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Plateau miniature pour récit d'envergure

Blanche Tirtiaux — 2015-01-19T11:10:55Z

Incroyable ce que peuvent raconter quelques objets lorsqu'ils sont manipulés avec humour et partition. Ressacs est un théâtre d'objets drôle et décalé qui dit beaucoup avec très peu en transgressant la pesanteur d'un destin a priori tragique. Un spectacle tragico-comique de la Compagnie Gare Centrale !

Un couple on ne peut plus ordinaire : a beautiful house in a residential area, la voiture rouge, le crédit. Et puis tout d'un coup, il n'y a plus rien, sauf le chien. Les deux acteurs en scène voient progressivement leur faible capital s'envoler et les objets qui constituent leur vie disparaître de la table qui est devant eux. The beautiful house is lost, la chemise élégante qui va avec aussi. Les voilà subitement à moitié nus devant une mer de velours bleu, errant sur un rafiot de fortune, transposition poétique de leur état de détresse. Elle et lui, aux côtés du chien en plastique, poussent la chansonnette pour raconter leur histoire terrible accompagnés par un petit clavier au son métallique.

Ainsi, les deux acteurs, Agnès Limbo et Grégory Houben, usent de la musique, du rythme et des allées et venues des objets sur leur plateau miniature pour faire évoluer leur histoire. Ils présentent avec une implacable simplicité leur ruine et nous rions à gorge déployée de cette ironie. Un humour décalé et zinneke entre flegme british et auto-dérision à la belge rend le tout incisif tandis que les moyens utilisés demeurent économes. Et puisque tout va si mal, et qu'il n'y a même pas de whisky pour oublier – no money, no whisky, nothing ! – le bateau finit par s'échouer en Afrique.

L'anecdote tragique se transforme soudainement en une allégorie évocatrice. L'Afrique, terre de ressources, l'occasion ultime de refaire fortune ? Dans la nuit, passent les caravelles des grandes conquêtes... Elle et lui refont surface, se travestissent et se métamorphosent, ils entament un nouveau bout de leur vie et racontent avec elle un pan de l'Histoire.

La singularité du spectacle tient probablement de l'alchimie entre les acteurs, musiciens interprètes et manipulateurs d'objets. Ressacs est en ce sens dans la lignée des formes déjà expérimentées par le duo : un dialogue entre jeu et narration où les deux protagonistes jonglent d'un statut à l'autre, où les registres et les langues se mélangent dans un élan créatif. L'atmosphère crisse, craque, grinçouille, résonne A, E, I, O, U, fait pim, pam, « Darling ? », et nous emporte dans un ailleurs ludique et déjanté. Au travers du destin un peu absurde des deux zigotos nous voilà plongés dans la tragédie coloniale, dans la course éperdue au pouvoir et à l'avoir. Bien envoyé.

Blanche Tirtiaux

Exploration sensuelle au bord de l'eau

Blanche Tirtiaux — 2014-12-14T09:29:03Z

Après le succès l'année dernière de « La Vecchia Vacca », Salvatore Calcagno propose cette semaine aux Tanneurs « Le garçon de la piscine », un hommage à ceux qui passent leur journée sur la place du village, à égale distance entre la plage et la maison. Un spectacle dynamique qui interroge avec humour et décalage les barrières et les empêchements.

Tout le monde a déjà rencontré une des ces bandes de « gars de la piscine » qui passent leur journée à zoner sur le banc de la place, à mater les filles qui passent et à jouer aux caïds. Partir de leur ennui et du vide de leur existence n'a a priori pas l'envergure d'être le sujet central d'un spectacle. Et pourtant, Salvatore Calcagno propose un objet théâtral décalé et intrigant qui transcende le quotidien de la thématique qu'il aborde par la sensualité qu'il dégage.

La vendeuse de glace est la première à faire son apparition sur scène. Son corps rachitique se meut avec lenteur dans l'espace, déformé par de hautes semelles compensées qui lui donnent un balancement hypnotique. Derrière son frigobox à roulettes, la vendeuse à la peau diaphane devient diva étrange, créature fantasmée et fantasmatique, acérant dès les premières secondes du spectacle notre curiosité.

Les jeunes débarquent, quatre mecs et une fille, la clope au bec. Pas d'action, ou si peu. On se touche, s'effleure, se taquine, s'embrasse presque, se souffle dessus. Dans le dialogue qu'entreprennent les corps les uns avec les autres se tisse une matière épaisse, émerge une consistance palpable où les jeux de mains, de fumée, les regards en disent long.
Des corps sans âge, naïfs, jeunes dans leur fraîcheur, se répondent ; les conversations futiles, prennent sens par l'incarnation sincère des acteurs, sont sublimées par un travail précis et juste de chœur. Le spectateur est invité dans un monde sensoriel au goût délicieux de séduction, où le rythme de l'ordinaire et du presque rien s'installe.

Pourtant « le garçon de la piscine » tient si peu du réel et de l'ordinaire. Salvatore Calcagno est un plasticien des corps, il utilise le matériau humain avec créativité pour décaler et nourrir le banal et lui donner un statut d'exception. Des situations insignifiantes sont récupérées et passées à la moulinette de la théâtralité et se transforment en drôleries loufoques tout en demeurant identifiables. Une scène de classe devient sur les planches séance de borborygmes sous l'égide d'une professeur-sorcière, entre clins d'œil réalistes et véritables inventions scéniques. En ce sens, le travail du metteur en scène est particulièrement convaincant et fait preuve d'une recherche esthétique et symbolique singulière. On déplorera peut-être le glissement de registre et quelques scènes plus inégales en fin de spectacle qui entrent en rupture avec la magnifique sensualité qui est présente dans le reste de la pièce. Un détour par le discours déforce un tantinet la ligne de conduite, là où à d'autres moments les images et la présence des comédiens – qui font preuve d'une performance à tout moment ajustée – suffisaient.

En donnant à sentir et à vivre la désillusion d'individus qui s'enracinent en bord de piscine, la pièce propose un langage empreint de corporalité et traite mine de rien de questions fondamentales comme celle de l'errance, de l'empêchement, de l'omniprésence de la sexualité. Un travail prometteur pour une équipe jeune et pleine d'énergie.

Blanche Tirtiaux

Voilà leur Allemagne

Blanche Tirtiaux — 2014-12-02T12:30:14Z

En 1947, Wolfgang Borchert écrit « Dehors devant la porte » et lui donne le sous-titre de « pièce qu'aucun théâtre ne veut jouer et qu'aucun public ne veut voir ». Héloïse Meire et Céline Hupin à l'origine de la compagnie What's up ?! ont décidé de relever le défi audacieux de monter le texte sur les planches du National en lui redonnant une actualité.

La guerre est finie, un homme rentre en Allemagne. Trois ans se sont écoulés depuis la fin des hostilités mais Beckmann, jeune soldat de 25 ans, a été retenu en Sibérie et revient de cette épreuve perdu et épuisé. Il ne rêve que d'une chose : une porte à passer pour retrouver un foyer, un chez lui. Cependant son absence a été longue et il revient tout différent de celui qu'il était en partant, précise la préface de la pièce.

Borchert livre un texte noir où il utilise le ton du conte pour rendre compte de l'état d'errance d'entre vie et mort que connaît le héros. Héloïse Meire et Céline Hupin ont choisi d'utiliser l'onirisme du texte pour proposer des ambiances contrastées où le macabre rencontre le fantastique. Le spectacle commence par une image fort, particulièrement emblématique du spectacle dans laquelle la mort masquée émerge lentement d'une marée immense et organique évoquant des lambeaux de chair, des viscères ou un amas de cadavres. L'enfer que vit le héros se matérialise au travers de différents tableaux en dialogue étroit les uns avec les autres : derrière un voile en fond de scène des pans du rêve ou du cauchemar se déploient à demi-teinte ; sur l'avant-scène le soldat se confronte en clair-obscur avec le monde réel. L'ambiguïté des registres accentue le décalage que vit Beckmann et nous fait entrer au cœur de son tourment.

En filigrane apparaît alors le propos de la pièce, à savoir celui de la responsabilité individuelle dans l'horreur, le choix ou non du déni face à l'inacceptable. La guerre est finie ? Pour Beckmann elle ne l'est pas. Par sa quête éperdue du sens, le protagoniste nous partage les barrières et les refus qu'il essuie, nous fait rencontrer ses démons d'hier et d'aujourd'hui. L'Elbe personnifiée en figure mythologique refuse son suicide, le colonel de Beckmann dans son intérieur bourgeois le prend pour un fou. Chaque jour, on assassine, chaque jour on est assassiné... mais comment faire pour avancer sans oublier ses crimes ?

Le dispositif scénique revisite le texte et fait ressortir par l'allégorie l'intemporalité des questions posées. L'habile mise en abyme de la rencontre de Beckmann avec un directeur de théâtre pose par exemple un regard auto-réflexif sur la pièce et interroge le culte du divertissement face au désastre. En ce sens, le spectacle fait preuve d'une ligne lisible et cohérente, un rien didactique peut-être. Les scènes s'enchaînent avec cadence sur une bande-son rythmée et nous font pénétrer par la matière dans les nuées du héros. On apprécie d'assister à une recherche théâtrale entière et foisonnante incluant des acteurs impliqués et des personnages dynamiques, au risque peut-être de regretter qu'il n' y ait davantage de sobriété et de suggestion.

Blanche Tirtiaux

Faites place aux rois vagabonds

Blanche Tirtiaux — 2014-12-01T06:38:24Z

Les rois vagabonds présentent en duo un concerto extraordinaire mêlant cirque et musique. Une belle clownette chante, danse et joue du violon pendant que son auguste partenaire fanfaronne aux cuivres entre deux chutes maladroites. Un véritable bijou dégotté par le théâtre 140 à Avignon pour nous en mettre plein la vue.

Sur scène un élégant lustre aux pendrillons de verre et une petite niche de velours rouge annoncent la couleur. L'espace scénique est prêt à recevoir nos deux rois et leur concerto de haut vol. La reine fait son apparition tout de blanc vêtue, une valisette à la main, le pas léger et la pirouette gracieuse, suivie par son acolyte vagabond. Avec sa grosse malle de fer et ses gestes patauds, le deuxième tente coûte que coûte de suivre la diva dans ses grands airs. Madame sort le violon de la valisette et se met à jouer avec virtuosité, Monsieur sort le tuba rafistolé de la malle pleine de paille et crachotte quelques notes graves. La petite mécanique est lancée, la belle et le bête nous ravissent déjà de leur duo délicieux.

Le concerto n'est que prétexte, on pouvait s'en douter. Ces deux là ont plus d'un tour dans leur sac, et en plus d'être drôles et terriblement bien assortis, ils nous époustouflent par leur technique musicale et acrobatique, tout en offrant à nos mirettes une kyrielle d'images. De la niche rouge surgissent ponctuellement quelques trouvailles, une jupe gigantesque s'étire sur la musique endiablée du violon pour faire apparaître successivement une impératrice, un géant aux pieds d'argile, une créature sous-marine. De tableau en tableau, on sort d'un jeu pour en rejoindre un autre, slalomant entre musique de chambre, opéra, périple sur les mers, galipettes ou chorégraphie déjantée, surpris toujours par l'originalité des images qui s'impriment sur nos rétines.

Et pendant ce grand voyage, Monsieur et Madame déploient une relation complice, revisitant l'inconditionnel couple du clown blanc et de l'auguste avec une bonne dose d'humour, de surprise et de créativité. Le grand maladroit n'a pas dit son dernier mot et, fidèle au canon du genre, réussit le plus souvent à sauver la mise par l'un ou l'autre clin d'œil discret dont le public raffole. Car si le spectacle tient son cap de A à Z ce n'est pas tant en raison de son rythme cadencé, que de la performance sans accrocs des acteurs qui maîtrisent leurs arts avec une facilité déconcertante et servent au public un spectacle rodé au poil.

Des clowns au théâtre ça n'est pas courant, et ça fait du bien ! Merci à vous, Vos chères Altesses royales ; princes du rire et de la scène, vous méritez sans conteste vos lettres de noblesse.

Blanche Tirtiaux

Envol théâtral non identifié

Blanche Tirtiaux — 2014-11-17T09:06:45Z

Jean Le Peltier présente à l'atelier 210 "Vieil", un objet théâtral charmant et non identifié, qu'il qualifie de "performance épique qui se dessine sur les murs". Ives, petit bonhomme seul en scène et faussement naïf nous emmène par le langage du conte, du dessin, et du jeu clownesque dans un pays étrange et surréaliste.

Simple et désarmé, l'auteur, acteur et metteur en scène Jean Le Peltier nous offre le récit d'Ives et son aventure avec Poney, la vieille dame qu'il aimait et avec qui il a tenté de sauver le géant blessé qu'ils trouvèrent un matin étendu dans leur jardin au cœur de la forêt. Sympathique et maladroit, le jeune homme raconte par les mots et par les images qu'il dessine au fusain sur les murs du plateau sa quête du grand Ironiste, le seul à pouvoir soigner ce drôle de géant tatoué.

L'univers de Vieil rappelle les contes pour enfants, les mondes fantastiques des livres d'images en travestissant le creux de notre clavicule en un petit lac, les fougères qui poussent dans le jardin en poils de géant. Avec tendresse surgissent des images inattendues, qui résonnent tant dans notre imaginaire que sur les feuilles blanches du fond de scène. Les chevaux papotent, le hibou grand Ironiste râle, le géant est tout bleu à l'intérieur et le loup pleure parce qu'il a perdu sa meute. Cette histoire est pleine de fantaisie mais ce n'est pas non plus n'importe quoi confie sur scène l'artiste, qui dans sa fausse naïveté digresse sur ces choses qui l'interrogent, et questionne le public au-delà des métaphores qu'il utilise. Moins innocent qu'il en a l'air, Ives parvient au détour de son récit à nous partager avec humour ses commentaires sur la nudité au théâtre, les spectacles européens, voire même le concept de déterritorialisation de Gilles Deleuze.

C'est peut-être là que le glissement du conte vers le one-man show s'opère. Tant sur le fond que par le jeu de l'acteur, on est dans un registre hybride, sur la brèche entre ironie et émotion. On sort par à-coups du conte et de la quête pour plonger dans des questions existentielles.... au risque de faire tomber la douce rêverie qu'installe avec brio Ives au début de la pièce. L'imagination est un fil étroit sur lequel on peut facilement perdre l'équilibre. Un peu étourdis par le rythme de l'acteur et par la frénésie de ses paroles, on aspire à retrouver un peu plus du calme de Poney, la vieille dame que Jean Le Peltier incarne à tour de rôle, ou de la poésie de leur maison qui sent bon le sapin.

Vieil demeure cependant un spectacle créatif et hors normes, un spectacle qui cherche, qui invente, qui propose et qui nous titille en nous donnant à voir et à sentir. La singularité du texte et de la mise en scène de Jean Le Peltier font de son spectacle un travail prometteur et entier dont on retiendra sans conteste l'univers délicieusement farfelu.

Blanche Tirtiaux

Money makes the world go round

Blanche Tirtiaux — 2014-11-09T10:20:40Z

L'intelligence est sans objet face au goût du profit. Mais qui se cache derrière les mécanismes opaques du grand méchant système économique ? Le dernier spectacle de la compagnie Zoo Théâtre, « Money », récompensé il y a quelques semaines par le prix de la critique, renverse et met à plat les logiques absurdes qui régissent le monde de la finance en interrogeant la responsabilité individuelle dans le désastre économique mondial. Et vous, qu'en est-il de votre plan épargne ?

La finance nous échappe, la spéculation nous dépasse et les guerres monétaires nous désespèrent. Françoise Bloch et sa compagnie pousse cependant la chansonnette plus loin en proposant avec son dernier spectacle une tentative de lecture du paysage économique actuel qui replace au centre du débat la question de la responsabilité. Derrière les actions il y a des investisseurs, derrière les bureaux de banque il y a des employés, en deçà de la complexité des chiffres, il y a des individus. Afin d'outrepasser la diabolisation d'un Système anonyme et désarmant, Money décortique le discours.

Quatre comédiens en costume trois pièces derrière des bureaux se mouvent dans un espace scénique dépouillé, slalomant sur des chaises à roulettes entre les cours de la bourse. Afin de nous introduire au b.a.-ba de la science économique, ils deviennent alternativement banquiers à la langue de bois, directeurs financiers ou clients naïfs. On plonge ainsi dans l'univers des multinationales, bercés par le doux ronron de mots tels que SICAV, fond d'investissement, avenir, projet, avantage, et autres plans pension. Emportés par une mécanique rodée et pleine d'allégresse, nos yeux écarquillés rient devant la succession de tableaux vivants et chorégraphiés qu'incarnent les comédiens.

Car outre l'intérêt énorme du spectacle sur le plan du contenu – un travail convaincant et largement documenté – tout l'art de Money réside dans la force et l'énergie de sa mise en scène et de sa scénographie. L'absurde des situations nous sauve de la crise de larmes et nous invite au questionnement, tandis qu'une utilisation de la vidéo souvent réussie permet quelques respirations au cœur du bilan affligeant que dresse la pièce. Et pour jongler avec ce sujet audacieux, les acteurs maintiennent avec brio humour et cynisme. On retiendra particulièrement la performance de Jérôme de Valloise, salué pour ses qualités de comédien par le prix de la critique lui aussi, ainsi que celle de Benoît Piret dont le monologue introductif nous invite avec une délicieuse ironie dans l'univers spéculatif.

Avec Money, le Zoo théâtre répond haut et fort par l'affirmative à la question de la possibilité de créer un théâtre engagé et éducatif sans ne devenir qu'un produit purement didactique dénué de sens artistique. Pour conclure, après la troublante poésie des dernières images, un prologue déroutant et original s'installe...7 minutes 30 pour trouver une solution au problème. De quoi vous donner l'eau à la bouche, non ?

Blanche Tirtiaux

La folie, c'est la liberté absolue

Blanche Tirtiaux — 2014-10-15T14:10:35Z

Aux théâtre des Tanneurs, David Strosberg propose une mise en scène drôle et décalée du texte de l'auteur tchèque Petr Zelenka. Dix acteurs se succèdent sur scène pour révéler lubies et obsessions et nous renvoient une image tendre et décomplexante de la douce folie ordinaire. Leur slogan ? La folie, c'est la liberté absolue.

Alcoolique désillusionné, célibataire désespéré, nymphomane ou névrosé lambda sont les héros de la pièce. Sur base d'un texte à la fois divertissant et incisif, David Strosberg propose une mise en scène qui fait défiler sous nos yeux une belle brochette d'obsessions quotidiennes aux accents brusseleer. Beaucoup de gens croient qu'ils sont fous, mais leur secret c'est qu'en vérité, ils sont normaux...

Ainsi on collectionne les coupures de journaux, on se demande comment faire pour entrer une ampoule dans sa bouche, on a des fantasmes, des crises de nerfs, des angoisses nocturnes, des tendance à l'onanisme fatal ou la paranoïa juridique... mais au final, c'est ça qui nous rend tellement humains, non ?

Le pari de l'éloge de la folie quotidienne fonctionne bien. Les comédiens sont bons, très bons même, et apportent sur le plateau un vent d'énergie à l'image du texte rythmé de Zelenka. On est transportés de l'un à l'autre avec un régal de curieux, traversant les chemins de vie et les petits grains des personnages avec beaucoup de plaisir. Sur scène, des brics et des brocs, un évier et des gros cailloux maintiennent des panneaux semi transparents qui donnent à l'ensemble l'aspect d'un joyeux bordel. Derrière les panneaux apparaissent et disparaissent les acteurs, parfois transparaissent juste, comme une apparition entre rêve et réalité dans la nef des fous.

Après un départ pétardant plein d'allégresse et d'humour, la pièce va plus loin encore dans le parti du comique et pousse le tout vers une absurdité presque caricaturale. On arrive alors dans une franche comédie aux accents parfois un peu graveleux, là où on aurait peut-être espéré un changement de registre pour permettre au spectateur de respirer un peu dans cette marée de zozos aux longues tirades. Mais même si le rôle central du texte engendre quelques longueurs, la performance excellente des acteurs, et le lot de surprises et d'inventions que nous réservent ces personnages hauts en couleur font de la pièce un spectacle distrayant et somme toute très drôle.

Malgré un ton que certains trouveront trop léger, « petites histoires de la folie ordinaire » est mené par une équipe pétillante dans un dispositif original et garde avec force le cap d'une délicieuse dérision.

Blanche Tirtiaux

Entre le salon et la cuisine trône le dragon

Blanche Tirtiaux — 2014-04-25T07:02:06Z

Cinq comédiens pour dix-sept rôles, sept histoires qui s'entremêlent pour dépeindre les déboires d'une société consumériste où le cuisinier chinois meure d'une rage de dents pendant que les couples moroses s'entretiennent au sujet de leurs derniers acquis electro-ménagers. Narration délirante sur mise en espace dynamique, le dragon d'or après son passage au petit Varia est présenté à l'Atelier 210 jusqu'au 3 mai.

Le dragon d'or c'est un petit conte décalé de Roland Schimmelpfennig – dramaturge allemand contemporain – une allégorie engagée à l'humour cynique, aux personnages un peu barrés. Mis en scène par Sofia Betz, le résultat est très tonique, ponctué par un décor vivant fait de marches d'escalier, de trappes, portes, niches et espaces multiples qui s'ouvrent et se ferment, se montent et se descendent.

Cinq petits chinois sans-papiers dans la cuisine minuscule d'un restaurant, l'un deux a terriblement mal aux dents...mais ne peut pas se payer le dentiste. C'est comme cela que ça commence. Dans l'immeuble vivent une foule d'autres personnes, illustrant à leur façon les incohérences d'une société consumériste en crise. Les histoires s'enchevêtrent, les comédiens se travestissent, incarnant tour à tour ce que physiquement ils ne sont pas : les hommes deviennent femmes, les femmes jouent les hommes, les vieux les jeunes, les occidentaux des asiatiques.

On plonge dans une histoire un peu loufoque, qui prend par moments une tournure presque fantastique assez délicieuse. Sur un ton brechtien, entrecoupés par la présentation des ingrédients des différents plats du restaurant, les acteurs jouent et se meuvent dans l'espace avec une pêche qui réjouit. Un rythme cadencé par un soin accru du détail et des enchaînements en font un spectacle très efficace. Un peu trop peut-être.

Car c'est peut-être cette efficacité que l'on peut justement reprocher à la pièce, qui choisit délibérément de ne laisser aucune place à l'émotion sincère. Le choix est défendable, mais lorsque l'on s'attache à s'inscrire dans un débat de société, le risque de sonner superficiel est palpable. Et là, ça coince. On a alors vite fait – même si dans l'ensemble on reste dans un registre bon enfant – de verser par moments dans un "trash" un peu inutile pour rendre le tout plus percutant.

Et revient au galop la question si sensible du théâtre politique, et de ses risques. Un équilibre fragile où humour ne doit pas faire oublier l'authenticité, sans tomber dans un misérabilisme démonstratif, ni une dénonciation naïve.

Un beau challenge, que le dragon d'or relève au final assez bien, nous emmenant au cœur de questions essentielles par la voie détournée du rire et du divertissement sans être gnangnan pour un sou. Quelle place reste-t-il au rêve et au plaisir dans un quotidien de survie, quelle est celle de la joie dans une vie confortable où tout est formaté ?

Que l'on accroche ou non à la forme, ne soyons pas tatillon, Sophie Betz et son équipe de joyeux comédiens nous emmènent dans un monde où, pendant que "l'avoir" remporte la victoire sur "l'être", nous, on ne s'ennuie pas, et on repart le regard éveillé sur des quotidiens que l'on longe sans jamais les croiser.

Blanche Tirtiaux

Cours, Ali, cours

Blanche Tirtiaux — 2014-02-20T11:10:01Z

Une danse-théâtre aux allures circassiennes, un théâtre dansé peut-être, « Ali et nous sommes pareils à ces crapauds qui dans l'austère nuit des marais s'appellent et ne se voient pas, ployant à leur cri d'amour toute la fatalité de l'univers » est un petit bijou d'inventivité et de poésie. Un duo de deux pièces en finesse, indépendantes, mais interconnectées, nous emporte dans les méandres fantasmagoriques du corps et du cœur humains. De quoi en réconcilier plus d'un avec le monde de la scène.

Comédiens-danseurs époustouflants, Marthurin Bolze, Hedi Thabet, et Artemis Stavridi incarnent les trois protagonistes du premier tableau, une variation libre sur la question de l'amour, du mariage. Terrain glissant... Mais le résultat est sublime. Loin des propositions réchauffées, ce sont ici l'humour et la subtilité qui habitent chaque geste faisant de lui un océan de possibles et d'évocations. C'est frais, c'est fin, c'est fou par petites touches. L'amant s'intercepte... Les corps s'imbriquent, se déboîtent, se ré-assemblent, se recontruisent différemment. Ils se répondent, toujours. Marthurin Bolze danse de sa seule jambe, et l'on saisit toute l'ampleur de l'expression qui veut que toute contrainte est créative. Les membres se mélangent et mettent sans dessus-dessous les codes et les attentes, nous laissant surpris, amusés souvent de ce jeu fou de tricoti-tricota où l'on ne sait plus à qui appartient le pied sous la robe de la mariée.

Le résultat formel est parfait, sans failles, et pourtant chargé d'incarnations sincères, de vérité. Les danseurs performent avec grâce et talent et portent en eux tout le spectacle, mais toujours avec justesse et humilité. Simplicité d'un décor épuré : une scène vide, une chaise, une lampe qui descend du plafond. Les atmosphères sont pénétrantes, elles s'installent et prennent le temps de nous inviter par notes successives dans cet espace un peu magique. Atmosphère lumineuse aiguisée, environnement musical de rebétiko, quatre musiciens jouent sur scène une musique venue de Grèce et de Turquie, ponctuant de sons chauds et pénétrants le trio infernal.

Ali, deuxième tableau : les deux hommes rivaux dans la scène précédente sont seuls en scène avec une chaise et quatre béquilles. Les rôles s'interchangent, oscillent entre taquinerie, fraternité et franche tendresse. On rit de leur malice terriblement inventive et de ses effets visuels inattendus. Le montage est parfait, tant et si bien que l'on ne voit plus la technique – pourtant habilement maîtrisée – et qu'on se laisse emporter par la poésie de l'instant.

Dans cet élan de mouvements évocateurs où se rencontrent séduction, tendresse, jalousie, entraide, c'est finalement le grand récit de l'aventure humaine qui nous est conté. Incroyable tout de même ce que peut raconter le geste... Il ne faudrait pas manquer cela.

Blanche Tirtiaux

Nostalgie(s)

Blanche Tirtiaux — 2014-02-17T09:00:00Z

Dans le cadre du festival des reprises, le théâtre Varia propose jusqu'au 1er mars La nostalgie de l'avenir, adaptation contemporaine de La Mouette d'Anton Tchekhov. Pour sa mise en scène, Myriam Saduis choisit, partant de la narration de la pièce russe, d'approfondir la question de la famille et celle du processus de création artistique, deux thèmes auxquels elle donne un regard actuel et ce tant à l'aide du texte original, que d'extraits d'autres auteurs, de la vidéo, et de la scénographie.

La question de l'adaptation contemporaine d'un texte classique, tel celui de Tchekhov, est toujours empreinte d'une multitude d'interrogations. Comment parvenir à donner sens à un texte lu et relu, vu et revu, monté déjà maintes fois sur les planches ? Dans La nostalgie de l'avenir, on apprécie les choix thématiques que porte la mise en scène sur le texte. Myriam Saduis pose son dévolu sur les relations complexes qu'unissent les personnages, elle met en exergue les enjeux des liens familiaux et leurs interactions avec le processus de création en choisissant d'appuyer le questionnement de Kostia, jeune auteur en recherche de quelque chose de nouveau. Kostia – Konstantin Treplev chez Tchekhov – cherche les possibilités multiples d'accéder à l'authentique, poursuit une quête artistique torturée, exacerbée par la relation difficile qu'il entretient avec sa mère, une actrice célèbre attachée à une forme ancienne du théâtre. Une mère qui refuse de vieillir – suis-je toujours jeune ? questionne-t-elle sans cesse –, attachée à une époque qu'elle refuse de voir partir, teintant les instants de cette terrible nostalgie, nostalgie de ce qui n'est plus. C'est cette même douleur qui anime le fils, nostalgie de ce qui n'est pas, de ce qu'il voudrait voir advenir mais qui demeure absent.

Les pistes lancées étaient prometteuses, la scénographie est très pure, mais le résultat formel rend mal compte de la quête du jeune homme. On aurait aimé mieux entrevoir cet espace fragile de la recherche créative, sentir davantage cette part d'humanité qu'il porte en lui. Mais l'ensemble échoue à livrer l'innovation tant convoitée par Konstantin et nous laisse un peu perplexes devant un jeu parfois formaté – mention toutefois à la jeune Aline Mahaux dans le rôle de Nina – et une dramaturgie certes habile, mais qui privilégie avant tout l'efficacité.

Qu'à cela ne tienne, le théâtre est affaire de subjectivité et de sensibilité individuelle, et l'on ne peut ôter à La nostalgie de l'avenir le mérite d'être un spectacle cohérent, rythmé, esthétique parfois, ponctué de quelques belles idées, notamment dans le dialogue des différents media et dans les mises en abyme propres aux réflexions sur le processus de création. Myriam Saduis relève ici avec une audace assumée le défi de l'adaptation contemporaine d'un grand texte de l'histoire du théâtre.

Blanche Tirtiaux