sa voix tremblante n'en est que plus touchante. Il ne juge pas, mais raconte l'innommable, la monstruosité de l'idéologie nazie, avec l'innocence de son âge d'alors.

Si le rythme est un peu monotone, le public ne peut qu'applaudir l'audace de cet homme qui n'hésite pas à affronter ses propres émotions et à en livrer un récit dont la sincérité n'a d'égale que la culpabilité que Tinel ressent toujours, culpabilité d'un choix qu'il n'a pas fait, que d'autres ont fait pour lui.

Le spectacle se terminera sur une note musicale de Bach, la même que celle qui l'a introduit, faisant résonner une dernière fois les souvenirs de l'Homme.

Emmanuelle Conte

Qui veut gagner... des milliards ?

Emmanuelle Conte — 2013-02-04T15:52:22Z

Pour sa toute première représentation en Belgique, et dans le cadre du festival de café-théâtre « La Cerise du Gâteau » du Centre Culturel d'Uccle, Audrey Vernon fait ses preuves dans une salle comble et comblée. Avec un humour décalé et déjanté, elle donne vie au premier « one-man-show économique » dans un style bien particulier et une autodérision exacerbée qui lui font parfois faux bond.

La comédienne est déjà sur scène, postée sur un haut tabouret et cachée derrière un journal lorsque les spectateurs s'installent, instaurant automatiquement une ambiance intrigante dans la petite salle du Centre Culturel d'Uccle. Accompagnée de seulement quelques accessoires, elle tiendra l'audience en haleine pendant un peu plus d'une heure. La demoiselle a un charme fou, elle le sait et elle en joue souvent : pole-dance sensuelle sous un éclairage tamisé, changement de robe sous les yeux ébahis des hommes et les rires jaunes des femmes, elle sait utiliser sa plastique parfaite pour rajouter un peu de piquant dans cette soirée déjà bien épicée.

Mais derrière ses airs de pin-up idiote, le talent comique d'Audrey Vernon est imparable : sa passion pour l'économie lui permet d'être très drôle tout en parlant de Marx, du CAC 40, du libéralisme, ou encore de la liste de Forbes (qu'elle apprend par cœur chaque année !). En plus de faire rire, elle instruit : dans sa petite université populaire, elle nous apprend, de manière ludique, à reconnaître un milliardaire et à l'aborder afin d'atteindre le but ultime : l'épouser.

Malheureusement, toutes ses blagues ne font pas mouche, et certaines d'entre elles ne reçoivent que quelques sourires silencieux. Néanmoins, la belle ne se laisse pas déstabiliser, et convainc par son autodérision à toute épreuve. Elle attendri ainsi son public, vers lequel elle lancera son bouquet de jeune mariée en fin de soirée, avant de se diriger vers un voyage de noces et un avenir plus que prometteurs. Une première scène belge appréciée donc, mais certainement pas la dernière.

Ni blanc, ni noir

Emmanuelle Conte — 2013-01-31T12:20:05Z

Kwaheri – « Au revoir », en swahili – retrace l'histoire du métissage à travers une double ligne du temps : celle d'un témoignage criant de vérité, et celle de l'Histoire avec un grand « H ». Soutenue sur scène par deux musiciens talentueux, Estelle Marion nous conte sa quête d'identité, de sa naissance à aujourd'hui, dans un décor épuré et intimiste. Une histoire troublante, poignante. Une réflexion sur sa vie et sur le Monde. Un récit qui prend aux tripes.

Estelle Marion n'est ni blanche, ni noire. Elle est métis, mais "mulâtresse" est le mot qu'elle revendique pour se définir, un peu par provocation. A l'époque des colonisations africaines, ce terme "mulâtre" était utilisé pour définir le fruit d'une liaison entre un homme blanc et une femme noire. Née en 1949 au Rwanda, lorsque les mariages mixtes étaient encore interdits, Estelle Marion a connu la colonisation, l'indépendance, mais aussi et surtout, le racisme. C'est cette histoire qu'elle conte sur la scène du Grand Varia. L'histoire d'un métissage douloureux. L'histoire d'un déséquilibre entre son côté occidental, le blanc, et son côté africain, le noir. L'histoire d'une crise identitaire, car Estelle provient de deux cultures différentes, sans jamais trouver d'appartenance.

Estelle Marion retranscrit donc le récit de sa vie dans un texte qu'elle a écrit et agrémenté d'extraits percutants d'écrivains africains et afro-américains. Pendant un peu plus d'une heure, ses mots voguent entre contexte politique et histoire personnelle. De temps à autres, sa voix chantante s'élève et Estelle reprend des chansons, rythmant la pièce de manière ponctuelle. Un index très complet du spectacle sera d'ailleurs distribué à la sortie, reprenant en détails ces mots qui ne sont pas d'elles, mais qui ont marqué son histoire.

Estelle danse aussi, dans ce décor épuré et simpliste rappelant l'intime récit qui y est conté. Sur scène, rien d'autre qu'elle, pieds nus, tentant de « bouger dans son corps d'africaine ». Derrière elle, un écran représente l'espace du mental, de l'imaginaire. Ce travail de Zeno Graton permet, à l'aide d'extraits de films et de documentaires, de créer un décor vivant, englobant. Les nombreux jeux de contrastes lumineux font quant à eux ressortir les conflits intérieurs de la comédienne, évoluant sans cesse d'une ambiance chaude à une atmosphère plus froide, enveloppant les spectateurs dans cette Histoire qui est aussi la leur.

Les prestations époustouflantes des deux musiciens qui l'accompagnent – un blanc et une noire, coïncidence ?- sont à souligner. Les compositions de Marc Hérouet (au piano), ponctuent le texte et interviennent en interaction constante avec les paroles. Quant à Manou Gallo (percussions et basse), elle éblouit par sa virtuosité et son talent hors normes.

Le tout devient plus qu'un spectacle : c'est un bout de l'Histoire qui nous est conté à travers le témoignage d'Estelle Marion, sans aucune intention de victimisation ou d'apitoiement. Une Histoire qui laisse une trace indélébile.

Emmanuelle Conte

Un squatteur sachant squatter

Emmanuelle Conte — 2012-12-18T17:43:17Z

Deux squatteurs dans un appartement du 16ème arrondissement de Paris : voilà un thème qui pourrait déjà, si l'on trouve les bons mots, se transformer en une jolie comédie. Choisissez deux protagonistes d'origine étrangère – Samir et Natasha – et vous obtiendrez un spectacle dans l'air du temps, transmettant un message de tolérance et de solidarité empli d'amour… et d'humour.

S'appeler Samir, dans la société actuelle, n'est pas une sinécure. Travail, logement, toutes les portes se ferment plus facilement face aux sonorités étrangères d'un simple prénom. Le squat est un dernier recours pour le jeune algérien qui, avec la complicité de son meilleur ami, va prendre ses quartiers dans un bel appartement du 16ème arrondissement de Paris. Seules ombres au tableau, les deux sœurs propriétaires du logement débarquent sans crier gare.

De cette cohabitation forcée découleront plusieurs sentiments rythmant joyeusement la pièce. L'indignation et les propos, clairement racistes mais hilarants, de Maryvonne font mouche. Le déterminisme de sa sœur Jeanne inspire le respect. Mais l'élément déclencheur des rires du public est définitivement l'affrontement des deux femmes aux caractères bien opposés. Marion Game et Geneviève Fontanel campent leurs rôles à la perfection, et l'on ne peut que saluer chaudement leurs excellentes prestations. Le jeune Selim Clayssen ne passe pas inaperçu non plus : son rôle lui va littéralement comme un gant, offrant au spectacle encore plus de réalisme qu'il n'en possédait déjà.

L'auteur, Jean-Marie Chevret, a le sens des bons mots. Des mots drôles. Des mots choquants. Des mots touchants. Chaque réplique est calculée, sensée. La mise en scène est rythmée, sans temps morts. Quelques bons sentiments invitent l'audience à reprendre son souffle avant de reprendre la danse, à cent à l'heure.

Cette comédie traite avec brio de la question de l'immigration. Mais au-delà d'un message antiraciste évident, les spectateurs assistent aussi à la confrontation de deux générations, de deux expériences de vie sur fond de drame social. Tout fonctionne à merveille, et la pièce aura probablement un impact sur la foule qui applaudit, debout, la réalité que le spectacle leur a offerte.

Emmanuelle Conte

Rire pour l'égalité

Emmanuelle Conte — 2012-12-11T17:12:49Z

Un festival, deux soirées, 12 humoristes autour de l'égalité femmes/hommes… Un cocktail explosif qui met l'eau à la bouche ! Porté par deux présentateurs à forte personnalité, le spectacle fait mouche… puis s'essouffle.

L'évènement est une initiative du ministre-président du Collège de la Cocof et met en scène, lors de deux soirées à guichets fermés au théâtre de la Toison d'Or, 12 humoristes belges – 6 femmes, 6 hommes – prêts à aborder avec humour et cynisme ce sujet inépuisable : l'égalité femmes/hommes dans notre société.

La présentation est laissée à l'incroyable Maman, artiste transformiste et reine des nuits bruxelloises, et au franc-parler du caustique Greg Carette, campant l'un et l'autre, et ce tout au long du spectacle, des clichés et caricatures des sexes dits « faible » et « fort ». Les deux compères introduisent de manière un peu hésitante, mais malgré tout hilarante, les sketches des 12 artistes.

Parmi les nombreuses prestations, on retiendra notamment celle de Jean-Luc Fonck, dont la renommée n'est plus à faire (et qui était d'ailleurs attendu par de nombreux spectateurs), mais aussi celle de Zidani : après un passage remarqué dans l'émission de Laurent Ruquier, « On ne demande qu'à en rire », la comique belge continue sur sa lancée et nous offre un joli moment tout en humour et en chansons. Myriam Leroy, quant à elle, ne convainc pas : ses chroniques, pourtant décapantes en radio, ne font malheureusement pas le même effet sur scène. La belle décroche néanmoins quelques rires francs, et pour une première, ce n'est pas si mal.
Si le concept est intéressant, on déplore l'absence d'engagement réel. La plupart des interventions, en effet, tourne principalement autour d'un thème presque trop facile – le sexe – et si cela fait rire au début, le public s'en lasse malheureusement bien trop vite. L'absence de préparation, aussi, gâche un peu le plaisir : plusieurs comédiens montent sur la scène notes à la main, distrayant l'attention des spectateurs.

Cependant, la superbe mise en scène de Nathalie Uffner (qui s'illustre aussi sur les planches accompagnée de Sébastien Ministru dans un sketch loufoque) ajoute une touche de comique incontournable : un écran d'ombres chinoises, représentant chacun des intervenants réagissant en direct à ce qui se passe sur scène, remet l'ambiance quand le public semble s'éteindre. C'est de nouveau Jean-Luc Fonck – ou plutôt Sttellla – qui ravivera une dernière fois la flamme du rire lors d'une chanson très adaptée au thème de la soirée, et qui fera oublier en un clin d'œil tous les petits défauts du spectacle, pour une fin en apothéose.

Emmanuelle Conte