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Une vie contre un sac de charbon : récit de quatre mineurs italiens

Christophe Ménier — 2016-11-25T10:07:28Z

Un spectacle sobre et sincère, qui met en scène le rapport de la communauté italienne de la deuxième et troisième génération avec celle les primo-arrivants envoyés en Belgique par le gouvernement italien en échange de quelques sacs de charbon.

Les Fils de hasard, espérance et bonne fortune est un spectacle créé en 1996 qui s'inspire du récit de quatre mineurs italiens. S'il est aujourd'hui remis à l'honneur, c'est, comme le note la metteuse en scène Martine de Michele, « pour donner corps à la fois à ces témoins d'une époque mais aussi, par résonance, aux migrants actuels ainsi qu'à toutes les questions sensibles et fondamentales qui émergent de cette problématique : l'exil, l'accueil, l'intégration, la solidarité, etc. »

Ce devoir de mémoire envers une partie importante de notre histoire amène effectivement le spectateur à le mettre en perspective avec les questions soulevées actuellement par les importants flux migratoires d'hommes, de femmes et d'enfants fuyant les conflits armés pour sauver leur vie et vivre dans des conditions meilleures.

En outre, la mise en scène fait usage avec habileté du souvenir de chaque protagoniste d'une époque révolue : chaque mineur raconte son départ d'Italie représenté sur scène comme une image d'Épinal et son arrivée en Belgique, pays dont il ne connait ni la langue, ni les usages, ni la culture. Les récits des quatre mineurs se croisent et se répondent, et révèlent, comme plusieurs pièces d'un puzzle, les conditions de vie des mineurs de l'époque. Durant leur récit, ils se font face, assis à côté du public, qui est divisé en deux parties qui se font face dans un dispositif bi-frontal. Assis au bord de la scène, ils laissent se déployer sous leurs yeux leurs souvenirs, s'amusent en les grevant de commentaires et de détails savoureux, en italien et en français, s'adressant directement au public.

Les jeunes acteurs qui tantôt incarnent les différentes parties du récit des quatre mineurs, tantôt s'adressent eux-mêmes au public pour évoquer leurs origines italiennes, amènent une tonalité particulière à leurs histoires et rendent sincèrement compte de cette jeunesse pleine d'espoirs déçus, de rêves incertains, et d'un retour au pays hypothéqué pour des raisons qu'ils découvrent trop tard, au péril de leur propre vie.

La scénographie est sobre et élégante : une ligne de rail traverse le plateau et trace la ligne séparant les deux parties du public se regardant en miroir. Le travail sur le son et la lumière permet de nous plonger dans cette atmosphère irrespirable des mines et d'un peu mieux comprendre les conditions de travail dans les charbonnages, qui ont longtemps fait figure de fleuron de l'économie belge.

De quoi démystifier cette période de notre histoire et se rappeler, à bon escient, que ce qui se passait autrefois dans nos mines et qui nous est aujourd'hui insupportable se passe encore à l'autre bout de monde. Car si nous pouvons continuer à offrir des smartphones à Noël, c'est bien trop souvent au prix de ce sang noir.

Le Nimis Groupe, ou l'émigration en débat

Christophe Ménier — 2015-02-12T08:59:19Z

Hier soir fut présentée une première étape de travail du Nimis groupe, une création interrogeant ces « flux migratoires » traversant la Méditerranée depuis le continent africain vers le continent européen. Un spectacle émouvant, entre théâtre documentaire et réflexion politique intransigeante.

Le Festival de Liège propose pour cette édition 2015 une réflexion autour de Lampedusa, cette île au large de la Sicile, symbole terrible de la « forteresse Europe ». Dans sa programmation, on retrouve trois créations théâtrales qui offrent des lectures singulières de l'émigration ; « En attendant les barbares » de Ali et Hèdi Thabet, « Going Home » de Vincent Hennebicq ; « Ceux que j'ai rencontrés ne m'ont peut-être pas vu » du Nimis Groupe.

Quelles sont les raisons qui rendent la démarche du Nimis Groupe particulièrement intéressante ? La plus évidente c'est que leur création (une étape de travail, rappelons-le) s'inspire d'éléments de la réalité que les acteurs/actrices ont éprouvé dans leur chair, et qu'une partie d'entre eux sont des personnes en cours de procédure de régularisation. On retrouve donc sur scène des acteurs/actrices qui détiennent la citoyenneté européenne et d'autres qui ne la détiennent pas. D'emblée, le spectateur est averti par une petite voix anglophone dont les paroles sont traduites sur un prompteur. En restant dans la salle assister au spectacle, il se rend complice d'une situation illégale. En effet, le droit belge interdit aux demandeurs d'asile d'exercer une profession sur le sol belge (fut-ce celle d'acteur/actrice) tant que leur situation n'a pas été régularisée. Le spectateur a donc un délai de 40 secondes pour quitter la salle...

Mais est-ce à dire que seules les interventions autobiographiques sont ce qui rend le spectacle singulier ? Non, car à côté de ces récits de vie à la première personne, on retrouve des séquences plus théâtrales où l'effet de distanciation permet aux acteurs de questionner (finement) ce qu'ils sont en train de jouer sur scène.

A titre d'exemple, citons la reconstitution cinématographique filmée en direct en champ/contrechamp et projetée sur un écran en arrière scène. La séquence reprend dans un style documentaire un entretien entre un fonctionnaire (joué par un acteur) et une demandeuse d'asile (qui joue son propre rôle). Un tel dispositif permet plusieurs niveaux de jeu : l'acteur s'interrompt pour adresser « face caméra » les états d'âme de son personnage. Il reprend ensuite le fil de la discussion puis s'interrompt une seconde fois pour demander à sa partenaire s'il ne rend pas son personnage trop détestable. Elle lui répond qu'au contraire le fonctionnaire réel était bien plus toursiveux, bien moins aimable. On peut alors apprécier le changement de ton lorsque l'acteur intègre ces nouvelles données dans son jeu.

Par ailleurs, un autre pan du spectacle, très didactique, cherche à apporter des clés de lecture au spectateur pour lui permettre d'apprécier la politique européenne en matière d'émigration, sans pour autant tomber dans les pièges de la vulgarisation. En outre, un buzzeur rouge en avant scène donnait la possibilité à n'importe quel spectateur d'intervenir pendant le spectacle pour poser une question sur un point nébuleux. La visée pédagogique de certaines parties du spectacle auraient pu alourdir le propos, mais les acteurs ont eu l'intelligence de se donner une dramaturgie étroite comme base de travail.

Leur enquête repose sur un constat paradoxal : les émigrés qui fuient la pauvreté de leur pays d'origine deviennent sources de richesse pour l'Europe. En effet, leur arrivée massive aux frontières européennes entraîne non seulement des investissements conséquents dans certains secteurs, comme les technologies de pointe (drones, radars, etc), mais aussi la création de milliers d'emplois administratifs (l'agence Frontex par exemple). Sans compter qu'ils constituent aussi une réserve de main d'œuvre bon marché... Bref, une vraie industrie européenne de l'émigration, plutôt juteuse.

Le spectacle cherche donc à savoir à quel point ces émigrés sont devenus un rouage économique qui sert les intérêts de puissants lobbyings industriels, alors que la politique européenne s'enfonce dans la dénégation de ces milliers de morts qui s'amoncellent chaque année davantage sur les côtes italiennes, espagnoles ou grecques.

Reprenons enfin un extrait du débat avec toute l'équipe qui suivit la représentation. Un spectateur avisé demanda par quels moyens pouvait-il aider, concrètement, les demandeurs d'asile ? En d'autres termes, quels outils les acteurs pourraient lui donner pour transmuer son sentiment d'impuissance en démarche positive ? Il faut bien admettre qu'à ce stade, il serait difficile pour eux d'y répondre, le spectacle voulant davantage sensibiliser qu'offrir de vrais pistes d'actions citoyennes. Mais on ne pourrait douter que cette première étape puisse ultérieurement déboucher sur un spectacle formidable, tant les acteurs sont portés par ce en quoi ils croient. On se réjouit déjà des suites du projet.

C.M.

Le Ramdam fait le buzz au Festival de Liège et au Théâtre National

Christophe Ménier — 2015-02-10T13:33:10Z

La semaine dernière, le festival de Liège s'encanaillait avec un deuxième spectacle en forme de conférence performance se moquant frontalement du théâtre contemporain.

Ils sont trois acteurs, trois joyeux drilles outrageusement blink blink qui revisitent à leur manière l'histoire anthropologique du théâtre européen. L'air de dire, par exemple, que « Jésus a fait 2 milliards de fidèles en 2000 ans, alors qu'il n'aura pas fallu un an au coréen du gangnam style pour récolter autant de vues sur youtube ». Et le théâtre dans cette affaire ? « Il s'empêtre soit dans des mises en scène revisitées de textes d'auteurs poussiéreux, soit dans des créations sur les maux de notre monde comme la pauvreté, le désastre écologique ou les problèmes d'émigration ». Ils n'ont pas peur, nos trois lurons, des raccourcis et des généralités. Au contraire, leurs facéties ne cherchent rien d'autres qu'à répondre à la demande du public : de l'amusement avant toute chose ; et, en effet, on apprécie de les voir tourner en dérision certains ministres ou se moquer de certains artistes au langage abscons et hermétique.

Peut-être que certains spécialistes diront que c'est un peu faible comme positionnement idéologique ; ce n'est pas faux, l'inventivité formelle prenant le pas sur la dramaturgie. Mais on dira que le principal c'est qu'on rigole bien.

D'aucuns diront également que les séquences sont un peu longues, que le jeu est un peu fébrile ; ce n'est pas faux, l'ensemble éclaté manquant un peu de cohérence. Mais on saluera surtout les prouesses techniques, ou encore le beau travail de scénographie.

D'autres diront encore que le texte ne dit rien, que les situations dramatiques sont un peu creuses. Certes, et on pourrait aussi ajouter qu'ils font la promotion de la logique de youtube, faisant du théâtre un produit marketing, sans analyse critique. Mais on choisira de retenir l'audace et l'imagination fertile de ces trois jeunes acteurs qui prennent de fameux risques sur scène et qui invitent le public à devenir le complice actif de leurs singeries.

A (re)voir au théâtre National jusqu'au vendredi 13 février.

C.M.

Première adaptation française (réussie) du best-seller américain

Christophe Ménier — 2015-01-21T12:54:56Z

La pièce Un été à Osage County (titre original : August : Osage County) écrite par l'auteur américain Tracy Letts en 2007, et pour laquelle il reçoit le prix Pulitzer la même année, a déjà été adaptée dans une dizaine de langues, sauf en français. Dominique Pitoiset combla ce manque en proposant, la semaine dernière, une première adaptation de ce petit bijou de la littérature anglo-saxone au théâtre de Liège.

En Oklahoma, dans les années 2000, Beverly Weston, ex-poète alcoolique à la retraite, quitte son domicile sans donner aucun signe de vie. Ses trois filles se retrouvent alors chez leur mère, Violet, dans la villa familiale, accompagnées de leurs conjoints, enfants, amants. Le corps de Beverly est retrouvé : il s'est visiblement suicidé. Sa femme, Violet, qui souffre d'un cancer de la bouche et d'une accoutumance aux médicaments, profite de la veillée funèbre pour n'épargner personne en mettant à jours certains secrets enfouis, et en faisant éclater de dérangeantes vérités. Une domestique indienne – au sens de « native américaine » – se retrouve en retrait du drame familial et en même temps en son cœur, sa présence discrète d' « étrangère » mettant en relief tous les paradoxes de cette culture américaine en perte de vitesse.

Le spectacle proposé par la théâtre de Liège au début de ce premier semestre 2015 est une agréable surprise. Il faut saluer l'incroyable performance d'Annie Mercier qui, le verbe méchant, tient son public avec virtuosité : chaque réplique fait mouche, et son interprétation donne une tonalité bouleversante à l'ensemble de la pièce. Grâce à une violence souterraine indélébile, le spectacle dépasse le simple cadre de la réunion de famille pour explorer les tréfonds de l'âme humaine dans un terrible festival - adultère, éphébophilie, inceste, mais aussi la plus amère des solitudes. L'écriture, précise sans être vaniteuse, offre un écrin formidable aux acteurs, tous très justes dans cette famille dysfonctionnante. L'atmosphère qui y règne laisse songer à Tennessee Williams dans Un tramway nommé désir, ou encore à American Beauty de Sam Mendes.

La mise en scène et la scénographie, imposante, donne un cadre réaliste à ce mélodrame, et la musique de Johnny Casch permet au spectateur de se plonger dans cette Amérique provinciale. Un spectacle à ne pas manquer, en tournée en France jusqu'au mois de mars. On espère qu'il sera repris prochainement en Belgique.

Christophe Menier

Le Furious Festival : premiers pas de la jeune création (2)

Christophe Ménier — 2014-12-11T10:23:04Z

Pour cette deuxième édition 2014, Le Furious Festival du théâtre de poche propose une programmation de plusieurs jeunes artistes sortant d'écoles supérieures de théâtre de la communauté française (sauf peut-être Olivier Coyette qui est - le public du poche le sait - un habitué de la maison...). La plupart des intervenants présentent des étapes de travail et non des spectacles aboutis (au moins les curieux seront avertis).

Jeudi 18 décembre

Ce jeudi 18 décembre nous retrouvons deux nouveaux spectacles : la lecture du bref roman de Laurent Mauvignier par l'acteur Grigory Collomb accompagné par la pianiste Béatrice de Boc, suivi par le spectacle « Là (Shakespeare dit there) » d'après le texte Lettre au directeur de théâtre de Denis Guénoun, mis en scène par Pauline d'Ollone et la Cie Les Etrangers.

Le premier spectacle offrait à entendre une tragédie du quotidien librement inspirée d'un fait divers : suite au vol d'une canette de bière dans un supermarché, un SDF est roué de coup par les vigiles jusqu'à ce que mort s'en suive. La plume de l'auteur, transcendant les seuls faits, donne une lecture aiguë et percutante de cet événement en restituant le parcours d'un être paumé jusqu'à son meurtre dénué de sens. L'acteur (formidable) porte ici le texte avec toute ses tripes, et se laisse guider au hasard des mots et des sons, et par l'émotion naissant de leur rencontre.

Le second spectacle, joué par trois acteurs, tentait de répondre aux grandes questions qui animent le théâtre depuis la nuit des temps. Qu'est-ce que le théâtre ? Que montre-t-il ? Montre-t-il l'absence ? Se trouve-t-elle là, précisément ? Qu'est ce que l'adresse ? Pour quel public jouer ? Etc. Certes, les réflexions sont brillantes, la mise en scène est efficace et les acteurs font preuve d'un grand savoir faire, d'écoute et d'inventivité. Mais on ne peut s'empêcher de relever un paradoxe évident : un tel spectacle ne peut intéresser que des gens de théâtre : trop de citations savantes et d'exégèses, trop de préoccupations théâtrales nombrilistes pour intéresser le quidam qui, s'il ne rend jamais au théâtre, fera mieux de passer son chemin.

Mercredi 10 Décembre

Ce mercredi soir, nous avons pu découvrir deux pièces d'auteurs mises en scène et interprétées par des acteurs sortis de l'ESACT de Liège. La première, « Voir clair » de Marius von Mayenburg, relate l'histoire de deux personnages : Walter, qui vit seul chez lui et qui fait des allers-retours mystérieux entre son salon et sa chambre et Julia, une femme de ménage qui vient aider Walter dans la plupart des tâches ménagères. L'accès de la chambre est formellement interdite à Julia, qui y entend souvent Walter y parler, mais à qui ? La langue de von Mayenburg est dure d'accès et les acteurs peinent à trouver le ton juste : corps figés, peu d'inventivité dans le jeu, monotonie patibulaire des échanges verbaux. On saluera quand même l'effort d'amener le spectateur dans une atmosphère singulièrement obsédante. La seconde, « Love and money » de Dennis Kelly, mise en scène par Julien Rombeaux, dresse la mosaïque désastreuse d'êtres égarés par la quête toujours plus importante de fric, au point d'avoir oublié ce qu'est l'amour. En sept fragments, on découvre à rebours l'histoire de David et Jess, mais aussi la brutale explosion de leur couple suite à la demande en mariage. Une langue volcanique à l'humour acéré servie par une mise en scène sobre et intelligente, bien qu'un chouïa trop étirée et accusant quelques problèmes de rythmes dans la dernière demi-heure.

VOIR CLAIR - spectacle (étape de travail)
De Marius von Mayenburg - Création collective de Gwendoline Gauthier, Amandine Laval, Julien Rombaux et Alexis Garcia (étape de travail)
10 et 11/12 à 20h

LOVE AND MONEY - spectacle
De Dennis Kelly – Mise en scène Julien Rombaux
10 et 11/12 à 21h30

Christophe Ménier

Quand la nostalgie vous mord le coeur

Christophe Ménier — 2014-11-26T10:49:34Z

Il parait que ce sont dans les vieilles marmites qu'on fait les meilleures soupes. La pièce La cerisaie de Tchekhov, mise en scène par Thibaut Wenger et présentée hier au Varia à Bruxelles, était l'occasion d'éprouver ce vieil adage.

Ce qui est sûr c'est qu'hier tout était vieux : à commencer par les acteurs. Dans ce cas, vieux ne veut pas dire dépassé. On sent que ces vétérans ont de la bouteille derrière eux. De vieilles bêtes de scène en somme. Francine Landrain est troublante dans le rôle de Lioubov, la propriétaire du somptueux domaine où se trouve la fameuse Cerisaie, et qui se voit contrainte de le mettre en vente publique pour éponger ses dettes dues à l'indolence d'une vie d'aristocrate où l'argent n'a pas d'importance. Poursuivie par ses souvenirs d'enfance et le fantôme de son fils mort par noyade quelques années plus tôt, Lioubov est une femme tendre, amoureuse de la vie, profondément nostalgique. L'actrice porte le texte de façon à la fois engagée et naturelle ; c'est une des principales forces de la pièce. Un beau rôle qui lui sied à merveille. Quant au frère de Lioubov, Gaïev, campé par Marcel Delval, il incarne un contre point à la fois ridicule et comique à la nostalgie de Lioubov. Personne ne le prend au sérieux, il parle trop. L'interprétation de Lopakhine, autre personnage centrale, qui tente de convaincre Lioubov de rentabiliser la propriété en la louant en différentes parcelles, tombe malheureusement dans certains travers. Mathieu Besnard, qui représente ce self-made-man aux origines paysannes, donne une lecture un peu caricaturale du parvenu sans cœur porté par une soif de revanche sur des aristocrates qui n'ont pas mérité leur fortune, n'ayant jamais travaillé de leur vie. Quant au vieux domestique Firs, il est de loin le personnage le plus attachant de la pièce. Laetitia Yalon porte le rôle avec finesse et éloquence et on se surprend à écouter attentivement ce vieillard radotant qui aurait pu rester un personnage secondaire. Pointons encore le rôle du jeune Tropimov, l'éternel étudiant révolutionnaire qui se croit au dessus de l'amour et de l'argent, interprété par Claude Schmit qui en propose une version très littérale, parfois un peu gesticulante et trop fiévreuse, mais qui n'en fait pas moins comprendre les enjeux présents dans le texte.

La mise en scène aussi était vieille. Mais cette fois vieux dans le sens de poussiéreux et éculé. La scénographie n'était pas soignée, les costumes hasardeux, le décors sorti d'un vieux grenier. On est loin de la propriété somptueuse de l'aristocratie russe de la fin du 19è siècle. Le traitement des ponts musicaux dans les changements de scène est incompréhensible et les quelques effets de lumière, fumigène, tour de magie et autre lâché de tulle sont superflus. De plus, la lecture dramaturgique de la pièce n'a rien d'originale et on peut légitiment se demander ce qui a amené Thibaut Wenger à monter cette pièce comme on l'a déjà vu montée cent fois.

Christophe Ménier