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Molière à la saveur tg STAN

Martin Edgar — 2020-10-22T14:24:57Z

Il ne faut certes pas s'attendre, avec le tg STAN, à une adaptation classique de l'Avare et du Bourgeois Gentilhomme de Molière : d'avance on sait que les joyeux lurons et comédiens immenses du collectif flamand vont servir ces textes classiques à leur sauce : impertinente, inventive, détonante. Et surtout en laissant une place centrale, par l'interprétation du texte, au déploiement du jeu d'acteur. C'est peu de dire que l'on n'est pas déçu !

Reprenons la genèse. Le collectif tg STAN se forme à la fin des années 80, fondé par Jolente De Keersmaeker, Damiaan De Schrijver et Frank Vercruyssen – qu'on retrouve dans Poquelin II – à la sortie du Conservatoire d'Anvers. Leur credo est d'appliquer un fonctionnement collectif total dans chaque prise de décision et de mettre en lumière le comédien dans sa force de création et d'interprétation : la démocratie et l'invention au pouvoir ! Dans le répertoire pluriel du tg STAN, on avait déjà vu apparaître Molière avec Poquelin en 2003. Quelques années plus tard, et après une création en néerlandais, Poquelin II est adapté dans sa version française, et joue sa première belge au Théâtre des Tanneurs.

La pièce, maintenant. Partant des textes de l'Avare et du Bourgeois Gentilhomme, joués tour à tour sur le même espace relativement nu (une estrade en bois sur et autour de laquelle gravitent les comédiens), la trame de Molière trouve une vibration nouvelle dans le verbe et la verve du tg STAN. Ici, l'on grossit les traits des jeux d'amour, les quiproquos, les caractères. L'avarice d'Harpagon (Willy Thomas) et le ridicule Monsieur Jourdain (Damiaan De Schrijver) se voulant noble sont accentués à l'extrême, rendant les intrigues à la fois cousues de fil blanc et désopilantes. Ce sont des éléphants dans des magasins de porcelaine, mais des éléphants distillant avec un rythme grandiose les saillies verbales de Molière et revisitant sa force comique à partir de la matière vivante du texte. Il faut voir le monologue de la cassette ponctué de grands gestes, la dérision des révélations avec ses grands "oh", ses gros "ah", ou le défilé farcesque des professeurs se jouant de la crédulité du bourgeois arriviste... Le grotesque trouve une plus belle expression encore par le truchement des costumes, mi-kitsch mi-absurde, et le jeu autour du français ancien dont on s'amuse des difficultés et des faux rythmes.

Le jeu, surtout ! C'est là le sel de ce spectacle : s'appropriant ces deux pièces classiques et leur portée burlesque, la place centrale est laissée au comédien. Et chacun, chacune sur cette estrade en bois semble prendre un malin plaisir à revisiter Molière, ses conflits verbaux, ses transitions exagérées, ses coups de théâtre. Poussés à leur paroxysme, les personnages caractérisés s'amusent d'eux-mêmes, et par là ce sont les comédiens qui s'amusent dans le jeu. Rayonnants, créatifs, extravagants, ils se partagent la scène avec une joie déjantée pour prendre et décaler la mesure du texte dans une liberté qui fait plaisir à voir. L'arrivée du consul turc et le mariage dansant illustrent bien cela : la comédie prend son élan sur le texte pour s'envoler à la faveur du jeu des comédiens, s'amusant de la langue et du théâtre de Molière.

A la question de la Palestine, répondre par une multitude de voix (ou le théâtre comme réflexion joyeuse)

Martin Edgar — 2020-10-19T10:54:20Z

Au théâtre Océan-Nord, Adeline Rosenstein propose un documentaire en six épisodes sur la "question de la Palestine". Un spectacle-conférence important, qui met une bonne dose de relief dans cette épineuse notion géo-politique en convoquant plusieurs voix et en décortiquant le fait historique.

C'est une ambition artistique, mais également identitaire qui anime Adeline Rosenstein avec décris-ravage : à partir de textes écrits ou recueillis puis mis en scène, elle consacre une réflexion fleuve et critique sur l'histoire du territoire palestinien/israëlien. A la démesure théorique de ce projet répond une économie de moyens. Un pupitre, qui permet à l'artiste de décliner les paroles, quatre comédien.ne.s, Marie Allié, Salim Djaeferi, Léa Drouet, Céline Ohrel, prenant le rôle d'assistant.e.s de la conférencière, et en guise de décor, des portes dressées sur lesquelles sont projetés des documents, qui ne sont que de boulettes de papier mouillé. C'est en effet sans images, sans artifices, comptant seulement sur la force des paroles croisées, le soin de l'explication et le langage des corps que repose cette fresque. Scandée par six épisodes, la pièce sort ainsi des représentations documentaires habituelles pour concentrer l'effort sur l'intelligibilité et la mise en corps des faits historiques.

Au fil des épisodes, un canevas historique apparaît, depuis les conquêtes napoléoniennes. Plusieurs jalons sont posés, discutés et analysés ; la colonisation impériale, l'empire ottoman, le génocide arménien, la théorie des races, les guerres mondiales, le mandat britannique d'Israël, le plan de partage de la Palestine, l'indépendance et l'État-Nation du peuple Juif... Cependant, la trame ne s'inscrit pas dans une linéarité, au contraire (l'illusion du linéaire est d'ailleurs avancée comme argument, ne permettant qu'une compréhension simplifiée voire simpliste des événements). Toute la démarche de décris-ravage se situe dans la mise en relief de l'événement, le fait même de l'événement et la manière dont l'événement mue dans son traitement historique. Dès lors, les représentations figées ou la logique implacable d'un cours d'histoire scolaire s'envolent en éclats, par la multiplication des sources, des voix et le traitement des représentations qui bouleversent la nature même des événements. L'ambition d'effacer les fausses images du passé pour les corriger anime ce documentaire : pour cela, les procédés théâtraux de ce théâtre-économie amènent une compréhension nouvelle des événements. Par exemple, pour établir la carte du Moyen-Orient de 1830 à notre époque, la vue simplifiée des différentes puissances mimée par les gestes de comédiens s'enrichit des rapports de pouvoir existant et se complexifie des différentes minorités étant présentes dans ces territoires. Raconter l'histoire, c'est pour Adeline Rosenstein prendre du recul pour mieux sauter : chaque fait mérite d'être analysé objectivement, à la double lumière de sa contemporanéité et de notre époque.

C'est là la force de décris-ravage : être un passionnant, prolifique aller-retour entre un passé historique à déconstruire et un présent politique s'incarnant dans la pièce. La réflexion sur la question de la Palestine s'effectue par ricochets sur les contextes géo-politiques mouvants et les regards qu'on y porte. Pour cela, le parti pris est de multiplier les approches pour se mettre en situation de compréhension : convoquer les auteurs arabes, représenter les rencontres avec les historiens, engager des chantiers de traduction, se permettre des apartés explicatives sur l'étymologie du génocide ou la définition de la race... Tout, dans décris-ravage, porte la volonté d'expliquer, et d'expliquer différemment.

Finalement, l'ambition de la Question n'appelle pas à une réponse, seulement à des éléments de contextualisation analysés dans une perspective critique, performative qui se veut objective. Le tracé documentaire et l'exigence scientifique désamorcent toute possibilité pathétique ou sentimentale. Le fil conducteur se délie, volontairement : il s'agit alors autant d'interroger cette « question palestinienne » que les processus de colonisation, d'alliances politiques, de gouvernance, mais également les procédés scéniques, par les paroles croisées, l'écriture gestuelle, le jeu incarné, pour débrayer de nouveaux chemins de compréhension. Un travail précis, dense, alliant le gai savoir nietzschéen à l'exploration du théâtre documentaire, dont on sort grandi.

Tentatives pour sortir de la Quarantaine

Martin Edgar — 2020-10-16T11:49:48Z

C'est une double reprise à laquelle on assiste, dans le très vertical Théâtre de la Vie donnant un surplomb puissant à la scène : la reprise de la programmation dans cet ancien bâtiment industriel, et la reprise de Quarantaine, la troisième création de Vincent Lécuyer (2019). A l'écriture et à la mise en scène, l'artiste décline une variation sur la violence, par le prisme d'Elisabeth et de ses dérives. Avec la prime à la parole comme bouée de sauvetage potentielle et la force des interprètes sublimes, cette pièce est définitivement à découvrir !

L'espace scénique symbolise à l'appartement d'Elisabeth : le bois, les briques et les (sublimes) toiles-pendrillons cousues nous confortent dans cette idée. Il est également un espace mental, où la parole performative résonne et se cogne. La femme, engoncée dans sa robe de chambre et dans sa quarantaine (l'âge comme l'isolement), reçoit la visite de plusieurs de ses semblables humains. L'infirmière Valéria, dévouée mais brutale, Gabriel, un ancien élève de cette ancienne institutrice, et un autre homme, mystérieux, distribuant sa vue philosophique et séductrice. Autrement dit, Elisabeth est seule, terrible, perdue. Dans les relations décousues, on retisse la trame de ses névroses : sa mémoire défaillante, son sommeil intermittent, son traumatisme face à l'enfant connard dont elle a, ''bon dieu de bon dieu de bon dieu", fracassé le crâne contre celui d'un autre de ses élèves. Également, elle est spectatrice d'une guerre qui se joue, avec deux soldats coincés au front et dans une joute verbale. Métaphorique ou réelle, cette guerre qui semble se jouer au dedans d'Elisabeth met en lumière le point névralgique de la création : l'ampleur de la parole. L'ennemi ne semble pas être militaire, mais bien relationnel, et la seule manière de le vaincre est de l'inonder de voix.

En effet, Vincent Lécuyer, avec Quarantaine, cisèle les dialogues, explore les paroles de mémoire, de trouble, de pulsion en donnant la part belle à la fois aux échanges et aux monologues. Avec l'intention de montrer le décrochage et l'ostracisation par le prisme d'Elisabeth, la pièce interroge : que se passe-t-il quand l'abandon prend toute la place ? Quels visages s'invente-t-on pour peupler le quotidien, quelles formes doit prendre la nécessaire consolation ? L'obsession des photos, des livres ouverts et poussiéreux, de l'ancien élève admirateur rappellent au souvenir de ce qui fût, à l'épreuve du temps et de la vieillesse. Il faut, pour dénouer le nœud de cette intrigue, parler, parler jusqu'à l'explosion et à l'émotion pour espérer une renaissance. Pour sortir de la quarantaine et faire l'amnistie avec soi-même et avec les autres.

Et comme dit Peggy Thomas, directrice du Théâtre de la Vie dans l'édito de la Saison 20-21, "Oui des poètes. Oui des artistes. [...] Pour partager. Pour se rappeler notre humanité". Brillamment, avec force, Quarantaine vient épouser cette parole en donnant à la violence un sursaut de consolation. Si plusieurs lectures métaphoriques, relatives aux différentes réalités, se juxtaposent dans Quarantaine, toutes se rejoignent dans la possibilité de sauver Elisabeth. Ou quand l'exploration des violences ébauche une possible brèche d'espoir.

Mode d'emploi désordonné d'un tumulte à créer

Martin Edgar — 2020-09-22T18:36:32Z

Aux Riches-Claires, Paracétamol Expérience, mis en scène par Dorothée Schoonooghe pour et avec le TraceS collectif, pose intensément les questions d'une remise en perspective de nos modèles de société et les conditions d'un théâtre participatif. Se laisser surprendre par l'expérience, c'est s'offrir la possibilité, en tant que spectateur et en tant qu'individu, d'interroger nos représentations. Alors, on fait quoi maintenant ?

Comme on est venus assister et participer à une expérience, c'est aux aguets que l'on arrive aux Riches-Claires, vivement sollicités par un hôte entreprenant. Chacun et chacune passe par le plateau, comme un rituel d'accueil pour, sous les bons soins de Nejm, se laver les mains et récupérer la feuille, "l'arc", et le stylo, "la flèche". C'est dans une ambiance chaleureuse, presque cabaretesque, que l'on s'amuse de ce défilé de spectateurs et du soin apporté par notre hôte pour prendre de nos nouvelles, nous soulager de nos peines, et imperceptiblement déjà essayer de nous cerner.

La musique est connue, le mécanisme huilé : lorsqu'une question s'affiche et qu'un micro est installé, le théâtre participatif de la Paracétamol Experience peut se mettre en place : "Doit-on panser ou repenser le monde ?". Les méninges s'activent sur les bouts de papier préalablement distribués. Notre cher hôte tient son rôle à merveille, s'amusant des noms retenus et du répondant qu'il arrive à titiller dans la salle. Sa logorrhée composée de citations et de maximes est amusante, parfois piquante. Il invite énergiquement les spectateurs à venir lire leurs réponses, les interdit d'applaudir, se joue de sa position de pouvoir obtenu à la fois par sa parole et son biais de sympathie... jusqu'à déraper dans une tyrannie glissante.

Quand une jeune femme sortie du public, s'avérant être finalement la comédienne Laurence Katina, se retrouve déshabillée, arrosée, enroulée dans du film plastique, c'est toute la salle qui monte d'un cran. L'expérience Paracétamol peut commencer : quelles réactions adopter ? Comment prendre la parole, interroger la notion de chef, remettre en cause le pouvoir incarné par ce Nejm tout de suite moins chaleureux ? Comment tester l'acceptation d'un public hétéroclite à la vue d'une femme agressée verbalement et physiquement sous couvert de métaphore du pouvoir et dans un cadre que l'on sait théâtral ? Les réponses varient et font le sel de cette création : un spectateur, tout à coup, se jette sur la scène pour empêcher cela et invite le public à l'y rejoindre.
"Alors qu'est-ce qu'on fait maintenant ?" La suite de l'expérience, une fois les acteurs et actrices ayant bondis de la salle à la scène, décline les possibles réponses aux actions, aux tentatives à mettre en œuvre pour un vivre-mieux commun et global. L'amour, le désir de création, la remise en question des systèmes capitalistes s'enchaînent via la parole des comédiens. Une "urgence à créer" des modèles alternatifs et des structures de pensée apparaît comme un leitmotiv commun. Cela résonne avec les mots de Vincent Macaigne et son "SMS de Cologne", réflexion poétique et politique qui, avec ampleur, déclame qu'il est important et nécessaire de "croire que ça n'a pas été rien de se rencontrer les uns les autres". Comme un symbole, l'expérience s'achève sur une danse de transmission entre les performers et quatre spectateurs, pendant la déclamation du monologue final : c'est le flambeau de la création, les lions qui veulent y croire, la force du faire et du faire encore, répétant les gestes, les preuves d'existence, qui s'expriment.

Paracétamol Expérience, faisant le pari du théâtre participatif, se veut une large interrogation sur nos manières d'être, d'interagir. Les modèles de nos vies sont interrogés sur un mode tantôt politique, tantôt poétique. Si on peut regretter une structure parfois décousue dans l'abondance de sujets abordés, on peut également saluer la performance d'interprétation, l'énergie des comédiens et l'inventivité de la scénographie et des costumes. Le postulat de cette création collective de choisir, chaque soir, un hôte ou une hôtesse différent.e, enrichit la compréhension de cette matrice expérientielle sur laquelle la réaction du public, la parole des individus et l'interprétation des comédiens donnent à voir à chaque représentation une œuvre unique. Alors on se surprend à "Préférer les tumultes/ Vouloir toujours se refaire".

Zoo, la difficile et réjouissante entreprise d'être en vie

Martin Edgar — 2020-09-19T09:46:59Z

La nouvelle création de Jean Le Peltier, formidable conteur théâtral, nous emmène dans les entrelacs d'un verbe délié explorant les peurs et les imperfections. Dans son paysage montagneux et mental, il invite à considérer nos failles pour y laisser passer la lumière. Une exploration théâtrale, performative et fabuleuse donnant corps à l'empathie.

A l'Atelier 210, la chorégraphie du coronavirus donne une saveur particulière à cette ouverture de saison, en n'enlevant rien à la joie de retrouver une salle pleine – aux bulles de distanciation physique près – et un spectacle enthousiasmant. Pour ouvrir le bal 20/21, Jean Le Peltier nous présente Zoo, sa nouvelle création. Et quel plaisir de (re)découvrir, dans le caniculaire été indien bruxellois, la moustache et le verbe de ce touche-à-tout, à la fois auteur, metteur en scène et interprète !

Avec une économie de moyens scéniques laissant une grande part à l'imagination et à la parole, Zoo déploie, autour des Lacs Robert, au-dessus de Grenoble, les récits tissés de trois personnages inadaptés : Jean-Jean, un artiste naïf, Gioia, une lieutenant en randonnée et Grégoire, estimant de près la possibilité d'un suicide. Polyphone, Jean Le Peltier assume ces individualités dans leurs questionnements avec une sensibilité touchante, à nue. C'est le prétexte de photographie d'une chaîne humaine, projet artistico-solidaire de Jean-Jean, qui amène le développement du récit qui, volontiers, digresse dans des zig-zags de pensée et les différents niveaux narratifs. Avec Zoo, la résistance de chacun à ses propres limites autant que la relation aux intelligences numériques sont interrogées. Ainsi de la narratrice omnisciente qui, à travers les appareils numériques, espionne les existences d'autrui ; ainsi de Pedro, le robot-caillou, assistant de Jean-Jean qui s'essaie humain.

Le point de départ de Zoo, ce sont les "zooids", de mini-robots, pouvant se déplacer et assister l'homme pour des taches bénignes. Devant un de ces prototypes enrayé et ralenti, Jean Le Peltier ressent une émotion profondément humaine : l'empathie. C'est bien là le cœur du sujet et le nerf du spectacle : la création de situations de compréhension et d'empathie dans lesquelles l'artiste, en les incarnant, essaie de décortiquer ses personnages dans leurs intentions et leurs interactions. Jean-Jean, dans sa performance artistique avortée de la "naturalité », se confronte au manque de considération de ses contemporains. Gioia et son humour déroutant et pince-sans-rire s'avère vulnérable dans sa faiblesse de tout ce qui inclut des chiffres. Et Grégoire, son licenciement récent et son humanité enfouie faisant décliner les interrogations existentielles.

Sur le grand tapis gris faisant office de scène, de montagnes et de lacs, Jean Le Peltier nous entraîne dans cet exercice d'empathie, en donnant enveloppe aux fragilités. En décortiquant le "faire-semblant" du théâtre, enrobant son spectacle d'adresses assumées au public, il donne à voir, en sensibilité, la beauté de l'humain et la gouaille de la parole dans une fable profondément rassurante.