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Au régal des chiens errants

Bertrand Gevart — 2016-04-19T12:41:14Z

Chef d'œuvre pour les uns, ineffable et innommable pour les autres, « Voyage au bout de la nuit » de Louis Ferdinand Céline, paru en 1932, sort du purgatoire et renaît sur les planches du Théâtre de la Vie. Damien de Dobbeleer nous livre pour sa première mise en scène une adaptation fidèle, cinglante, et sans concession de ce roman à l'écriture aiguisée.

Des boyaux de la mort aux côtes africaines, la mise en scène s'inscrit dans la chronologie du Voyage. Nous voguons avec les protagonistes, tous meurtris, vacillants, fiévreux, prêts à se jeter dans le vide et à hurler la tristesse de leur désir infini. Un chaos ordonné sous le mode de la confession, l'intimité, le délire et la violence pour nous livrer la quête initiatique d'un homme du début du XXème siècle, un cri d'existence et de désespoir sans complaisance.

Noir. Une chimère nous observe, dressant sa basse du haut de son mirador et joue, tandis que Damien De Dobbeleer balance dans un rythme frénétique et saccadé, presque dément, des mots sulfureux et libertaires, fous et négligés. L'atmosphère célinienne est d'emblée posée. Nous sommes transportés par sa fureur, son reditus ad vitam. Céline revient pour lui faire ses comptes à grand coup de délires et d'upercut devant ce qu'elle engendre de plus terrifiant.

Tableaux après tableaux, le metteur en scène décline tous les thèmes du roman et lâche ses flèches impertinentes dans ce spectacle déstructuré et poétique. Les protagonistes, d'une singularité effrayante, archétypes des héros céliniens, articulent la multiplicité de leur jeu en fonction de l'évolution du roman, ce roman magistral narré et joué devant nous. Il se reconstruit peu à peu pour nous livrer sa quintessence et sa critique de la société.

Le metteur en scène use d'outils ingénieux afin de recouvrir les détails du livre. Il personnalise à l'aide d'une lampe de poche, représentant tantôt différents continents et les rapports de force des visages. L'articulation des corps scéniques s'effectue autour de cette flamme électrique, flamme de la mort, de la nuit, des camps, de l'ennemi.

Pour les épris de Céline, ceux qui ont le Voyage injecté par intraveineuse, mais aussi pour les néophytes, ou encore les curieux d'expérience mystique et existentielle, voilà une pièce à ne pas manquer !

Bertrand Gevart

Requiem pour mon corps

Bertrand Gevart — 2015-03-27T10:04:49Z

Quoi de plus difficile que de parler de la mort lorsqu'il y a urgence à vivre. Penser le corps malade. Cette terrible difficulté d'être en présence d'un corps qui nous semble étranger. Voici la tragique réalité que la brillante Céline Delbecq dépeint à travers "Abîme". Un tableau cinglant et dense qui
relève des questions fondamentales sur l'existence.

Ce corps sur lequel l'Homme s'interroge est-il tout son être ? Dépeint-il sa réalité humaine ou bien n'est-il qu'un organe à sa disposition ? Existe-t-il une séparation irréductible entre esprit et matière ? L'interrogation de l'Homme sur son corps ne cesse de rencontrer cette difficulté permanente. La relation du corps au vouloir est dans ce va-et-vient, de la docilité à la maîtrise, impossible à définir parce que jamais réalisée une fois pour toutes. Au moment où le vouloir triomphe et domine, le corps n'est peut-être rien d'autre pour lui qu'un simple instrument. Mais il n'est pas improbable que l'on pense avec son corps. La maladie le démontre. Car lorsqu'elle intervient, le corps résiste : il prend une autre consistance que le vouloir ne connaissait plus. Il reprend ses droits ou se les arroge.

Le plateau accueille deux singularités. Deux performers danseurs dont les corps et esprits voguent en duo sur les planches. Un couple au cœur duquel l'homme est atteint d'une maladie incurable. Les deux comédiens nous font revivre leur histoire d'amour, la lutte avec la maladie, la mort comme délivrance. C'est tout en finesse que Céline Delbecq nous transmet les émotions à travers ces deux corps qui s'attirent et se repoussent, se désynchronisent dans une fragilité nous engouffrant dans les dimensions abyssales de la conscience où se cachent les effrois intimes des comédiens. La tension des deux singularités s'unissant est palpable à travers tout le spectacle, leur union est tangible et d'une fébrilité saisissante à travers les étapes de la maladie. Les mots valsent et dépeignent la métaphore d'une angoisse ambiante dont le poids devient de plus en plus lourd à porter. Successivement, le doute, le chagrin, la douleur physique laissent place à une atmosphère tragique mais empreinte d'espoir et de possible.

Le jeu d'acteur, sublime, met en exergue l'étrangeté et l'ambiguïté des deux protagonistes et renforce la peur de la perte de l'être aimé. La mise en scène suit l'évolution de la maladie jusqu'à l'intervention en hôpital. Agencé de manière très cinématographique, le spectacle offre paradoxalement une performance des corps comme expression de leur impuissance face à la maladie. Le corps de la femme soutient celui de l'homme. Les questionnements nous parviennent à chaque étape et sont d'une ordinarité effrayante. Nous sommes hantés par ces questions sans réponses face à une maladie sûre d'elle qui éloigne les deux singularités tout en les rapprochant sans cesse. Comment réagir ? Comment avancer ?

"Abîme" retrace l'histoire percutante d'un couple, de l'union incompossible de deux corps, l'un malade, abîmé par la douleur mais désirant vivre. Un spectacle d'une sensibilité saisissante, essentielle, grandiose. A ne rater sous aucun prétexte.

Bertrand Gevart

HERO% ou la chute d'Achille

Bertrand Gevart — 2015-03-23T12:03:12Z

Le héros incarne toute la démesure de l'espoir humain, une fabrication fictionnelle pour surpasser sa condition et créer une nouvelle brèche de possible. Évoquant tantôt nos rêves de gloire, tantôt la victoire du bien, il reste notre modèle immuable. Déjà dans la mythologie, mais aussi dans les contes et la littérature, la figure presque divine du héros fascine et questionne. Du haut de ses principes moraux et de sa puissance, trône pourtant une ordinarité héroïque déconcertante à laquelle nous vouons à tort une grande admiration. Mais dès lors, comment transposer sensiblement ces qualités de héros ? C'est en ces termes qu'HERO% nous transporte dans les méandres d'un héros tanguant entre banalité et surhomme.

Clair obscur. Le profil d'un héros émerge. Du haut d'une muraille quasi infranchissable, il guette, inquiet de son devenir. Soudain, sa silhouette se montre timidement. Commence alors une succession de prouesses vertigineuses et acrobatiques. Son corps se glisse le long de la paroi et atterrit brusquement au sein d'une étroite structure. Enfermé entre ces murs, le comédien et danseur Eric Domeneghetty se métamorphose en héros d'un soir. Seul sur scène, il nous offre une performance corporelle entre danse et expression théâtrale et interprète avec décalage et démesure un paradoxe abyssal entre être et paraître, entre la fatalité de son existence et la volonté de son devenir. Sa gestuelle se heurte aux injonctions tutorielles d'une voix off le rendant rigide, répétitif, tel un disque rayé. Le combat entre sa volonté et son corps débute et effraie, donnant un spectacle d'émancipation refusant à être contenu dans un rôle qui lui échappe.

Il faut être absolument et nécessairement immergé dans le monde pour se représenter soi comme sujet et objet. Seul le corps autorise cette immersion. Il a la capacité de contrarier le vouloir mais lorsque le vouloir triomphe et domine, le corps n'est peut être rien d'autre pour lui qu'un simple instrument. De tableaux en tableaux, le corps du héros n'agit plus et s'épuise peu à peu pour sombrer dans une inexistence fatale. L'expérience du corps prend fin, sans transcendance. Le surhomme n'est plus qu'un homme banal conscient de sa condition. La fuite semble être sa seule issue…

La mise en scène, assez spectaculaire et alternative, offre un agencement et une perspective très cinématographique. Chorégraphie, créations sonores, projections et jeux de lumières prennent naissance au sein des parois qui délimitent le jeu et accompagnent toute la démence effrénée du héros. Les différents tableaux sont emprunts d'humour, de drame, de fantastique et d'absurde, dans une atmosphère cartoon. La narration est éminemment corporelle. Cette immersion totale du corps nous raconte l'histoire empirique, sensible, de son personnage fictif. Le jeu, fluide et percutant laisse place à l'imaginaire du spectateur et le transpose dans une dimension spatiale.

HERO% nous livre une réflexion sur le devenir de nos héros actuels, sur leur nécessité, ainsi que sur la naïveté de leur devenir, une remise en question de leur utilité. C'est une expérience de la corporéité qui ne laisse pas le spectateur indemne, car il repousse constamment le devenir et ne limite pas le corps au soi.

Bertrand Gevart