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Annette (CHAPITRE 1 : LE GOÛTER)

Catherine Sokolowski — 2023-01-27T14:57:46Z

Après avoir passé de longs moments à écouter les récits autobiographiques d'Annette, 73 ans, Clémentine Colpin, touchée, décide d'en faire un spectacle. Annette est singulière. Son récit était parfois parcellaire, parfois répétitif. En réalité, « Annette » n'est pas vraiment l'histoire d'Annette. Des lacunes ont été comblées, l'imagination s'en est donné à cœur joie. Pourtant, sur scène, Annette (Baussart) est là, elle raconte son histoire. Elle est accompagnée de Pauline Desmarets et Olivia Smets qui proposent quelques extraits de la vie de cette femme particulière, avec bienveillance, humanité et aussi quelques touches d'humour et d'autodérision.

Annette téléphone à son docteur. Elle souhaite prendre rendez-vous. Elle attire la sympathie, cherchant un téléphone alors qu'elle l'utilise pour appeler. Elle parle de ses tresses (« J'ai les cheveux encore plus rebelles que moi »), des Ursulines de Laeken, de son prétendu retard de maturité.

Pas d'émotion particulière, juste un récit, avec quelques pointes d'humour pince-sans-rire. Certains évènements l'ont marquée, comme le fait qu'on ne pouvait pas être nue pour se laver chez les Ursulines, même seule dans sa chambre. Il fallait suivre un rituel, un ordre dans la toilette. "Un, le visage, deux, le cou, trois, l'aisselle droite… huit, la jambe gauche". Annette offre ses commentaires aux spectateurs, neutres ou joyeux, jamais déprimants.

Pauline Desmarets et Olivia Smets prennent ensuite le relais, proposant leur propre restitution d'épisodes de vie de la septuagénaire. Il est question d'accouchement, de rencontres par petites annonces et d'autres évènements de la vie. Duo au top qui communique parfois d'une seule voix. La restitution en mode cinématographique (voix off) est finalement contestée par Annette elle-même ! Rencontre des faits, de l'imagination et de l'humour pour le grand plaisir du public.

« Annette (Chapitre 1 : Le Goûter) » est une version courte (45 minutes) d'un spectacle qui sera présenté en automne 2023. Originale, drôle, un peu nostalgique, la version courte donne très envie d'assister à la représentation en version longue. Le côté « bruxellois » apporte aussi un petit plus. Vivement l'automne !

Catherine Sokolowski

La Cabane d'Alexandra Kollontaï

Catherine Sokolowski — 2023-01-17T15:23:03Z

Alexandra Kollontaï est une femme politique socialiste communiste russe née en 1872. D'origine noble, elle adhère au marxisme en 1898. Toutefois, ce n'est pas de sa carrière politique impressionnante dont il est question ici. Alexandra Kollontaï prônait le polyamour, qualifiant le mariage de « captivité amoureuse » en lui conférant une dimension capitaliste. Christine Delmotte-Weber, metteuse en scène, est également l'auteure de cette pièce qui explore la piste de l'« amour-camaraderie », c'est-à-dire l'amour sans fidélité. Cette autre forme de relation est étudiée à travers la rencontre d'Alex et Julia alors que Julia est en couple avec Samuel, lui-même épris de trois femmes. Beaucoup de finesse et de subtilité dans ce spectacle attachant. A voir.

Trois splendides marionnettes (créées par Anaëlle Impe) participent au spectacle. Elles représentent Alexandra Kollontaï en version mini, en grandeur nature, et Macha, une amie d'Alexandra. Le spectacle s'ouvre sur une discussion entre Macha et Alexandra, concentrée sur l'écriture d'un essai.

Le vol d'un oiseau lie les séquences, poétique et majestueux.

On découvre ensuite Julia (Sarah Messens) et Alex (Sarah Joseph) qui se rencontrent par l'intermédiaire de Lisbeth, connaissance commune. Alors qu'Alex souhaite débuter une relation classique avec Julia, cette dernière a pour objectif d'explorer le polyamour, sur conseil de son compagnon, Samuel. En effet, il lui reproche d'être jalouse de Renata et Saskia, ses autres partenaires.

Créatif, le spectacle s'inspire de plusieurs tendances, dont celle du théâtre d'objets. En quelques mouvements, on change de décor et d'univers, puisqu'on passe du début du 20ième au siècle à aujourd'hui, dans une cabane au milieu des bois. C'est celle de Samuel (Maximilien Delmelle), grand défenseur de la vie en polycule (groupe polyamoureux), qui trouve une partie de ce qu'il cherche dans chacune de ses relations. Peu convaincue, Alex se laissera-t-elle séduire ? Quant à Julia, arrivera-t-elle à laisser de côté sa jalousie ? Au-delà de l'étude du polyamour, une réflexion sur la pluriparentalité enrichit les débats.

On ne s'ennuie pas une seconde devant le ballet amoureux des trentenaires. Un texte intéressant interprété par d'excellents acteurs, la magie des marionnettes et de très bons choix musicaux (Neil Young, Amadou & Myriam, Barbara …) confèrent à ce spectacle dynamisme et sensibilité. Une belle réussite de Christine Delmotte-Weber, aussi douée pour l'écriture que pour la mise en scène.

Catherine Sokolowski

Violence and Son

Jean Campion — 2023-01-17T15:13:28Z

Dans "Iphigénie à Splott", que le Théâtre de Poche reprend en avril 2023, Gary Owen raconte le chemin de croix d'une laissée-pour-compte, qui en se sacrifiant retrouve sa dignité. Sans misérabilisme. C'est avec le même humour grinçant et la même empathie que dans "Violence and son", il décrit les tensions entre des adultes brutaux et des jeunes vulnérables. Parfois drôle, cette comédie soulève de nombreuses questions sur la violence intra-familiale, la transmission des valeurs, l'hérédité, l'alcoolisme, la notion de consentement.

La mort de sa mère a obligé Liam à déménager dans un trou perdu du Pays de Galles, pour vivre chez un inconnu : Rick, son père biologique. Ce soir, le jeune homme a invité Jen à revoir quelques épisodes de "Doctor Who", une série de science-fiction désuète , dont tous les deux sont fans. Il aimerait bien partager avec elle d'autres plaisirs, mais les filles l'intimident. Jen apprécie sa compagnie : "Je peux vraiment te parler. Les garçons ici, en gros, ils grognent." Pourtant elle hésite à casser avec Jordan, un rugbyman très prometteur. En débarquant dans leur salon, Rick et Suze, sa compagne, affichent sans complexe leur vulgarité. Cependant ils accueillent chaleureusement l'amie de Liam, en l'invitant à partager leurs frites. Jen préfère rentrer chez elle.

La pluie l'en empêchera. Sa présence réveille le machisme conquérant de Rick. Soulagé que son fils ne soit pas une tapette, il veut lui faire profiter de son expérience de tombeur. Durant ces tête-à-tête, les deux hommes règlent leurs comptes. Liam reproche à son géniteur d'avoir abandonné lâchement sa mère. Obligé de vivre avec cet alcoolique, il se sent désespérément seul. Rick tente de se justifier, mais très vite cède à la brutalité, dont il aime se vanter. Pourtant il promet de renoncer à ses cannettes et Liam ne boude pas ses conseils.

La mise en scène adroite de Jean-Michel Van Den Eeyden maîtrise la tension dramatique et pousse chaque comédien à révéler progressivement la complexité de son personnage. On sent d'emblée que Rick se prend pour un mâle dominant, fier d'avoir cassé la gueule à un rival. Jean-Luc Couchard joue les matamores, mais sous l'outrance percent les fêlures. Cet homme belliqueux, imbu de lui-même a des regrets : "Je bois depuis que j'ai quatorze ans." Magali Pinglaut fait bien sentir que, sous une apparence provocante, Suze recherche la sérénité. Elle encourage Liam à tenter sa chance, mais sans lui forcer la main. Contrairement à Rick, dont la violence menace leur vie commune. Adrien De Biasi incarne un Liam déboussolé par la disparition de sa mère. Sans argent, il est condamné à subir une cohabitation toxique, qui perturbe ses relations sentimentales. Léone François est une Jen tiraillée entre l'enfant et l'adulte. Comme Liam, elle balbutie sa vie. Mais c'est une jeune fille plus lucide. Elle ne se sent pas à l'aise dans ce milieu paumé et lorsque'elle découvre la blessure de Liam, elle l'incite à rompre avec la violence

Le décor utilisé par la scénographe Sofia Dilinos est astucieux. Des panneaux pivotants, incrustés de portes, suggèrent différentes pièces. En se rapprochant, ils rétrécissent le salon et rendent l'atmosphère de ce huis clos plus étouffante. "Violence and son" nous sensibilise à différents problèmes de relations humaines, en évitant tout didactisme. Gary Owen construit des personnages qui nous touchent, parce qu'il leur permet d'avoir à la fois tort et raison. Subtile, mordante, parfois cocasse, sa comédie, jouée par quatre comédiens talentueux, mérite l'adhésion enthousiaste du public.

Jean Campion

Ivanov

Jean Campion — 2023-01-17T14:59:36Z

Durant ses études, Georges Lini s'était attaqué au théâtre de Tchekhov et avait été déçu par cet auteur "chiant". En l'incitant à lire "Ivanov", sa pièce préférée, Vincent Lecuyer l'a poussé à revoir son jugement. Coup de foudre ! Mise en valeur par la traduction subtile d'André Markowicz et Françoise Morvan, cette comédie dramatique met aux prises un antihéros qui cherche désespérément un sens à son existence et une société au bord du gouffre. Proche de la nôtre. Une ressemblance soulignée par l'intrusion des comédiens dans le public et le dispositif bifrontal.

Borkine (Thierry Janssen), gestionnaire de la propriété d'Ivanov (Vincent Lecuyer), peste contre sa passivité. Il préfère lire et continuer à s'endetter, plutôt que de gagner facilement de l'argent, en suivant ses suggestions. Le docteur Luov (François Sauveur) lui reproche aussi son inertie. La maladie de sa femme Anna Petrovna (Anne-Pascale Clairembourg) s'aggrave. Une cure en Crimée pourrait la soulager. Refus catégorique d'Ivanov : il ne peut pas lui offrir ce luxe. En réalité, pendant plusieurs années, il a aimé sincèrement cette femme juive, qui a renoncé à sa religion pour l'épouser. Mais maintenant, son amour, sa tuberculose le laissent indifférent. Désarçonné, il "se sent profondément coupable, mais ne comprend pas en quoi consiste sa faute".

Les petits bourgeois qu'il côtoie chez les Lebedev ne se posent pas de questions. Ils se contentent de jouer leur rôle, en respectant les conventions sociales. Ils font la fête, colportent des ragots, se chamaillent, boivent comme des trous... Une agitation qui leur donne l'illusion de vivre. Chabelski (Pietro Pizzuti) était riche, relativement heureux. Il est devenu un parasite, un bouffon : "Je m'indigne, je crache mon mépris et ça fait rire tout le monde." Babakina (France Bastoen) est une veuve fortunée, qui aimerait bien l'épouser. Pour devenir comtesse. Kossyh (Stéphane Fenocchi) est obsédé par les jeux de cartes. Nazarovna (Cécile Van Snick) se vante de ses talents de marieuse et Doudkine (Félix Vannoorenberghe) est un pique-assiette qui a beaucoup d'aplomb.

Zinaida (Marie-Paule Kumps) est heureuse de recevoir cette faune remuante. Cependant son avarice et ses préjugés en font une créancière impitoyable. Ivanov n'aura droit à aucun délai, pour rembourser ses dettes. Comme la plupart de ses "amis", elle croit que celui-ci a épousé Anna Petrovna, la "youpine", par intérêt, alors que les parents de la jeune fille, se sentant trahis, l'ont déshéritée. Lorsque sa fille Sacha ( Mélissa Diarra) lui avoue aimer Ivanov et prétend l'épouser, même sans dot, Zinaida pique une crise de nerfs. Lebedev, son mari (Luc Van Grunderbeeck) lui obéit à contre-coeur. Cet homme désabusé, qui attend la mort en se soûlant, a des accès de générosité. Il s'incline devant la détermination de sa fille et souhaite sincèrement son bonheur. Impressionné par l'amour fervent de Sacha, Ivanov s'interroge : est-il capable de la rendre heureuse ?

Même si Ivanov nous déçoit par sa paresse, son immobilisme, son indifférence, sa lâcheté, il a le mérite de s'élever au-dessus de la mêlée. Il refuse la médiocrité des autres personnages, parfois complexes, mais qui se contentent de vivre en sursis. L'exubérance de cette société qui se nourrit de beuveries, de jeux et de commérages s'oppose violemment à la réserve mélancolique de l'antihéros. En mêlant des comédiens débordant de vitalité aux spectateurs qui se font face, la mise en scène de Georges Lini nous plonge au coeur de cet affrontement. Toujours présents sur le plateau, les personnages entendent ce qui se dit sur eux et mesurent la puissance destructrice des cancans. Créée en 1887, la pièce de Tchekhov trouve des échos sinistres dans notre société malade et déboussolée. La troupe d'excellents comédiens, dirigée avec rigueur par Georges Lini, nous le confirme avec brio.

Jean Campion

Edmond

Palmina Di Meo — 2023-01-10T13:51:59Z

Fin XIXème dans le Paris des grands boulevards où Feydeau règne en maître, Edmond Rostand, jeune auteur et père de deux enfants, a enchaîné quelques bides. Sa situation financière est au plus mal. Il doit absolument trouver l'idée géniale qui lui permettra de regagner la confiance de son épouse, la poétesse Rosemonde Gérard. Son amie Sarah Bernhardt pour laquelle il a écrit "La princesse lointaine", une pièce qui vante la beauté légendaire de Mélissinde, princesse de Tripoli, lui présente Constant Coquelin, acteur fétiche aux multiples démêlés avec la Comédie-Française, qui voit en Rostand un idéaliste talentueux. Il accepte de promouvoir Rostand à condition que ce soit dans une comédie ! En panne d'inspiration, Rostand promet pour les fêtes de fin d'année un chef d'oeuvre en vers qu'il doit écrire en un temps record et dont il n'a que le titre : "Cyrano de Bergerac"... et une caractéristique physique : un nez énorme ! inspiré des écrits de Théophile Gauthier à propos du nez de Savinien de Cyrano de Bergerac, libre penseur et polémiste que Rostand admirait beaucoup et peut-être, qui sait ?, du nez retroussé de Coquelin qui s'était vu refusé le rôle de Néron au Théâtre de la Renaissance par Sarah Bernhardt en raison du "comique de son nez ouvert à tous les vents, humant la joie de vivre".

Théâtre dans le théâtre, "Edmond" nous immerge dans la création d'une oeuvre mythique du théâtre français, véritable miracle d'improvisation d'un auteur sous pression qui s'inspire de son entourage et de ses propres émotions pour créer un personnage poétique et tourmenté élevé au rang d'archétype. Michalik, considéré comme le génie du théâtre français contemporain, l'abonné aux Molières, s'empare du contexte de l'époque pour recréer la genèse et l'ahurissement de la première au Théâtre de la Porte-Saint-Martin le 28 décembre 1897 face à un public en délire qui plébiscite l'oeuvre par de multiples rappels pour une durée d'ovations de plus d'une heure alors que personne ne croyait à cette oeuvre, à commencer par Rostand lui-même. Michalik, pour autant, ne se rêvait pas metteur en scène mais réalisateur. C'est l'absence d'intérêt des producteurs pour faire d'"Edmond" un film qui le pousse à se tourner vers la scène. S'inspirant du "Shakespeare in Love" de John Madden, compilant tout ce qu'il trouve sur Rostand et Cyrano, fignolant par des touches personnelles, empruntant à tous les genres - cinéma, séries, feuilletons, romans d'aventures-, la pièce est présentée au tout-Paris par le Théâtre du Palais Royal le 15 septembre 2016. C'est un triomphe. Michalik a très bien compris les attentes des spectateurs du XXIème siècle : du rythme, des rebondissements, des gags, des changements de décors aussi rapides que des plans de cinéma .... Bref, du divertissement populaire comme seul le XIXème siècle pouvait en offrir. Alors, l'esprit de troupe est poussé à son point culminant, une poignée de comédiens se démultiplient en une foule, pas de vedettes mais des rôles interchangeables, des changements de costumes en direct, des acteurs qui montent et démontent le décor pour un total de 80 tableaux différents. C'est tellement rapide que l'on s'y perd. Couronné de 5 Molières, le succès qui semble intarissable permet à Michalik de tourner le film 3 ans plus tard et il reçoit deux nominations aux Oscars. Une belle histoire faite pour durer ...

Le Public choisit la pièce pour fêter les 25 ans du théâtre en septembre 2019 dans une distribution belge qui n'a rien à envier à la version française. Et c'est un accueil tout aussi enthousiaste qui récompense les prestations des 12 comédiens qui s'affairent en scène pendant que le public s'installe, ressuscitant l'ambiance des cabarets et des théâtres de la Belle Epoque. Et puis le spectacle démarre au son des 3 coups. On roule le tapis. Monsieur Honoré, le tenancier de taverne qui fait office de transition, nous emmène dans les coulisses du théâtre de la Renaissance, chez la maniérée Sarah Bernhardt qui rentre d'une tournée américaine pour créer "La princesse lointaine". En dépit de la cadence éffrenée, la mise en scène de Michel Kacenelenbogen ne lésine pas sur les exigences de décoration et l'ameublement d'époque.

Côté distribution, Tristan Schotte est un Edmond rongé par le doute, acharné à l'écriture au milieu des travaux domestiques. Il est encouragé par son ami Christian (David Dumont) qu'il va aider à séduire Jeanne alias Elsa Tarlton (alias Roxane). Perrine Delers incarne une Maria Legault capricieuse, brutalement évincée du rôle de Roxane en dernière minute. Itsik Elbaz s'impose dans la double veste de Coquelin/Cyrano et nous enchante avec la fameuse tirade du nez, moment magique entre tous. A la fin de la représentation en 1897, Coquelin s'était-il pas tourné vers Rostand : « Ça c'est un rôle ! Je lance le vers dans la salle et je le reçois en écho sur le nez ».

Entre réalité et fiction, nous voilà plongé pendant deux bonnes heures dans le monde bigarré et saltimbanque des "artistes" du XIXème et dans le désastre des répétitions de la pièce aux disputes et aux chamailleries incessantes. On se régale des évocations de personnages illustres comme Méliès, Feydeau, Labiche, Courteline, Ravel, Tchékov et des détails de mise en scène de l'époque héroïque de Rostand.

Un excellent moment à vivre surtout en pleine connaissance du contexte.

Palmina Di Meo

Tout ça ne nous rendra pas Noël

Palmina Di Meo — 2023-01-09T12:52:26Z

Chez Charlotte et Dany on réveillonne en famille avec petits fours, chapon farci, champagne et alcool que l'on tient plus ou moins bien.
Comme dans toutes les familles, il y a ceux qui ont "réussi" et les loosers. Et comme dans presque toutes les familles, il y a le grand ado qui ne descend de sa chambre que pour le dessert qu'il mange en regardant son écran.

Chez Charlotte (Odile Mathieu) et Dany (Pierre Lafleur), un agent de footballeur pas plus honnête qu'il n'en faut, ce soir de réveillon est un peu particulier. On vient d'enterrer le grand-père, Papy Edouard, qui ne laisse derrière lui que quelques bricoles et pas trop de regrets. Pas question d'annuler le réveillon !

C'est Charlotte qui a eu l'idée de glisser sous le sapin des cadeaux anonymes à piocher, cadeaux à 5 euros max. "Une idée débile dans une barraque à 3 millions" dixit Jefferson (Thibault Packeu), le fils que Dany a eu avec Anna sa première femme ("la plus belle femme de Bruxelles"), toujours présente dans les conversations familiales au désespoir de Charlotte qui en devient hystérique.
Pour l'occasion, Will (Thibaut Nève), vieil ami de Dany et ex d'Anna, vient de débarquer de Londres avec sa nouvelle compagne Ariane (époustouflante Bwanga Pilipili), cadre supérieur dans une banque suisse.

L'ex beau-frère de Dany et oncle de Jeff, Stéphane (Fred Nyssen), rocker dans la cinquantaine, artiste méconnu et sans le sou, a retrouvé parmi les legs de Papy Edouard quelques photos et BD qu'il compte glisser sous le sapin en même temps que de vieux CD de ses mémorables concerts dans l'un ou l'autre café de la capitale.

Tout se passe cahin-caha jusqu'au moment où Will se rend compte que parmi les cadeaux figure "Tintin au Congo" d'Hergé que Stéphane a spécialement réservé à Jeff. Will, juriste international bien-pensant et bien pédant, explose la soirée. Montant sur ses grands chevaux, il en fait une affaire d'état et la soirée devient une tribune où le passé colonial de la Belgique ainsi que les affinités politiques douteuses des ascendants familiaux refont surface sous les regards indifférents de Jeff et Ariane qui apparemment à mieux à faire qu'entrer dans la mêlée.

Albert Maizel, co-directeur du TTO, signe ici un véritable vaudeville avec des personnages croqués sur des gabarits de BD. C'est de son expérience personnelle du racisme en société que le spectacle tire son souffle. "Ca vous tombe dessus quand vous avez vraiment mais vraiment autre chose à faire ou que les circonstances ne s'y prêtent absolument pas"..." Loin de vouloir refaire un énième procès du colonialisme, l'objectif est ici de revendiquer le droit à l'indifférence en tant qu'Africain quand LE "sujet" vous tombe dessus au moment le plus mal choisi. Le personnage d'Ariane, central dans le dilemme qui déchire la tablée (fallait t'il offrir ce cadeau dont personne ne se souvient du contenu ou le brûler), va donner à l'intrigue une tournure inattendue comme un bol d'air frais après une soirée orageuse.

Nathalie Uffner offre au spectacle une mise en scène soignée assistée par Charly Kleinermann pour un décor qui dynamise la pièce. Tout se passe dans la cuisine cossue des hôtes, une manière d'éviter une discussion assise qui aurait alourdi les propos. Ici les portes claquent, les confidences se libèrent et le frigo en prend un coup !

On ne peut que recommander ce spectacle qui n'a pas la prétention de faire débat mais reste un moment de franche détente grâce à l'interprétation impeccable et typée de tous les comédiens.

TOÂ

2023-01-09T11:44:50Z

Vaudeville explosif pour le spectacle de fin d'année de la Comédie de Bruxelles avec Toâ, une des pièces les plus introspectives de Monsieur Guitry. On connait bien sûr l'art de Guitry de parler de lui-même et de ses expériences conjugales au théâtre mais ici la mise en abîme vie privée/vie publique est particulièrement fusionelle.

Le rideau s'ouvre sur une fracassante crise de nerf d'Ecaterina, la maîtresse de Michel Desnoyers (Daniel Hanssens), un homme de théâtre à succès. Après avoir brisé en coulisses une partie du mobilier, Ecaterina (Christel Pedrinelli) rompt avec son compagnon sans donner d'explication. Michel, resté impassible face à la fureur dévastatrice de sa slave amoureuse, décide d'en faire le sujet de son prochain spectacle. Ce sera sa soeur, la belle Françoise de Calas (Stéphanie Van Vyve), femme de son ami Fernand, qui se glissera dans la peau d'Ecaterina tandis qu'il tiendra son propre rôle... dans son propre bureau reproduit à l'identique sur scène avec ses propres domestiques dans leur propre rôle et particulièrement la fidèle Maria (Marie-Hélène Remacle), comédienne innée pratiquant tous les jours l'art de la dissimulation. Bref de quoi créer une illusion parfaite et on s'attend à découvrir l'épilogue de l'histoire. Seulement voilà, Guitry n'est pas seulement le maître de la répartie mais aussi un virtuose de la surprise. Et la pièce de Michel Desnoyers va prendre une tournure inattendue quand Ecaterina s'introduit dans la salle pour vérifier ce qu'il aura le culot de dire d'elle...

Ecrite en 1949, Toâ est une réplique à un quolibet dont l'affublaient ses critiques : Monsieur Moâ. "Pauvres sots qui me reprochez ma façon de dire moi. Si vous étiez de mes intimes, vous sauriez comment je dis toi..." Guitry se plait à se glisser ici dans la peau d'un double pour une auto-critique et une fabuleuse leçon sur les ressorts de la comédie. La pièce rompt déliberemment le quatrième mur et opte pour une modernité qui nous rend Guitry proche et vulnérable. Un tour de prestidigitateur virtuose et rusé.

Mise en scène soignée, décor grandiose tout droit sorti des caves des Galeries, costumes de rêve, tout a été minutieusement préparé pour un succès. Mais ce qui fait la réussite incontestée du spectacle, c'est le talent des comédiens, tous si naturels et exubérants à la fois. Ils rendent à Guitry son panache et prouvent que son théâtre n'a rien de désuet mais que la fougue et la passion traversent les siècles sans prendre un pli.

Un spectacle idéal pour une soirée de détente et de rires.

Est-ce qu'on ne pourrait pas s'aimer un peu ?

Jean Campion — 2022-12-26T22:13:26Z

"Est-ce qu'on ne pourrait pas s'aimer un peu ?"a été créé il y a 22 ans, au Théâtre des Riches-Claires, par le trio qui fête aujourd'hui sa 1200e représentation. Fuyant le romantisme à l'eau de rose, les auteurs ont misé sur l'absurde pour montrer, en particulier aux ados, les pièges tendus par le "grand amour". Si pas mal de jeunes ont contesté cette démystification, des publics chaleureux ont applaudi l'originalité de ce spectacle réjouissant. Comme les grands films muets de Charlie Chaplin, il défie le temps, en privilégiant le comique visuel, pour susciter les émotions.

Arborant des tignasses provocantes, un nez rouge et des vêtements excentriques, un homme et une femme s'installent aux extrémités d'un grand divan. Le trac les paralyse. Encouragés par la musique, ils tentent de timides rapprochements. Avec une gaucherie cocasse. Au deuxième round, les masques tombent. L'homme se montre plus entreprenant, mais exaspéré par la fausse pudeur de l'objet de ses désirs, il critique sèchement son hypocrisie.

Une dizaine d'autres séquences illustreront avec un humour tendre ou caustique différents dangers qui menacent la cohésion du couple. Par exemple l'égoïsme aveugle du mari de Chantal. Imbu de lui-même, il lui coupe systématiquement la parole, pour pérorer sur la réussite de leur union. On comprend la rage et les désirs de meurtre de cette femme ignorée. Parfois le bonheur fait peur. Deux amants qui viennent de faire l'amour discutent de leurs sentiments. Chaque jour elle l'aime davantage. Lui, prétend éprouver la même sensation, mais brutalement... la quitte. La jalousie bien sûr est un poison. Il suffit qu'Eric De Staercke sourie gentiment à une spectatrice pour que Sandrine Hooge la fusille du regard.

Si ce spectacle insolite nous intrigue, nous séduit et nous fait souvent éclater de rire, c'est parce qu'il utilise efficacement le langage du cirque. Acteurs et metteur en scène sont reliés par le chaînon du clown : "Nous avons créé davantage dans l'action que dans la réflexion, presque spontanément, sans prise de tête." Formée à l'Ecole du cirque, Sandrine Hooge nous épate par l'audace de ses cabrioles et l'élasticité de son corps. Comme sa partenaire, Eric De Staercke privilégie le mime, pour exprimer la naïveté, la prétention ou la brutalité. Tous deux se contorsionnent dans des bagarres, dont la violence fait grimacer leurs visages en caoutchouc. La mise en scène précise et inventive de Jaco Van Dormael fait émerger des images signifiantes, tout en imposant à la représentation un rythme haletant. Serge Bodart soutient musicalement le spectacle, mais quitte parfois son piano, pour rendre service à sa femme. Un mari plan-plan , à l'opposé des énergumènes maladroits en amour.

Malgré leur agressivité et leurs échecs, ces paumés inspirent la sympathie. Les scènes burlesques, qui soulignent leur peur de la solitude et leur refus de l'indifférence nous touchent davantage que certaines parodies plus gratuites. Les échanges entre Inge et Kurt se contentent de ridiculiser la raideur germanique. Et le pastiche de vaudeville se borne à agiter des marionnettes. Cependant le public conquis justifie par son enthousiasme, une nouvelle reprise de cette comédie inoxydable.

Je mène une vie scène

Jean Campion — 2022-12-21T11:36:22Z

Dans "Andropause" (2019), Bruno Coppens baissait le masque , pour nous confier son parcours singulier et révéler "l'homme avec ses fêlures, ses doutes, ses questions." Ce dialogue avec son public dissipait sa crainte du vieillissement et bourré d'énergie, il nous poussait à mordre dans la vie. Un élan cassé brutalement par la pandémie. Après des mois de frustration, le "trublion mélancomique" retrouve la scène et le plaisir d'entraîner les spectateurs dans son univers décalé. Les plaisanteries sur leur âge, leurs transformations en sapins et les photos de famille soulignent la connivence entre l'artiste et son public.

Juché sur la bicyclette qui lui a permis de garder la forme, malgré le confinement, le comédien est rayonnant. S'il pédale allègrement, c'est pour lutter contre la crise énergétique. Ses efforts permettront d'éclairer les trois salles du "Public". Ce vélo reliera plusieurs séquences, puisqu'il deviendra une harpe, le bureau d'un "gologopède" et le véhicule d'un Délveroo. Dans la lignée de ses cafés serrés, Bruno Coppens vise différentes cibles avec un humour grinçant. Des vannes sur les politiciens incompétents, indétrônables et sur des Français prétentieux qui regardent de haut une Belgique, qu'ils ignorent. Leur mémoire n'a retenu que le roi Baudouin et l'irrésistible Michel Dardenne. Les Wallons horripilent tout autant l'humoriste. Par leur passivité devant les multiples reports du RER et les chantiers hors de prix qu s'éternisent. Autre source d'exaspération : la déshumanisation. Bruno Coppens s'est révolté contre le robot intégré dans son ordinateur, quand celui-ci a eu l'impudence de lui poser une question ridiculement simple, pour vérifier... s'il n'est pas un robot.

Cet héritier de Sol et de Raymond Devos nous fait partager sa passion pour la langue française. Il plaint les mots orphelins comme "belge, goinfre, monstre, etc." qui ne riment avec aucun autre. Il nous montre aussi que si un Canadien, un Français, un Belge ou un Suisse utilisent une expression locale, pour exprimer la même idée, ils risquent de s'enliser dans les malentendus. Cet inventeur de mots tordus, tremplins de délires poétiques, est bien décidé à rédiger une Grammaire Gréviste. Son sens de l'absurde lui fait imaginer un dialogue burlesque entre un enfant dyslexique et son "gologopède", tout aussi maladroit. Bruno Coppens aime autant les sonorités que le sens des mots, mais ne voit pas d'images. Contrairement à Eric De Staercke, son vieux complice, qui transforme les jeux de mots en situations concrètes. Exposées à la gare des Guillemins, les montres molles de Dali influencent les trains qui, en ralentissant, agacent les voyageurs.

Raymond Devos aurait 100 ans... Bruno le fait revivre avec ferveur et tact par la voix, la gestuelle et des variations drôles et tendres sur son gros ventre. Ce ventre qu'il exhibait généreusement et qui engloutissait "le petit poussin mignon à croquer".

La Fontaine est un autre phare pour ce jongleur de mots, qui s'amuse à nous réciter "Le Corbeau et le renard" en verlan, puis actualise "Le Chêne et le roseau". Soutenu par des lumières crues, il illustre le défi lancé par l'ours arrogant Vladimir Poutine au fragile mais coriace Volodymyr Zelinsky. Des rafales de néologismes, des explosions de colère pour dénoncer la guerre dans toute sa bêtise, dans toute son horreur. Toutes les séquences n'ont pas ce brio. Ainsi la parodie du "Sud" de Nino Ferrer manque d'originalité. Mais ce spectacle confirme l'osmose entre l'artiste et son public. On admire sa maîtrise et on comprend que la scène qui le galvanise est un garant de sa santé.

Jean Campion

Si j'étais moi

Catherine Sokolowski — 2022-12-19T11:15:54Z

Sven Punti Larsen est un homme d'affaire finlandais, « extraordinairement riche et puissant ». Il est le digne héritier de ses ancêtres, industriels et commerciaux. Cependant, tout comme eux, il devient anarchiste, compréhensif et généreux lorsqu'il a bu. « Si j'étais moi » s'inspire du théâtre politique de Bertolt Brecht, qui, dans « Maître Puntila et son valet Matti » (1940), illustre le thème de la lutte des classes. Sven Punti peut être vu comme le petit-fils de Maître Puntila. Avec son chauffeur, il parcourt les rues de Bruxelles dans un road trip déjanté, à la veille d'une importante réunion que l'homme d'affaires doit présider à la Commission Européenne. Une transposition contemporaine qui dénonce les dérives du néolibéralisme.

Une partie des spectateurs est assise autour de deux longues tables rectangulaires, comme celles qu'on peut imaginer meubler les conférences au sommet. Quelques objets illustrent çà et là le propos des comédiens. Sven (Fabrice Schillaci) et Emma (Marie-Hélène Balau qui campe la sœur de l'industriel) prennent également place à table.

Co-président de la commission mixte et extraordinaire pour la relance de l'économie en Europe, Sven Punti Larsen se rend à Bruxelles afin d'y présenter un discours d'inauguration à la Commission Européenne. Désigné comme expert, on lui remettra également le « Golden trophy » du businessman européen de l'année. Il reçoit ces honneurs pour son engagement pour le respect de l'environnement dans l'industrie pétrolière du Grand Nord (!).

Dans un lointain passé, après une soirée arrosée, la sœur jumelle de Sven s'est éclipsée et n'a jamais réapparu. Rebelle de la tribu, elle convainc le chauffeur de son frère (Audric Chapus) de le faire boire afin qu'il présente un discours radicalement différent en haut lieu.

S'en suit un road trip burlesque dans les rues de Bruxelles, avec un Sven survolté, ivre et délirant, un chauffeur qu'il voudrait pour ami, et une Emma très déterminée à transformer l'idéologie élitiste de son frère.

Le rêve ne se dissocie plus de la réalité.

Une mise en scène originale, trois acteurs au mieux de leur forme, un thème important mais quelques longueurs : le discours n'évolue pas vraiment et devient vite récurrent même si la pièce est intéressante, dénonçant la domination de la finance, les inégalités et les abus de pouvoir. Une création de Mathias Simons.

Catherine Sokolowski