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La mer, miroir éternel de l'Histoire

Dominique-hélène Lemaire — 2014-02-08T22:30:56Z

" La Méditerranée est mille choses en même temps. Pas seulement un paysage, mais d'innombrables paysages. Elle n'est pas juste une mer, mais une chaine de mers. Pas seulement une civilisation, mais plusieurs civilisations ... La Méditerranée est un carrefour séculaire. Pendant des milliers d'années, tout a convergé sur cette mer, troublant et enrichissant son histoire ".

Lors de ce dialogue poétique entre le patrimoine culturel et la création contemporaine sept thèmes sont abordés et font voyager le visiteur à travers les siècles pour renouer avec la riche civilisation hellénique, berceau de notre civilisation européenne. L'exposition illustre l'interaction entre la nature, la culture, l'identité, l'aventure, le commerce, l'immigration, la politique, la religion et la mobilité sous toutes ses formes. Elle comprend une petite centaine d'œuvres et d'objets historiques (sculptures en bronze et en marbre, poteries…) provenant de 29 musées grecs et datant de l'art cycladique (3 000 av. J.-C.) jusqu'à l'époque gréco-romaine, en passant par les périodes minoenne, mycénienne, archaïque et classique.

Un voyage à travers le temps

On circule lentement dans cette exposition faite d'étroits corridors comme si la scénographie voulait rappeler le labyrinthe légendaire du roi Minos construit par l'architecte Dédale. « La recherche du Minotaure au fond du labyrinthe est une épreuve initiatique visant à détruire le monstre bestial qui se cache en chacun de nous ? » Cette exposition va-t-elle déboucher sur une réflexion amenant tolérance, ouverture d'esprit et curiosité de la part des visiteurs ? On ressent en filigrane que la rencontre entre les peuples est indispensable et que l'unité européenne trouve son fondement dans la diversité. On ressent aussi peut-être chez tous ces jeunes artistes grecs la hantise d'un Minotaure néolibéral qui servirait "l'abolition de l'État, le démantèlement des structures sociales", tandis qu'ils essaient, chacun à leur niveau, de tracer un nouveau chemin vers la reprise économique et la reconstruction d'une société florissante.

La première salle s'appelle « Genèse » et comporte une subtile installation d'Aemilia Papafilippou qui met en scène un utérus mystérieux représentant l'origine de la vie : "Sea Testament - Chess Continuum ". La disposition singulière de fils lumineux fait penser inévitablement au fil conducteur d'Ariane qui, à travers la fluidité perpétuelle, serait comme un acte créatif éternel…une chaîne chromosomique ?

Ensuite, le thème de l'écologie est détaillé et l'accent est mis sur l'interaction entre l'homme et l'environnement, illustrée par des œuvres de l'époque cycladique et par celle de Katerina Kaloudi. Eprise de son pays, l'artiste voyage dans les Îles Cyclades et y photographie des détails de rochers et de pierres. Ses agrandissements, qui font penser à des forêts fossilisées, interrogent la relation complexe entre l'homme et la nature.

Une salle intitulée « Routes maritimes » plonge le visiteur dans l'époque minoenne et mycénienne. La mobilité des populations, des produits et des idées grâce aux routes maritimes y est centrale. C'est une problématique dont Stratis Vogiatzis est très proche. Ces quatre dernières années, il a voyagé en Grèce et à travers la Méditerranée en photographiant le monde dans lequel vivent les pêcheurs. Il y a découvert un univers particulier, où les hommes tentent de dompter la mer et où « les gens de la mer », comme disait Proust, tentent d'aller au-delà de leurs faiblesses.

La période archaïque est représentée par le mythe naval de l'Odyssée. La volonté d'explorer les mers, de trouver un nouveau monde et de commencer une nouvelle vie est née il y a des millénaires, mais les photos de Leonidas Toumpanos démontrent qu'elle est toujours d'actualité. Toumpanos a ainsi photographié, dans l'aéroport d'Athènes, des immigrés originaires du Pakistan, du Bangladesh et du Maroc résolus à abandonner leur vie en Grèce et à s'envoler pour le retour au pays natal. La légendaire Athènes, source de pouvoir et de richesse, est confrontée aux sculptures d'Alexandra Athanasiadis qui a travaillé des morceaux de bois, récupérés de naufrages et rongés par le sel, contrastant avec les torses en marbre de jadis. Ah les merveilleux chevaux !

Après le thème de « l'Hégémonie », celui de l'intégration politique et culturelle, la salle « Ecumène », est consacrée à la Macédoine et Alexandre le Grand. L'une des œuvres les plus frappantes est sans doute celle d' Eftichis Patsourakis. L'artiste recrée l'image du monde en juxtaposant des paysages marins de peintres anonymes et en constituant ainsi un seul horizon. Sa création est une réflexion sur les concepts du collectivisme et du mélange interculturel. Dans l'Antiquité, les Grecs considéraient la Méditerranée comme un pont entre les peuples qui vivent sur son pourtour. A chaque escale, les artistes contemporains de cette exposition viennent compléter les perspectives historiques, jeter eux aussi un pont vers un passé commun que l'on tend de plus en plus à ignorer. Les thèmes tels que la mobilité, la migration, la communication et l'écologie sont omniprésents. Nikos Markou braque son objectif sur le navire échoué au large d'Eleusis.

Enfin, le visiteur retrouve toutes les périodes confondues dans la salle dédiée à la religion, aux rites et aux mythologies maritimes. Marios Spiliopoulos donne une version moderne des croyances des marins de Syros qui écrivaient des prières et des vœux dédiés au panthéon maritime sur les rochers de l'île avant de monter à bord. L'œuvre de Spiliopoulos mélange des inscriptions antiques avec des inscriptions byzantines du 13ème siècle reprenant différentes façons de nommer Dieu devant l'image de l'infinité de la mer lorsqu'il contemple le Divin.

A l'heure de l'asphyxie lente mais inexorable de la culture humaniste et gréco-romaine dans les écoles de nos pays, il est fort utile d'aller se plonger dans cette exposition qui exalte ces pépites précieuses de notre civilisation parées d'un parfum d'éternité tandis que des artistes modernes courageux offrent leur sensibilité et jettent une lumière à la fois nostalgique et heureuse sur une culture qui a fait la nôtre. L'héritage gréco-romain est la matrice de toutes les langues et littératures de nos contrées européennes. ...Retour à la salle 1, nommée « Genèse ».
Dominique-Hélène Lemaire

Concours Reine Elisabeth (Finale) Rémi Geniet (France, 20 ans) & Roope Gröndahl (Finlande, 23 ans)

Dominique-hélène Lemaire — 2013-06-12T13:19:41Z

Rémi Geniet (France, 20 ans) Mardi 28 mai, 20h. Beethoven, sonate n° 9 en mi majeur. Rachmaninov, concerto n° 3 en ré mineur

Roope Gröndahl (Finlande, 23 ans) Mardi 28 mai, 21h45. Beethoven, sonate n° 24 en fa dièse majeur. Brahms, concerto n° 1 en ré mineur

Rémi Geniet (France, 20 ans)
Commençons par saluer son parcours hors du commun et sa filiation avec la très renommée Brigitte Engerer, pianiste française, 3e lauréate au concours Elisabeth en 1978. Le tout jeune Remi Geniet est dès la première épreuve un favori du public. En 2010, Rémi a été lauréat des concours Adilia Alieva à Gaillard près de Genève et du prestigieux concours Horowitz à Kiev. Il y a en particulier reçu le prix spécial d'interprétation Horowitz. Tout y est chez lui : le style, le phrasé, la sensibilité artistique. Il se démarque par la richesse de sa musique et une attitude réservée. Serait-il joueur d'échecs à ses heures ? S'il lui en reste… car le mental et la concentration sont ses atouts majeurs. Il semble pousser très loin la mathématique musicale, mettant naturellement en évidence toutes les articulations de l'œuvre jouée. Pour preuve, le fait d'avoir choisi délibérément dans son récital la Partita n. 4 en ré majeur BWV 828 (Johann Sebastian Bach). C'est ciselé, les notes sont luisantes, le rythme précis, le phrasé a l'air intuitif alors que tout est maîtrisé par le virtuose. Il possède une façon lumineuse de galber les contours de la musique. Sa palette de colorations décline tout en camaïeux, le toucher est cristallin. La Sonate n. 4 en ut mineur op. 29 (Sergey Prokofiev) le fera sculpter la polyphonie. Quelques allusions jazzy et le voilà qui crève la toile, il joue comme un peintre passionné. Il est de ces variations à peine perceptibles, des mouvements enflammés, des élans chromatiques, de la danse macabre déguisée. Quant à son interprétation de Dream (Frederic Rzewski) elle laisse songeur. Aura-t-il décrit un monde gelé pris par la solitude et le vide effrayant, ses sonorités semblent appartenir à un univers de cauchemar glacé.

C'est dans le Concerto n. 20 en ré mineur KV 466 (Wolfgang Amadeus Mozart) qu'il se révèle totalement le vendredi soir. Son magnifique toucher fait vibrer la musique. Il extrait des perles de son instrument, se passionne avec une volubilité moelleuse, affirme les basses avec vigueur. Sa musique a une source intérieure, c'est sûr ! Son engagement total galvanise l'orchestre qu'il mange d'ailleurs des yeux. Dans le deuxième mouvement sa puissance devient solaire. Il construit tout de façon méticuleuse, ne laissant rien au hasard. Il possède une sève musicale qui vient des racines même de la musique. Son dernier duo avec les flûtes dans le Rondo final est passionnant : il renoue avec humour avec l'esprit de compétition entre musiciens. Le voilà soudain méditant, les notes graves déclenchent une envolée de clarté carillonnante, et le cor siffle d'admiration. Pour le public, c'est un triomphe.

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Roope Gröndahl (Finlande, 23 ans)
Après avoir étudié à l'Académie Sibelius d'Helsinki, ce jeune pianiste finlandais vit à Londres, étudiant à la Royal Academy of Music. Son récital n'a peut-être pas impressionné par sa clarté mais les œuvres choisies étaient elle-même très complexes : Brahms et Skryabin…. Il semble affectionner la musique moderne, ne ménageant pas ses coups de coude sur le piano dans Dream (Frederic Rzewski). Il donne une qualité surnaturelle aux sonorités et ne donne pas l'impression d'une œuvre où sont pourtant rassemblées toues les embûches possibles pour un pianiste. Son exécution semble démontrer que tout est possible, … dans le rêve.
Dans les 8 Klavierstücke op. 76 (Johannes Brahms), une œuvre touffue, l'introduction avec son déferlement de doubles croches ascendantes séduit. Le pianiste lutine son clavier, son visage semble pris d'illumination céleste, infusant la rêverie et les lignes chromatiques syncopées, variant les cadences. Une belle complainte populaire rassure… oui, mais, on aimerait plus de corps à la musique. Un peu plus de tonus et netteté, peut-être moins d'abstraction. cette partition convient sans doute très bien à une personnalité complexe et intériorisée. Sa Sonate n. 10 op. 70 (Aleksandr Skryabin) est plus fougueuse et enflammée. Le pianiste ménage des scènes mouvementées intéressantes et dégage quelques passages plutôt moqueurs. N'empêche, une certaine froideur intellectuelle ressort encore. Parfois c'est comme si la musique parvenait d'une tour d'ivoire. Un public aime être emmené quelque part dans l'imaginaire musical et ce musicien fait un peu peur avec cette blancheur de vibrations. Mais voici un bijou : Droit comme le i de inspiré, son Concerto n. 27 en si bémol majeur KV 595 (Wolfgang Amadeus Mozart) a une belle assise et des sonorités claires et agréables. Le musicien tourne presque le dos au public tant il aspire à la communion avec l'orchestre. La musique semble lui tomber du ciel : " demande et il te sera donné !" . Le Larghetto est lent et profond, prenant tout son temps pour ciseler sa mélodie à la manière d'un conteur. Et l' Allegro final du concerto bouscule les cœurs, tant la joie exulte !

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Dominique-Hélène Lemaire

Concours Reine Elisabeth (Finale) Stanislav Khristenko (Russie, 28 ans) & Boris Giltburg (Israël, 28 ans)

Dominique-hélène Lemaire — 2013-06-12T13:19:39Z

Stanislav Khristenko, Russie (29 ans) Mercredi 29 mai, 20h. Haydn, sonate en ré majeur XVI : 42. Brahms, concerto n° 1 en ré mineur

Boris Giltburg, Russie (28 ans) Mercredi 29 mai, 21h45. Beethoven, sonate n° 27 en mi mineur. Rachmaninov, concerto n° 3 en ré mineur

Stanislav Khristenko (Russie, 28 ans)
Diplômé du Cleveland Institute en 2010, Stanislav Khristenko a commencé ses études au Conservatoire Tchaikovsky de Moscou. Deuxième prix au Concours de Pretoria en 2012, il vient de remporter le Concours International Maria Canals à Barcelone. Ses concerts le mènent à travers les cinq continents. Dès le début des épreuves éliminatoires il a étonné le public par sa stature hors du commun : un alliage étonnant de bienfaisant colosse et de poète fluet dont la patte est d'une efficacité extraordinaire. Un régal d'écoute ! Il n'est pas étonnant qu'il ait choisi la Sonate n. 2 en ré mineur op. 14 (Sergey Prokofiev) pour débuter son récital. C'est tout lui : une attaque en force qui fait chanter l'instrument et débouche sur de délicates pirouettes. Son jeu vivant et fascinant sonne viril et décidé, le phrasé est d'une clarté exemplaire, la palette dynamique. Une grande variété de styles anime son interprétation. Hiératique ou trempé de sueur par la transe musicale il agit en véritable force de la Nature tout en maniant le rubato avec délices. Dream (Frederic Rzewski), joué de mémoire bien sûr, lui permet des gestes brusques et des grands contrastes. Virtuosité dans les aiguës lâchées par poignées, il égrène des cailloux chargés de mystère dans l'oreille de l'auditeur. C'est surréaliste et hallucinatoire. Sa Rhapsodie espagnole (Franz Liszt) est un mythe vivant, un pot-pourri d'humeurs ibériques, parsemé de poudre musicale ; le pianiste russe imaginatif ne boude nullement son plaisir de jouer et il n'abrite rien moins que la Musique !

Une Musique qu'il hume longtemps les yeux fermés, avant de commencer son Concerto n. 23 en la majeur KV 488 (Wolfgang Amadeus Mozart). Le visage est entre la torture et la félicité. Le colosse délivre ses notes comme si elles étaient un peuple de lilliputiens. Mais c'est aussi un géant de la compassion lorsqu'il distille la musique, fondu avec l'orchestre. Après la majesté musicale de l'Allegro, le sublime Adagio en fa dièse mineur dépose des larmes sur le clavier dans un recueillement intense et le sens inné du drame. Déconcertant dans son troisième mouvement très brillant, on croit entendre un jeu ludique et même légèrement swingué ! Il est en finale le commandant d'une armée de doigts qui répondent …au doigt et à l'œil !
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Boris Giltburg (Israël, 28 ans)
Il est attendu avec passion par les auditeurs qui ont découvert chez lui une sensibilité extraordinaire. Né dans une famille de pianistes, Boris Giltburg commence sa formation avec sa mère, puis il devient l'élève d'Arie Vardi. Il est lauréat de nombreux Concours Internationaux : de Santander (2002), de Lisbonne (1er Prix en 2003), et de Tel Aviv (Rubinstein, 2e Prix en 2011). Il joue régulièrement en Europe, en Amérique du Nord et du Sud, en Asie, et en Israël. Dream (Frederic Rzewski) débute son récital après le passage de Stanislav Khristenko. La lumière se tamise progressivement et voici une musique nerveuse, sérieuse, funèbre presque. Ses trilles chantent à l'infini et une note seule vaut mille tocsins en dépit des explosions macabres de la composition. Boris verse dans les quatre dernières mesures quatre gouttes de perfusion vitale. C'est magnifique. Dans l'Etude-tableau in C minor op. 39/7 (Sergey Rachmaninov) le pianiste se ramasse sur lui-même, crée comme à son habitude des sonorités rares. Il possède une technique fascinante et use d'une dynamique impressionnante. Sa Sonate in B minor (Franz Liszt) sera spectaculaire de romantisme. Il libères ses doigts d'acier trempés dans la passion, opère des crescendos magistraux, fait pleuvoir des étoiles, donne de l'espace à l'infinie petitesse et à la solitude humaine. Nous avons là un hymne à l'intelligence et à la finesse. Ses développements sont intimistes, des pétales de fleurs tournent à la bourrasque. Non ! au bouillonnement intérieur … maîtrisé. Son introspection minutieuse fouille les tréfonds de l'âme : fragilité et grandeur.

Il est sur le point de jouer le Concerto n. 15 en si bémol majeur KV 450 (Wolfgang Amadeus Mozart). Il entre en scène après qu' Arie Van Liesbeth, président du jury, a rendu hommage à l'Orchestre royal de chambre de Wallonie qui a, sous la baguette calibrée et nuancée de Michael Hofstetter, soutenu avec passion les 24 finalistes. Le pianiste écoule ses sonorités splendides si particulières, cela coule en vagues, cela sonne en carillons, cela explose en pastilles sonores. Le tout coiffé de rideaux de perles musicales et de rythmes éblouissants. C'est lui qui semble donner le tempo à l'orchestre tant il est dans le jeu musical. Puis tout d'un coup, il s'égare, on en pleurerait !... et reprend avec une maîtrise de soi inouïe. Il joue maintenant suspendu aux mains de Michael Hofstetter, un quatre-mains émouvant ! Le pianiste de génie a retrouvé toute son énergie et ses timbres lumineux dans le troisième mouvement, gracieux, élégant, assumé, spirituel ! Le jury ne tiendra pas compte de ce passage hors du temps.

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Dominique-Hélène Lemaire

Concours Reine Elisabeth (Finale) Yuntian Liu (Chine, 23 ans) & Andrew Tyson (USA, 26 ans)

Dominique-hélène Lemaire — 2013-05-30T07:16:53Z

Yuntian Liu (Chine,23ans)
Jeudi 30 mai, 20h. Beethoven sonate n° 7 en ré majeur. Tchaïkovski, Concerto n° 1 en si bémol mineur

Andrew Tyson (Etats-Unis,26 ans)
Jeudi 30 mai, 21h45. Mozart, sonate n° 15 en fa majeur. Rachmaninov, concerto n° 2 en ut mineur

Yuntian Liu (Chine, 23 ans)
Après avoir étudié au Conservatoire de Musique de Xinghai, Yuntian Liu poursuit sa formation aux États-Unis. Il s'est produit dans plusieurs villes américaines, chinoises et européennes, en récital ou en soliste. Premier lauréat du Concours International de Wiesbaden, en 2004, il est également lauréat du Concours National Golden Bell, en Chine (Médaille d'or, 2004) et du Concours International Horowitz pour jeunes pianistes, en Ukraine (2e Prix, 2007).
Le malicieux Yuntian Liu révèle une intériorité poétique marquée dès son entrée dans les Sonetto 123 del Petrarca (Franz Liszt). A la surprise de l'audience, il n'hésite pas à muser la mélodie et convoque sous ses doigts une douceur de sonorités très colorées. Il plonge dans le romantisme qu'il semble savourer avec bonheur. Moelleux, souplesse de la rêverie musicale. On croit dès lors que toute l'exécution de son récital sera caractérisée par le raffinement des sonorités et portée par une exaltation profonde.
Il enchaîne tout de suite son Dream (Frederic Rzewski), connu par cœur, une perle d'exécution pianistique. Il fabrique les trilles les plus impérieuses de tous les candidats. Elles jettent l'auditeur dans les tensions intenses des différentes facettes du ying et du yang. Des forces sombres et claires s'opposent avec énergie au sein de l'immensité poétique. Devinez quelles seront ses 4 dernières notes suspendues à mi-course du rêve et qui se brisent soudain sans prévenir ? Quatre délicates notes de yang, sans nul doute !
Crescendo dans l'audace et la construction de son programme, Liu laisse là la poésie pour tâter du chaos, de l'inquiétude et de la guerre. Sa Sonate n. 6 en la majeur op. 82 (Sergey Prokofiev) explose de sensations fortes et fracassantes. De la matière musicale veloutée surnage ici et là dans les éclaircies lyriques, mais très vite les accents parfois jazzy se mutent en notes piquées brutales, en accords abyssaux. La frappe de l'Orlando furioso chinois devient acharnée, les triolets rapides lancinants se culbutent avant d'aller sonner le glas à la main gauche. Chevauchée ardente et déferlements d'octaves envahissent le clavier, c'est incandescent, méphistophélique et sarcastique. Yuntian Liu a le sens de la narration… Passent des pantins désarticulés. Le pianiste fait des moulinets avec sa main droite avant de lancer les derniers cataclysmes. On ne peut s'empêcher de penser à du Stockhausen !

Son Concerto n. 17 en sol majeur KV 453 (Wolfgang Amadeus Mozart) d'une précision absolue, superbement charpenté et mélodique présenté le premier jour des demi-finales semble bien loin de ce récital trépidant. Tout le monde se souvient encore de sa très belle expressivité et de la beauté de ses timbres. Le jury sans doute aussi !

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Andrew Tyson (USA, 26 ans)
Ses parents adorent la musique mais ne sont pas musiciens. Le jeune pianiste débute sa carrière concertante à 15 ans à New York. Elève de Robert Mc Donald à la Juilliard School, il remporte le cinquième prix au Concours de Leeds en 2012. Il écume les plus prestigieuses salles de concert américaines mais donne aussi des concerts chez lui. Il voyage en Europe (Suisse, Portugal, Pologne), au Mexique ou en Nouvelle-Zélande, tant en soliste avec différents orchestres américains qu'en musicien de chambre, avec des partenaires comme R. Díaz, R. Kirshbaum, J. Silverstein, Ray Chen.
Son Concerto n. 21 en ut majeur KV 467 (Wolfgang Amadeus Mozart), présenté dès le premier soir de la demi-finale a séduit d'emblée, quelle classe ! De l'émotion juvénile véritable couplée à une virtuosité impeccable. Sa cadence très personnelle, intense et lumineuse, éclairée par le sourire intérieur le place tout de suite au rang des pianistes que l'on rêve de suivre jusqu'au bout. Qu'à cela ne tienne, puisqu'il nous emmène avec tant d'intelligence et de goût. Il est à l'écoute de l'orchestre, jetant souvent des regards furtifs vers les violons alto et semble éprouver du plaisir. Son récital sera étincelant.

Après un Dream (Frederic Rzewski) hiératique en hommage à la musique contemporaine, il convoque avec autorité naturelle tout l'esprit du compositeur dans La Partita n. 1 en si bémol majeur BWV 825 (Johann Sebastian Bach). ll égrène de ses longs doigts des nuances généreuses. La main gauche se prend pour un violoncelle et la main droite est aérienne. Mais voici Le jeu des contraires (Henri Dutilleux) où il s'élance avec jouissance. Il crée des sonorités vibrantes, jouant par à-coups d'inspiration lumineuse. Il nous plonge avec audace dans l'envers des choses, s'aventure dans des sentiers inconnus, émiette des bulles de cristal, gronde des rages contre le monde, court-circuite les émotions et captive l'audience par ses fulgurances.La Sonate n. 3 en fa dièse mineur op. 23 (Aleksandr Skryabin) fait preuve de dramaturgie puissante. Il cerne les soubresauts et les tortures de l'âme avec conviction. Peu à peu émergent des débris de valse. On assiste à une débandade sonique, les doigts pirouettent dans les gerbes d'accords sombres. L'esquisse de bonheurs tranquilles affleure en fondus enchaînés. Devant la fonte des sentiments et la fuite du temps, seule la musique sans doute est divine et consolatrice. Le pianiste s'en prend à la réalité dure et rebelle, la saisit par les cheveux et lui fait courber la tête avant de se fondre dans les bras de la mélodie retrouvée. On reste pétrifié devant tant de talent naturel.

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Dominique-Hélène Lemaire

Concours Reine Elisabeth 2013 Rencontre avec le compositeur Michel Petrossian, Grand Prix International Reine Elisabeth de Composition 2012

Dominique-hélène Lemaire — 2013-05-28T19:42:48Z

Bruxelles, 27 mai 2013. Michel Petrossian : on l'a reconnu à son sourire, son foulard et ses lunettes de cinéaste bien connu. Il quittait hier soir la salle du palais des Beaux-Arts où s'était donnée la première mondiale publique de son œuvre. « In the wake of Ea » venait d'être interprétée tour à tour par les deux premières finalistes du Concours Musical reine Elisabeth 2013 : la Russe Tatiana Chernichka et la Chinoise Zhang Zuo.

On sait de lui qu'il a étudié la composition, le contrepoint et l'harmonie après des études de violoncelle et de guitare. En 1997 il a suivi des cours d'analyse, d'orchestration, de musique et d'ethnomusicologie de l'Inde. Soucieux de faire connaître la musique de son temps, il fonde en décembre 1998, avec le compositeur Jérôme Combier, l'Ensemble Cairn. Du nom de ces petits amas de pierres que l'on trouve en montagne et qui servent de repère aux autres promeneurs qui y ajoutent chaque fois une nouvelle contribution. Michel Petrossian, (dont la racine est le mot Pierre) est arménien d'origine et s'est intéressé passionnément aux textes bibliques et aux langues anciennes, sémitiques en particulier - hébreu, ougaritique, araméen et akkadien. Il a obtenu également une licence de théologie. Il enseigne à l'Ecole des Langues et des Civilisations Anciennes et à Paris IV La Sorbonne. Il entreprend actuellement une synthèse à partir de sa double compétence philologique et musicale afin d'articuler une écriture vocale qui renoue, « dans une démarche consciente de l'histoire, avec des traditions anciennes où le son et le sens sont articulés ensemble dans une relation inextricable avec le transcendant. »
La phrase écrite en exergue du programme du concours par la reine Fabiola prend ici tout son sens : « La musique nous conduit vers une ‘commune union' de passionnés de toutes conditions, races, et cultures – ceux d'aujourd'hui et, espérons-le aussi de demain. La musique touche le cœur par les sens. » L'Essence ? « Elle traverse le temps sans jamais cesser de pointer vers ce qui la transcende et ce qui est au-delà de l'espace et du temps. » Si ces objectifs ont été inscrits dans le concerto qui vient d'être primé par le Grand Prix International Reine Elisabeth de Composition 2012, les candidats qui ont dû s'y atteler pour le découvrir, l'étudier et l'interpréter en huit petits jours, isolés à la Chapelle Musicale sans aide ni contact avec l'extérieur, auront eu fort à faire pour venir à bout de cette œuvre périlleuse ! Non seulement les candidats doivent jouer une œuvre dont le jury suit la partition des yeux pendant la performance, - et il ne s'agit point d'un anglicisme - mais leur appréhension profonde de la musique est elle-même en jeu et sondée par le jury prestigieux. Il s'agit de comprendre une langue, celle de la musique, par ailleurs, universelle qui ouvre la porte sur l'essentiel. La porte est grande ouverte sur la créativité, certes, mais cette porte est à la fois très étroite, car il faut passer par la difficulté extrême de la partition et ne pas sauter la moindre mesure. Seront « grâciés » ceux qui en dehors d'une technique parfaite auront su accéder à l'interprétation profonde du texte. En parlant de « grâce » Michel Petrossian admet que c'en est une extraordinaire, que de se trouver joué 12 fois d'affilée par la jeunesse la plus talentueuse du monde, aux côtés de tout grands compositeurs comme Haydn, Beethoven et Tchaïkovski pour ne parler que des compositeurs de ce soir.

La recherche et la complexité sonore de l'orchestre est évidente. Nous avons demandé à Michel Petrossian comment le rôle de soliste pouvait être appréhendé dans ces conditions, puisque le piano doit vraiment se glisser dans de minces interstices laissés par l'orchestre. Il y a bien deux petits solos, vers la fin de l'œuvre, mais ce n'est pas cela l'important, réplique-t-il. L'important et le compliqué à la fois est d'être le lien et d'irradier vers les autres pour mettre les autres instruments en valeur, faire vivre ou revivre leur humanité. Construire l'éternité d'un dialogue incessant. Au cœur d'une bruissante tour de Babel ? Babel, la porte des dieux ? Vieux rêve ! Souvenirs aquatiques d'un croissant fertile à la verte nature. Le piano qui déjà est le roi des instruments par sa nature orchestrale doit avoir la grâce de se glisser humblement dans l'ensemble, avec les autres et pas par-dessus les autres. Belle leçon de vie et de solidarité. Le pianiste a pour fonction de faire naître l'esprit musical entre les différents instruments grâce à un éventail de techniques pianistiques en renaissance constante.

On retrouve dans cette pièce une diversité étonnante d'instruments parmi les percussions et les cuivres. La harpe et les cordes assurent des pulsations vitales, ou bien est-ce le piano lui-même qui par-delà l'espace-temps, est devenu cette quatrième corde des temps babyloniens en prise directe avec la divinité ? Car c'est cette lyre babylonienne qui est à la source de l'œuvre : « Une lyre qui se défait sous la pression du temps, et une corde au milieu qui veut maintenir la permanence, de par son lien à Ea, divinité des eaux souterraines et créateur des arts. Elle est l'emblème de la musique babylonienne elle-même, immatérielle et ineffable, mais véhiculée par des instruments périssables et des voix qui se sont tues depuis longtemps. » Cette tension entre permanence et impermanence est inspiratrice de l'œuvre. Une œuvre qui réjouit l'imaginaire. Ce qui se joue en grand et en prophétique ici, c'est le même esprit poétique d'ouverture qui animait le morceau imposé de la demi-finale : Dream de Frederic Rzewski. « Le piano, image de la quatrième corde, vit des histoires de renaissances multiples, au rythme d'un mouvement aquatique. Tel un prophète élégant qui se meut au travers de courants fluviaux, il lutte par deux moyens (une note répétée et une phrase musicale tantôt verticalisée tantôt étalée) et en deux directions contraires à l'égard de l'orchestre : en s'opposant, et en cherchant à rallier. L'orchestre, lyre amplifiée, s'abîme dans la dispersion, mais en est empêché par le piano, corde ‘faite par Ea', qui lui communique des élans renouvelés et maintient la volonté de permanence. La forme générale de l'œuvre procède par défragmentation, à l'image d'une civilisation qui subjugua l'Orient et dont il ne reste que quelques éclats de splendeurs découverts au gré des fouilles, sur une terre toujours agitée. »

Dominique-Hélène Lemaire

Noire et lumineuse nostalgie

Cindya Izza — 2012-01-13T11:27:10Z

Écrite en 1896, "La Mouette" est une des plus célèbres pièces de Tchekhov. Au travers de ce drame de mœurs, l'auteur aborde la question du statut de l'artiste et de l'art, thèmes repris ici dans l'adaptation de Myriam Saduis.

Qu'est-ce que créer ? Qu'est-ce que réussir sa vie ? Est-ce que le prix à payer pour une réussite est d'échouer dans tout le reste ? Autant de questions que se pose cette galerie de personnages brillants et sombres, tourmentés et à côté de la plaque. D'emblée, on est emporté par des scènes de famille emplies d'amours violentes et complexes, où chacun aime et torture selon ses peurs, ses obsessions et ses regrets : peur de vieillir, d'être insignifiant, obsession de la gloire et de ce qui brille, regret d'être seul. Pierre Verplancken livre un très beau Konstantin, enfant sombre et tourmenté, en quête d'absolu, ou peut-être juste de reconnaissance. L'action va et vient du passé au présent, sans cesse et sans heurts. Au fil des flash-backs se reconstitue la trame épaisse et rugueuse de ce drame. Ici, la famille est une oeuvre d'art, et l'art une affaire de famille. Chacun essaie de s'emparer de ce trophée qu'est le dernier mot, et les egos d'artistes s'entredévorent. Florence Hebbelynck est parfaite en actrice tyrannique, à la fois femme-fleur vieillissante et mère rongée de remords. Juste après la mort, les souvenirs affluent de partout, comme des fantômes, tirés de la mémoire des personnages ou de celle de l'ordinateur portable du défunt. Le spectateur a l'impression qu'on lui a vidé sur les genoux, en vrac, tout le contenu de l'album photo de la famille. Il regarde les clichés, dans le désordre, capte ça et là une allusion, une insinuation, sans avoir les clés. Mais au final, un portrait se dégage, portrait qui, s'il n'est pas complet, a le mérite d'être limpide. On peut regretter que la mise en scène, bien qu'efficace, cède aux gimmicks à la mode cette saison : écrans semi opaques dont on se joue pour faire des effets d'ombre ou de flou, carré de sciure au centre de la scène figurant un espace de jeu. Mais dans l'ensemble, et malgré quelques longueurs, on passe un très beau moment.

Cindya Izzarelli

White-out

2010-03-11T13:52:25Z

Le white-out envahit la scène et les spectateurs qui, pris dans cette atmosphère particulière, se laissent emporter par l'écriture habile et surprenante de Paul Pourveur. Entre humour et réflexion, entre amour et raison, la pièce esquisse la rencontre singulière de deux être à la dérive.

Difficile pour Pourveur de se faire concurrence à lui-même et à ses précédents textes, l'excellent Shakespeare is dead, get over it ou l'énigmatique Abécédaire des temps modernes.
Pourtant White-out démontre que l'auteur, sacré Meilleur Auteur par les Prix de la Critique 2009, n'a pas fini d'explorer les ressorts de la langue et de l'imagination.

Son attention particulière au langage et au processus d'écriture permet à Pourveur de dépasser le simple récit, de ne pas réduire la langue à un instrument mais de lui conférer un rôle structurant et créateur. C'est sans doute pourquoi le début de la pièce présente les deux protagonistes comme narrateurs de leur propre récit, leur parole faisant être leur réalité.

Dans un univers mi-réaliste, mi-onirique, avec le « white-out » comme caution de cette rencontre entre ciel et terre, Chloé entre chez Alex. S'en suit un dialogue, parfois de sourds, mais toujours révélateur des doutes de l'un ou des illusions de l'autre... Il ne vit qu'à travers le récit de Rhett et Stella, héros mythiques de Autant en emporte le vent. Elle ne croit qu'à la passion qui l'anime pour le mystérieux Klaus, personnage qui semble les unir, à moins qu'ils ne l'aient tout deux inventé pour faire naître le dialogue.

Dans le rôle de ces deux créateurs de fictions, déclinant les possibles, Serge Demoulin et Anne-Sophie Wilkin semblent évoluer avec aisance, jouant en nuance avec les mots de Pourveur.
Quant à Hélène Gailly, elle aura su mettre en scène ce texte, en y conservant les creux qui en font la richesse mais tout en ne laissant pas cette écriture post-moderne empreinte de références se déployer devant le spectateur sans qu'il ne puisse être touché. Au contraire, ce dernier, pris à témoin par un regard ou une réplique, est embarqué de A à Z dans cette histoire, intrigué par les questions qu'elle pose ou simplement séduit par l'humour et le maniement du verbe.

Mention spéciale pour la scénographie d'Émilie Cottam, qui trace en finesse les contours de cette rencontre au cœur du white-out...

Emmanuelle Lê Thanh

A la vie, à l'amour (des mots)

Cindya Izza — 2010-02-04T10:13:03Z

Un lundi par mois, au Théâtre de la vie, ça slam. So what ?

Le slam de poésie est un type d'art déclamatoire apparu aux Etats-Unis au milieu des années 80, à l'initiative d'un ouvrier du bâtiment répondant au nom de Marc Smith. Les règles en sont simples (voire spartiates) : un public, un poète, un texte "fait maison", un micro (ou pas), un temps limite. Et pas d'autres limites. Le slameur est jugé sur sa prestation par un jury choisi au hasard dans le public.

Ca, c'est la théorie. Au Théâtre de la Vie, on a encore élargi l'angle : une fois que le slameur prend possession de la scène, tout lui est permis. Déclamation, chant, citations, reprises, perruques, à un, à deux ou à dix, pour trente secondes ou trente minutes, de toute façon il n'y a pas de chrono, et pas de jury non plus. L'île de la tentation du slameur rompu aux règles de base.

Lundi dernier, le froid avait dissuadé pas mal de monde et la salle n'était pas bien remplie, mais l'ambiance n'en fut que plus chaleureuse. Au menu poétique, beaucoup d'habitués, quelques novices, un délicieux moment de poésie musicale, beaucoup de rires. Et quand on a fréquenté plusieurs scènes slam, on se rend vite compte qu'une constante se dégage : un petit truc dans l'air, ce mélange d'électricité, d'émulation et de profond respect pour le moment, pour cette bulle de sincérité qui éclôt sur scène dans l'instant.

La prochaine, c'est lundi 08 février. Et même si l'hiver s'obstine dans sa tendance polaire, enfilez un pull de plus pour le trajet et venez prendre un peu de chaleur humaine à la Vie, ça fait du bien au moral.

Cindya Izzarelli

D'hier et d'aujourd'hui

2009-10-20T12:05:52Z

Cette histoire n'est pas celle de Madame Bovary, cette histoire n'est pas du Flaubert revisité. Cette histoire est celle d'un individu singulier, blessé par la vie, plus que certains, moins que d'autres. Un parcours sans prétention, un personnage loin des héros mythiques... et pourtant un récit qui nous touche, nous émeut, nous fait rire – beaucoup ! - grâce à la plume de Dominique Bréda et au talent de Julie Duroisin.

Emma n'est pas Emma Bovary. Emma n'est pas une héroïne des temps modernes. Emma n'est pas un mythe en devenir. Emma poursuit simplement sa vie, comme tout un chacun, et nous convie au voyage.

L'écriture de Dominique Bréda fait mouche dans la bouche de cette Emma qui nous ballade à travers les âges, du nouveau-né à la vieille femme, en passant par l'ado rebelle et la quarantenaire désabusée. Loin d'une chronologie linéaire, structure habituelle dans ce type de seuls en scène, l'histoire d'Emma nous est ici présentée par ces quatre moments-clés qui s'entremêlent.
Grâce à son « costume » multi-usages, Julie Duroisin passe en effet de l'une à l'autre de ces femmes, de ces filles qu'elle a été et qui, toutes, auront croisé le chemin de Flaubert et de Madame Bovary que ce soit en le gribouillant, en le rejetant, ou en le relisant, enfin, après 40 ans.

Il ne s'agit ni d'adapter le roman, ni de dépoussiérer le 19e siècle à coups de référence ou de clins d'œil. Dominique Bréda choisit de rythmer la vie de son personnage avec Flaubert. Mais s'il cherche sans nul doute à démontrer que ce livre qu'on a obligé plus d'un adolescent à lire, a quelque chose à nous dire encore aujourd'hui, il nous offre surtout cette vie, ses hauts et ses bas, en toute simplicité. Et la simplicité sera le maître mot de cette mise en scène : plateau nu, quelques accessoires pour figurer les changements d'époque. Ce qui permet de centrer la pièce sur l'essentiel, l'excellent jeu de Julie Duroisin — fraîchement sacrée dans la catégorie « espoir féminin » par les Prix de la Critique 2009 — et le texte de Bréda teinté d'humour et de subtilité.

Grâce à leur fluidité, nous sommes entraînés dans ce récit, que l'on s'en sente proche ou non, que l'on soit profondément touché ou simplement attendri. En somme, un spectacle réussi et un agréable moment de théâtre !

Emmanuelle Lê Thanh

Il était une fois l'horreur

2009-04-29T11:47:02Z

Entre fiction et réalité, entre le Petit Poucet et Gilles de Rais, "Il vint une année très fâcheuse" tisse des liens d'une grande qualité artistique.
Du rire à l'effroi, la paroi sera mince et si la pièce est une réussite, le sujet et le ton adopté en laisseront perplexes plus d'un...

Sur la scène du théâtre des Tanneurs, la projection d'une forêt dans laquelle la caméra s'enfonce de plus en plus. A l'image de ces personnages dont on découvrira les méandres au fur et à mesure de la pièce, en dévoilant leur complexité sans jamais tomber dans l'explication.

Devant son micro, le Petit Poucet – Cécile Bournay – nous offre son conte, interrompu par la parole d'un être mystérieux – Brigitte Dedry – qui ouvre ainsi la pièce dans le registre comique. Mais très vite le mystère et l'angoisse reprennent possession des lieux, appuyées par l'ambiance sonore et visuelle. La scénographie de bois, signée elle aussi Zouzou Leyens et la création lumière et sonore – dont les bruitages exécutés à même le plateau – nous plonge dans un univers entre fiction et réalité, mystérieux. Tandis que les échanges des deux comédiennes nous font rire et sourire.

Ce mélange subtil est maintenu dans toute la première partie de la pièce où, au conte du Petit Poucet, se mêle la pantomime de l'ogre, exécutant devant nous des enfants figurés par des poupées. Zouzou Leyens saura parfaitement équilibrer sa mise en scène en faisant durer ses scènes juste assez longtemps pour que le drôle devienne pesant, que le rire se transforme en dégout. Un travail minutieux de mise en scène, porté par l'excellent jeu des deux comédiennes !

La deuxième partie nous présente le procès de Gilles de Rais, cet homme terrifiant qui assassinat des dizaines d'enfants, porté à la première personne par Pierre Maillet et marque la rupture en passant d'un plateau en ébullition à un monologue figé, assené droit dans les yeux. La crudité des propos fera sortir quelques spectateurs mais les autres resteront intrigués, mal à l'aise, déroutés par l'aveu des crimes perpétrés.
Toutefois ce dernier passage semble moins abouti artistiquement que la première partie malgré une mise en parallèle du conte et du procès judicieuse.
Mais il ne s'agira que d'un bémol dans une pièce d'une grande qualité !

Emmanuelle Lê Thanh