Demandez Le Programme

Valérie Lemaître

Nadine Pochez — 2008-06-04T12:04:50Z

Valérie Lemaître souhaite une revalorisation des productions artistiques belges. Tant mieux ! Notamment : ll Cortile au ZUT en juin, les festivités cannoises, un projet de série télé alléchant, une résidence au Public…

Valérie Lemaître souhaite une revalorisation des productions artistiques belges. Tant mieux ! Notamment : ll Cortile au ZUT en juin, les festivités cannoises, un projet de série télé alléchant, une résidence au Public…

Vous assurez la mise en scène de Il Cortile au ZUT du 5 au 27 juin. « Une carte blanche à la jeune création », mentionne le flyer. D'où vient le projet ?

En novembre 2007, SteveDriesen me contacte pour me faire lire une pièce afin de m'en proposer la mise en scène au ZUT. J'avais déjà eu l'occasion de voir Il Cortile aux Brigittines en 2004. La mise en scène était alors assurée par l'auteur et sa compagnie. C'est un texte tellement magnifique que même sans un salaire, j'ai accepté l'engagement.On travaille gratuitement. Nous disposons de 1500 euros pour réaliser une scénographie et des flyers. Nous gagnerons de l'argent à la participation. C'est un projet qui se fait avec le cœur et non pas pour l'argent. Il Cortile raconte superbement l'histoire de 3 hommes abandonnés par la société. Echoués dans une cour [1] pleine de déchets et d'immondices, Pepe (Steve Driesen), Tano (Nicolas Ossowski) et Untel (Youssef Khattabi) – vont ressasser leurs souvenirs et leurs rêves.
Le monde extérieur est complètement perdu. Ces 3 hommes vont s'accrocher à ce qui reste de l'Humanité. Parler, se souvenir, exister, c'est probablement tout ce qui leur reste.

L'auteur, Spiro Scimone est sicilien. Comme moi, il est auteur et comédien. Son univers est très contemporain.
D'abord parce que sa langue s'adresse au plus grand nombre de façon poétique et universelle, ensuite parce que les êtres qui peuplent ses pièces sont pour la plupart des exclus, des laissés pour compte, des êtres sacrifiés, bafoués par la famille, par les patrons ; des petites gens dont personne ne se soucie et que la société a mis de côté parce qu'ils ne cadrent pas avec l'idée matérialiste et consommatrice de notre époque.
Dans le travail nous avons exploré la condition des SDFS qui peuplent nos villes. Pour moi c'est la première image très forte qui se dégage de ce texte. La survie dans la rue, la recherche de nourriture, la faim, les coups, la pénurie, le froid, le regard des autres, la saleté, les maladies, la solitude extrême, l'humiliation, la pitié, le vieillissement prématuré…

Avec ses répétitions, ses silences, son rythme, ses situations surréalistes qui renvoient au réel, ses alternances tragi-comiques, et finalement son souffle terriblement humain, l'écriture de Spiro Scimone est une excellente « matière à jouer ». D'instinct, je l'ai traitée comme une comédie italienne parce que je pense que la pièce est écrite comme cela ; Scimone est un acteur et il a le rythme des mots dans la peau. Son intention est, je crois d'utiliser le rire pour ne pas tomber dans le pathétique d'une situation qui finalement ne nous ferait pas plus réagir que les nouvelles terribles qu'on apprend le matin à la radio. Le rire a plusieurs vertus : il déplace les foules et il est terriblement corrosif quand il peut. Il aide à la prise de conscience en restant actif, il facilite la lecture des images et des situations tragiques.
L'alternance tragi-comique reste pour moi la meilleure des représentations de notre condition humaine.
La traduction du texte par Jean-Paul Manganaro est excellente. Elle sent encore l'Italie, la Sicile.
Le spectacle dure une heure et j'espère pouvoir apporter aux spectateurs une prise de conscience, si infime soit-elle, sur la condition humaine...

Aviez-vous déjà travaillé au ZUT ?

Non, c'est la première fois. J'ai pu voir certaines de leurs productions et leur démarche me plaît beaucoup. Malgré l'enthousiasme des critiques par rapport à son travail, Georges Lini ne dispose d'aucun moyen financier. Il Cortile sera leur dernier spectacle dans le lieu originel du ZUT. Ce qui est symbolique par rapport au thème de la pièce : un lieu abandonné des hommes. La saison prochaine, le théâtre s'établira au 210.

Vous êtes une comédienne polyvalente. Vous pratiquez la danse, la mise en scène, l'écriture au théâtre comme au cinéma, et même l'enseignement.

J'aime beaucoup l'enseignement. Mais, je préfère le pratiquer de façon sporadique. La matière enseignée aux élèves provient de ce que j'apprends sur le terrain. Je trouve judicieux, tout comme pour la mise en scène, de pouvoir exercer des deux côtés. L'enseignement au sein de Parallax me convient donc car il s'agit de modules de trois mois à chaque fois.
J'aime aller et venir dans les différentes disciplines. Mon parcours est atypique : j'ai commencé l'Université et le Conservatoire simultanément. Très tôt, j'ai eu la grande chance d'être engagée au théâtre. Parallèlement, j'avais repris des études au Centre d'Études Théâtrales à Louvain-la-Neuve. La danse contemporaine a toujours fait partie de ma vie. Enfin, à 27 ans, j'ai commencé l'écriture. Les histoires des gens et du monde me fascinent. J'aime les raconter sous des formes humoristique et surréaliste. Ma première pièce fut Kontainer Kats
Pour le cinéma, j'ai coécrit un scénario de court-métrage avec Martine Doyen, et enfin, un long-métrage Komma
[2], coécrit avec elle encore.
J'ai toujours senti qu'exercer le métier de comédienne uniquement, ne me suffisait pas.

Vous avez une activité de prédilection ?

Non, car j'aime à faire des allers et retours dans ces différentes disciplines. Jouer fera toujours partie de ma vie : c'était mon premier rêve de gamine. Mais, je suis une boulimique de travail. Quand je ne crée pas, j'ai l'impression de ne pas exister. Le métier de comédien est fait de moments de creux. Multiplier les tâches m'est toujours apparu comme la solution.

Vous avez œuvré avec Pietro Pizzuti, Patrick Descamps, Frédéric Dussenne, au Rideau, au Varia, à Villers-la-Ville,…. Vous avez également tourné en France l'an dernier avec le spectacle Ladycrackers au sein duquel vous dansiez et chantiez… Dans vos multiples expériences de scène, quelle est celle dont vous garderez un souvenir impérissable ?

J'ai eu la grande chance de jouer dans Le Quatuor d'Alexandrie au Festival in d'Avignon en 2002 sous la direction du metteur en scène Stuart Seide.
. C'était un grand moment. J'admire le travail de cet homme et donc j'avais envie de tout donner sur le plateau. Ensuite, j'aimais l'idée de jouer en dehors de mon pays, de rencontrer d'autres personnes, d'autres lieux.

Je garde également un excellent souvenir de mon rôle de premier plan dans le film Komma. Je suis en demande de Caméra. Mais, c'est compliqué car les places s'y font encore plus rarissimes qu'au Théâtre. J'adore l'image. Avec mon compagnon, Michelangelo Marchese, nous écrivons le scénario d'une série télévisée : Motel. Actuellement, nous réalisons ce que l'on appelle dans le jargon cinématographique « une bible ». C'est un développement de toutes les intrigues qui se dérouleront dans les 13 épisodes. C'est également les notes d'intentions à propos de la série, son concept… Nous avons la chance, sur ce projet, d'avoir un producteur flamand et un producteur francophone qui nous soutiennent. Avec cette bible, les producteurs pourront démarcher auprès des différentes télévisions. Cette série est un vieux rêve : nous sommes tous deux des enfants de la télé. C'est un média que je ne rejette pas, même si parfois il véhicule beaucoup de conneries.

Que raconte Motel ?

C'est un thriller fantastique qui se déroule dans un motel au fin fond des Ardennes. Ce motel a été bâti sur une ancienne pierre sacrée datant de l'époque celtique. L'histoire commence le 29 octobre et se termine le 3 novembre. Cette période est, pour les Celtes, l'occasion de la « Fête de Samain ». Elle célébrait le moment où l'Autre Monde rencontrait la réalité.

Je pourrai y jouer ?

(Rire) Oui, oui pourquoi pas ?!! L'objectif de cette série est également d'exploiter davantage le potentiel artistique belge. À mon sens, nous nous sous-estimons et nous sommes sous-estimés.

À Cannes aussi ?

Il y avait en tout six films belges présents cette année, parmi lesquels : les frères Dardenne que nous connaissons tous (Le Silence de Lorna), Bouli Lanners (Eldorado) et Joachim Lafosse (Elève Libre). Je trouve que la presse francophone belge ne les mettait pas assez en valeur. Hugues Dayez, l'animateur radio sur la Première ne parlait pas suffisamment des deux films belges sélectionnés à la Quinzaine des Réalisateurs
Par contre, dans la revue de presse internationale, un journaliste allemand titre « La Belgique, terre du cinéma » ! Les productions belges essaient de se calquer sur ce qui se fait en France. La Belgique doit se revaloriser. Nous devons être fiers de ce que nous faisons, parce que ce que nous faisons est de qualité. Nous avons des acteurs en Belgique d'un niveau bien supérieur à bon nombre d'acteurs français. On est très à la mode en France, mais on n'est toujours pas à la mode chez nous ! C'est la mentalité belge ! Mais ne perdons pas courage ! Il faut préserver notre identité et continuer à créer comme nous l'entendons. Nous sommes exagérément conditionnés à produire avec deux francs cinquante, à penser la création avec deux francs cinquante et à voir les portes se fermer sur notre nez !!! Les choses doivent changer !

Vous regardez les séries télé ?

Oui, avec Michelangelo, on en a regardé beaucoup : Les Sopranos, Nip /Tuck et Heroes sont des séries géniales ! Ma série-culte reste Twin Peaks de David Lynch.
J'ai vu également tout récemment une série flamande magnifique que je recommande à tout le monde : Matrioshki. Cette série anversoise s'est vendue dans le monde entier et les comédiens y parlent un patois flamand ! Eux n'ont aucun problème avec leur identité ce qui n'est pas le cas des francophones.

Vous aimeriez travailler avec David Lynch ?

(Rires) Ben oui ! Oh oui alors, évidemment !!!

Quels sont vos futurs projets ?

À partir du mois de septembre 2008, je serai pendant cinq ans en résidence au Public. Une fois par an, j'aurai la chance de pouvoir créer dans ce lieu. Je commencerai en jouant dans le nouveau texte de Yasmina Reza : Le Dieu du Carnage en novembre et décembre 2008. C'est l'histoire de deux couples qui se rencontrent afin de régler un problème de bagarre entre leurs enfants respectifs. La situation va bien vite dégénérer. En 2009, je mettrai en scène Mister Beats, l'un de mes textes.

Qu'est-ce qui vous ferait plaisir ?

Jouer davantage derrière une caméra. J'ai également une passion pour la tragicomédie car c'est le moyen de ne pas s'apitoyer sur notre sort et, à la fois d'être pertinent. Shakespeare est l'un de mes auteurs favoris : ses textes sont riches de situations fortes, de respirations comiques et de moments d'émotions. C'est ce que j'essaie de viser dans mon travail d'écriture.

Que peut-on vous souhaiter ?

Être complètement libre par rapport à mon travail, que tous les employeurs me fassent des tas de propositions, que je n'aie plus qu'à choisir (Rires) et, que, parallèlement à tout ça, j'aie les moyens de créer !

Propos recueillis par France Pinson, le 22 mai 2008
Crédits photos Il Cortile : Pierre Bodson©

Retrouver Valérie Lemaître OÙ, QUAND, COMMENT ?

Zone Urbaine Théâtre – Rue Ransfort, 81 -1080 Bruxelles
du 5 au 27 juin à 20h 30 : Il Cortile (mise en scène)
Réservations : 0498 109 440 info@zoneurbainetheatre.be

Théâtre le Public – Rue Braemt, 64-70 -1210 Bruxelles
du 12 novembre au 10 janvier 2009 : Le Dieu du Carnage (comédienne)

et déjà pour la saison 2009-2010 - septembre 2009 : création de Mister Bates (auteure)
.

[1] cortile en italien

[2] Résumé : Peter DE WIT, la cinquantaine, se réveille au beau milieu de la nuit et constate avec effroi qu'il est dans la chambre froide d'une morgue.
Comment en est-il arrivé là ? Il ne s'en souvient pas, ne veut pas s'en souvenir…
Sous l'identité d'un cadavre dont il a dérobé le portefeuille, Peter décide de prendre un nouveau départ, de s'inventer une nouvelle vie.
Sa silhouette de businessman mature erre dans les quartiers de la ville, glissant avec plus ou moins de brio dans la peau d'un personnage qu'il improvise au gré des situations ; Lars Erickson, un énigmatique homme d'affaires suédois de passage à Bruxelles.
Un soir, il tombe sur Lucie, une jeune artiste névrosée qui semble avoir perdu la mémoire.
Presque sans y penser, par un effet de vases communicants, la mythomanie de l'un comble l'amnésie de l'autre et Peter s'offre une place de choix dans la vie de la jeune femme…

Erika Sainte

Nadine Pochez — 2008-04-23T10:01:27Z

On peut la voir dans État Critique au Théâtre Royal des Galeries, ou alors bientôt dans une série TV sur internet : 39 Passage des Anges ... et déjà le teaser sur
http://www.lavraietelevision.com

Erika joue actuellement dans État Critique de Michel Lengliney au Théâtre Royal des Galeries, mais on peut déjà la découvrir dans le teaser d'une série de 13 épisodes de 45 min diffusée sur lavraietelevision.com : Elle est Celia Keel dans 39 Passage des Anges

Tu travailles aujourd'hui avec Adrian Brine, un metteur en scène anglo-saxon. Que penses-tu de votre collaboration ?

C'est le seul metteur en scène anglais avec lequel j'ai travaillé, je ne sais donc pas si ses qualités sont propres à sa personne ou à ses origines mais il est très fin dans sa mise en scène, hyper attentif aux comédiens. Il ne fait pas les choses en gros, il préfère fignoler son travail… C'est très agréable de travailler avec lui !

Quel rôle tiens-tu dans État Critique ?

J'interprète le rôle de la bonne de la famille Hugo. Elle est complètement irrévérencieuse mais la femme de Victor Hugo ne peut pas s'en séparer car elle amuse beaucoup son mari qui, disons, apprécie sa compagnie !

Tu as joué deux fois sous la direction de Lara Hubinont , deux fois sous celle de Jules-Henri Marchant, deux fois avec Elvire Brison et c'est maintenant la seconde fois que tu joues avec Adrian Brine… Ça te plaît de retrouver des metteurs en scène que tu connais ?

Oui, beaucoup ! C'est tout d'abord très rassurant car on se dit que les gens ont apprécié la première collaboration ! Et puis il y a une certaine facilité à retrouver quelqu'un avec qui on a déjà joué, les rapports sont plus simples sans pour autant perdre de leur richesse…Le fait que l'on se connaît nous permet surtout d'aller plus rapidement à l'essentiel.

Tu as fait tes études à l'IAD… C'était ta volonté première ? Ça t'a plu ?

Oui, je n'ai présenté que le concours d'entrée à l'IAD, je ne voulais pas aller ailleurs. Je m'étais renseignée et je trouvais que c'était l'école qui me
correspondait le plus. Je trouvais important de travailler l'aspect physique du métier, même si en tant que fille on me demande rarement de faire de l'escrime ou même de l'acrobatie… Et puis j'appréciais également le fait qu'on ait différents profs, et pas un professeur principal comme dans les Conservatoires. Comme on passait trois mois avec chaque prof, on devait très vite s'habituer à sa façon de travailler, et cette faculté d'adaptation m'a été très utile par la suite…

Avant l'IAD tu avais fait des humanités artistiques… Tu savais donc depuis toute petite que tu voulais devenir comédienne ?

J'ai fait du théâtre en cours parascolaires jusqu'à ma quatrième année en secondaire, année que j'ai ratée. J'ai préféré changer d'école et d'option et j'ai donc poursuivi mon cursus en humanités artistiques… Nous avions les mêmes cours généraux que les élèves « normaux », seules les options étaient remplacées par des cours de théâtre à l'Académie…

Tu as joué aussi bien au ZUT qu'au Théâtre du Parc … Quelles différences as-tu ressenties entre ces deux structures ?

Quand j'ai joué dans La Terre des Folles au ZUT, on a dû peindre les murs pour pouvoir ouvrir le théâtre ! Evidemment qu'au Théâtre du Parc on ne doit pas aspirer nous-mêmes les fauteuils pour que les abonnés puissent s'asseoir… Il y a donc un investissement et une ambiance différents, je me souviens qu'avec les gens qui bossaient au ZUT il y a trois ou quatre ans, on s'amusait beaucoup car on devait faire vivre ce lieu avec les moyens du bord ! Dans les grosses structures il y a moins de surprises, il ne faut pas comme au ZUT attirer le public, les enjeux sont différents ! C'est donc bien sûr plus émoustillant de bosser dans un théâtre comme le ZUT car il y a cette notion de danger qui fait que tout le monde est obligé de donner son maximum ! Dans les grandes structures, on a tendance à se sentir plus installé, on sait que les abonnés seront là l'année prochaine et on connaît leurs attentes… Après avoir bossé au ZUT, je me suis dit qu'il ne faudrait jamais que je perde de vue cette façon de jouer et de s'investir, qu'il fallait absolument éviter de considérer tout comme acquis…

Es-tu attirée par la mise en scène ?

Pas du tout ! Ça viendra peut-être plus tard mais pour l'instant j'ai envie d'être sur le plateau et de jouer les belles scènes, pas de les diriger ! J'adore jouer en fait ! (Rires)

Est-ce qu'il y a des rôles que tu endosserais avec un plaisir particulier ?

Il n'y a pas de rôles spécifiques que j'ai envie d'interpréter. Là je joue souvent les petites jeunes filles bien jolies et bien gentilles et c'est vrai que j'attends le moment où je pourrai jouer des « vraies » femmes ! Je dois sûrement pour cela attendre que mon corps change ou qu'une nouvelle génération de jeunes comédiennes arrive ! C'est selon moi davantage une question de travail avec certaines personnes plutôt que de rôles bien précis.
Evidemment que j'aimerais jouer des rôles plus consistants mais dans État Critique, j'interprète une petite bonne frivole et je m'amuse super bien ! Je n'ai juste pas envie d'être enfermée dans un rôle…

T'intéresses-tu au théâtre flamand ?

Pas assez du tout. La dernière pièce que j'ai jouée aux Martyrs - Mephisto Forever - a été écrite par un flamand [1] et c'était passionnant de voir les différences entre les deux adaptations [2] Je ne crois pas que je serais capable de jouer en néerlandais mais dans Vincent à Brixton [3], je partageais l'affiche avec un Hollandais qui ne parlait pas un mot de français mais qui jouait en français sans problème ! C'est un manque à combler dans ma carrière car je trouve que la scène flamande est très dynamique et ouverte, par exemple quand elle propose des pièces surtitrées en français….

Ressens-tu une angoisse par rapport aux saisons prochaines ?

Pour l'instant j'ai des contrats jusqu'en mars 2009, donc je n'angoisse pas trop. Et puis on ne peut pas choisir ce métier en niant cette réalité…Je savais très bien que j'aurais l'impression d'être la pire comédienne du monde quand on ne m'appellerait pas pour me proposer un rôle !

Est-ce que tu appelles parfois toi-même les metteurs en scène pour leur dire que tu aimerais travailler avec eux ?

C'est un truc que j'ai super du mal à faire ! Il y a des gens qui vont à toutes les soirées, à toutes les premières et qui n'hésitent pas à aborder les metteurs en scène. Moi j'en suis incapable ! J'ai dans mon agenda le nom de tous les metteurs en scène avec lesquels j'aimerais travailler mais je retarde chaque fois le moment de les contacter… Je trouve ça très dur de se vendre mais il faut le faire, c'est comme discuter ses contrats. C'est une partie du jeu que j'ai du mal à jouer, ça m'impressionne trop !

Tu as déjà un peu d'expérience au cinéma… Ça te plaît ?

Oui, j'adore ça ! C'est rare qu'on propose un rôle dans un long métrage à une jeune comédienne belge et inconnue mais si ça devait arriver je dirais oui sans hésiter ! Ce n'est pas du tout la même façon de travailler qu'au théâtre, mais je trouve ça super gai. Alors je passe quelques castings, mais je n'ai pas envie de m'expatrier à Paris et de prendre un agent pour absolument décrocher un rôle au cinéma…

Un petit mot au sujet de tes projets avec lavraietelevision.com ?

C'est un projet auquel nous tenons beaucoup. Tout est en place et on attend encore, comme toujours ... le nerf de la guerre. L'article paru en janvier dans La Libre explique cela très bien.

En conclusion, trouves-tu qu'il est dur de faire et de vivre du théâtre en Belgique ?

Il m'est difficile de répondre à cette question car pour l'instant j'ai eu beaucoup de chance… Je suis sortie de l'IAD avec deux contrats en poche et ça a continué comme ça… Mais il est évident que quand on voit la qualité des comédiens qui se présentent aux auditions, ça fait peur ! Il y a beaucoup de gens géniaux qui ne travaillent pas car il n'y a pas assez de place pour tous les talents… Je touche du bois car, même si je n'ai pas des dizaines de contrats par an ça va assez bien pour moi !

Interview : Solange De Mesmaeker – 21 avril 2008

Logo : Erika dans 39, Passage des Anges Image : Patrice Michaux

On pourra voir Erika Sainte dans État Critique au Théâtre Royal des Galeries du 29 avril au 18 mai et on la retrouvera avec plaisir du 6 novembre au 6 décembre aux Martyrs dans Les Revenants d'Ibsen.

[1] Tom Lanoye

[2] Alain van Crutgen

[3] mis en scène par A. Brine

Alain Lackner

Nadine Pochez — 2008-04-17T17:34:50Z

Carolo de l'année, Chevalier de l'Ordre de Léopold II, directeur du Vaudeville mais aussi comédien, metteur en scène, ouvreur… Il n'y a pas de sot métier dit-on. Alain Lackner coiffe toutes les casquettes et combine leur couleur pour faire vivre le théâtre du peuple à et de Charleroi.

Suite aux réactions reçues à la rédaction, l'équipe de comedien.be précise encore une fois que le texte des interviews n'engage la responsabilité que de la personne interviewée. C'est particulièrement vrai dans ce cas-ci.

Alain Lackner, vous êtes Chevalier de l'ordre de Léopold II.

Oui, d'ailleurs les comédiens du Vaudeville m'ont offert un cheval de bois qui va avec ☺ Oui, j'ai reçu cet honneur pour tout le travail fait pendant vingt ans au Vaudeville, enfin, à la direction du Vaudeville. Avant j'étais comédien. Je mets aussi en scène mais seulement depuis une dizaine d'années.

Vous avez aussi été élu « Carolo de l'année ».

Oui, c'est un concours organisé depuis trois quatre ans. J'ai été surpris d'être nominé mais je pense que c'est dû au problème que rencontre le Vaudeville cette année : il est exproprié. Donc on sensibilise tout le monde, autant le public que les médias. Je pense que la nomination est un coup de pouce par rapport à cela. Si j'ai été élu, c'est grâce aux spectateurs, c'est le peuple qui vote. C'est plus honorifique qu'autre chose ; j'ai remercié les spectateurs dans un communiqué de presse.

Vous êtes directeur, metteur en scène et comédien. Est-ce tout ? (Ironie)

Non, j'ai aussi fait les décors, je fais la trésorerie, je tiens les entrées…
Quand je suis entré au Vaudeville en 1987, c'était pour jouer dans Les Trois Mousquetaires, cette pièce était, en fait, un pastiche, et c'est là que j'ai fait la connaissance de Jean-Michel Thibault. Il s'est retrouvé ensuite en difficulté car ses décorateurs l'ont laissé tomber et c'est en tant que décorateur et comédien que j'ai commencé. Malheureusement le 6 décembre 1990 il est décédé. Alors la question qui se posait, était de savoir si on laissait mourir ce théâtre ou si on prenait son courage à deux mains pour le faire vivre. Comme c'est une passion chez moi, j'ai décidé de reprendre le théâtre, avec toutes les difficultés que ça comporte. Et vu la situation, je me suis retrouvé à faire beaucoup de choses : balayeur, décorateur, je m'occupais de l'administration et j'allais voir le ministre… C'est une très bonne formation et une bonne leçon de vie.

Le plus dur dans tout cela étant la gestion des comédiens. Dans le vaudeville en général, on construit une pièce autour d'un, deux voire trois comédiens qui sont très bons. Et on les retrouve dans d'autres pièces car il y a un attachement qui se fait entre eux et le public. Il m'est arrivé d'avoir des comédiens que j'ai beaucoup engagé et puis plus car j'ai laissé leur chance à d'autres plus jeunes et une certaine jalousie s'est installée. D'autres se prennent pour des vedettes et me disent que c'est grâce à eux que le théâtre à un certain succès. Je n'aime pas le vedettariat, il faut rester humble. Dans mon théâtre j'essaie de former une famille. Pour moi un premier rôle doit un jour accepter de dire : Madame est servie !

Par ailleurs, quand un vaudeville fonctionne, ça marche aussi au niveau financier. Donc on construit son programme en sachant que telle ou telle pièce va avoir beaucoup de succès et de bonnes retombées financières. Dans la même programmation, je peux ainsi monter autre chose de plus compliqué, de plus difficile, comme La Ménagerie de Verre de Tennessee William même si je sais que je vais rencontrer un public différent et que ça va être un four. Dans la région, il y a un public pour ce genre de pièce, un certain public est demandeur mais cela attire moins de monde qu'une comédie. Financièrement ça va être plus dur. Donc j'équilibre au maximum mon programme.

À partir du moment où vous avez repris le théâtre, vous n'avez pas tout de suite mis en scène. Pourquoi ?

Je ne m'en sentais pas capable. Je jouais, je me donnais des petits rôles en général. Il m'arrivait à l'entracte d'aller tenir le bar même quand je jouais.

Je me suis donné quelque rôle important comme Vol au-dessus d'un Nid de Coucou et certains rôles du répertoire de Molière mais c'était plus rare.

Donc vous avez mis en scène à partir de 1997. Quel a été le facteur déclencheur ?

Le fait accompli. J'avais demandé à quelqu'un de faire la mise en scène et ça ne fonctionnait pas ; je l'ai remercié et je me suis lancé. C'était un vaudeville j'avais peur mais j'avais l'expérience du vaudeville. Par contre après j'ai de suite monté Douze Hommes en Colère de Reginald Rose et cela a été ma première grande expérience.

Vous allez fêter les 25 ans du Vaudeville. Qu'allez-vous faire pour célébrer l'évènement ?

On va marquer le coup en reprenant la pièce Ladies Night [1] . Ça a été un évènement ! On avait même organisé des soirées rien que pour les femmes. Et jouer devant ce public féminin c'était très impressionnant..

Je n'organiserai rien d'autre parce que pour le moment je ne peux pas investir dans des spectacles qui coûtent trop cher vu que notre expropriation nous amènera à couvrir des frais dont on se serait bien passé. Je suis en contact avec le complexe des cinémas Marignan. Si ça fonctionne, cela engagera inévitablement des frais de déménagement et de transformation.
Si on déménage et qu'on se retrouve au Marignan, on fêtera d'autant mieux les 30 ans !

Il reste un « si » parce que le Vaudeville est en concurrence avec le cinéma Le Parc, cinéma d'art et d'essai. La ville s'oppose à mon projet et elle prétend y installer le cinéma Le Parc. Au départ je me disais qu'on pouvait s'installer ensemble, pourquoi ne pas avoir un endroit où se retrouve le cinéma et le théâtre mais je ne suis plus aussi convaincu.

Aujourd'hui soyons concret, il y a un manque de réalité par rapport à la culture à Charleroi. Tout le monde ou presque possède un grand écran et un lecteur DVD et les offres internet de vidéo à la demande sont de plus nombreuses, certains films comme Bienvenue chez les Ch'tis fonctionnent très bien et c'est tant mieux. Mais sinon le cinéma n'a plus autant de succès. D'autant plus qu'ici, ils (le cinéma Le Parc) veulent présenter des films en version originale dans une salle de 340 places. Mais qui ça va attirer ?

Alors qu'économiquement parlant, le théâtre du Vaudeville va attirer 4500 personnes par mois, les retombées économiques au niveau des restaurants et des boutiques vont être bien meilleures qu'avec le cinéma.

Si encore ils voulaient installer le cinéma dans une des deux petites salles dans lesquelles la capacité est de 120-150 places, alors d'accord et créons des évènements spéciaux dans ces salles-là.
Est-ce que la culture à Charleroi doit être faite uniquement pour une population extérieure ? Doit-elle aller à l'encontre du public carolorégien et du populaire ? L'avenir est au théâtre, j'y crois beaucoup

Le Vaudeville : en est-on venu au vaudeville par choix ou parce que le public n'était demandeur que de ça ?

C'est la question effectivement. Quand on porte un nom comme celui-là il faut assumer et les gens viennent ici pour se divertir.

Jean-Michel Thibault avait essayé de programmer autre chose et à sa suite, je le fais aussi. Sans prétention aucune, on essaie d'éduquer le public à autre chose.

J'ai programmé Jean Anouilh, des Molière… Petit à petit les gens y viennent. Ma programmation est donc faite pour leur plaire. Je programme par exemple Tout Bascule d'Olivier Lejeune dans laquelle il y a une bonne mécanique. Par ailleurs je programme la même année Petits Jeux sans Conséquence, pièce qui démarre sur le thème du mensonge ; cela va interpeller le public autrement. Je programme des comédies mais j'essaie chaque fois d'avoir quelque chose de différent.

Si , il y a 25 ans, Jean-Michel Thibault a appelé son théâtre « Le Vaudeville » c'est qu'il y avait une raison à la base…

Oui. Le problème à Charleroi ce sont les opérateurs culturels. Le Vaudeville est venu suite au Théâtre de l'Ancre qui a été fondé par Jacques Fumière, Didier Sustendael et Jean-Michel Thibault.

Au début du Théâtre de l'Ancre c'est Jean-Michel Thibault qui était programmateur et il y avait une association entre le théâtre et la Comédie Claude Volter. Claude Volter est venu jouer La Reine Morte, Long Voyage vers la Nuit, Pour Cent Briques t'as plus rien… À ce moment-là, le répertoire du Théâtre de l'Ancre était beaucoup plus diversifié. Il y a eu de l'engouement pour ce théâtre qui, à l'époque, n'avait pas de lieu propre. À partir du moment où le théâtre a obtenu sa subvention, son contrat-programme, un homme est sorti du lot : Jacques Fumière. Il en a été fini du théâtre de divertissement, il n'y a plus eu que du théâtre contemporain. Le trio n'existait plus non plus.

Ce n'était pas l'option de Jean-Michel Thibault. Il pouvait jouer des drames sans problème, mais sont but n'était pas là. Donc sur fonds propres il a créé le Vaudeville à Charleroi.

Sans vouloir jouer les martyrs, depuis lors moi je n'ai eu que des bâtons dans les roues. Si je dis à la fin d'une saison que j'ai fait 28 000 spectateurs, M. Fumière dit que ce n'est pas vrai ! Mais il n'a jamais mis les pieds dans ce théâtre, il n'est jamais revenu voir. On me dit qu'on fait du théâtre facile. Pour moi le théâtre de divertissement est quelque chose de très important. Je suis là d'abord pour distraire les gens et leur faire oublier leurs soucis. Et on peut faire passer des choses très sérieuses dans l'humour. C'est ma conception des choses et il n'est pas d'accord. Par rapport à mon travail, je n'ai jamais obtenu de reconnaissance. Il n'y a pas moyen d'obtenir un entretien au Ministère de la Culture pour s'expliquer clairement. Il existe une quantité invraisemblable de personnes qui croient que le théâtre contemporain est la meilleure des choses mais ces personnes oublient complètement l'avis du public.

Si Fumière estime que sa façon de penser est la meilleure, grand bien lui fasse. J'ai les mêmes problèmes avec le Palais des Beaux-Arts et avec Pierre Bolle. Je me rends compte que les grands opérateurs de Charleroi vont dans une certaine culture. Je ne dis pas que ça ne doit pas exister, qu'on ne doit pas offrir de théâtre contemporain mais dans le théâtre, c'est comme dans le système de l'enseignement et de l'éducation : tant qu'on n'a pas les bases, personne n'ira jamais voir du théâtre élitiste et contemporain. C'est ma façon de penser. Je pense donc que si Jean-Michel Thibault a choisi ce nom du Vaudeville c'est parce que lui voulait absolument offrir le divertissement, que ce soit un plaisir pour les comédiens mais aussi pour le public.

Comment voyez-vous le Théâtre de la Moutonnerie ? Est-ce un tremplin en attendant que le Vaudeville trouve une maison d'accueil ?

Il faut d'abord revenir sur un épisode extraordinaire de la ville… Il y a 5 ans, le propriétaire de l'espace Trianon — dans lequel se situe le Vaudeville — se retrouve avec des difficultés financières. Il possède aussi les cinémas Paradiso et Marignan et menace des les fermer s'il n'obtient pas une aide de la Ville transmise sous forme de détaxation communale sur les places de cinéma lorsqu'il organise des matinées pour les enfants, le troisième âge… Les commerçants craignent cette fermeture puisqu'ils perdraient des clients.

À ce moment, Monsieur Renard, échevin de la culture, et Monsieur Sonnet viennent me trouver car je voulais créer une école privée de théâtre avec une formation complète comme l'étude du corps, de la musique… Mais on a peur que cela se fasse ici à Charleroi, ils veulent la localiser à Mons, Liège ou Bruxelles mais pas à Charleroi. Je ne vois pas pourquoi car les gens sont demandeurs pour ça. Du coup je rentre un dossier et tout le monde finit par être d'accord, on veut bien m'installer au Paradiso et la Commune va me donner de l'argent pour que je la rétrocède sous forme de loyer. J'avais déjà dans l'idée de transformer les 4 salles : 3 salles de cours et 1 salle de spectacle complémentaire. Celle-ci aurait permis de proposer des spectacles très différents par rapport à la programmation du Vaudeville tout en donnant leur chance à des jeunes troupes et en même temps un lieu dans lequel ils pourraient s'exprimer. Finalement, le propriétaire a dit non et a vendu. Donc mon projet est tombé à l'eau. Je suis retourné voir le Bourgemestre Jacques Van Gompel …. Il m'a donné raison quant à mon projet et m'a alloué pour 4 ans une subvention pour mon école. Le bâtiment de la Moutonnerie étant libre à ce moment-là, je l'ai donc loué en me disant que je donnerais mes cours là-bas et que des jeunes troupes y feraient des spectacles. J'ai lancé le projet cette année-ci et même si les conditions de location me font perdre de l'argent, mon but est de le faire connaître et de permettre à des jeunes de créer des spectacles.

Que pensez-vous de la programmation du Théâtre de l'Ancre ?

Il existe des pièces bien plus nécessaires à la vie. Est-il absolument nécessaire de mettre sur scène quelqu'un qui, pendant 2 heures va raconter qu'elle a assassiné ses enfants pour un motif qui lui propre et qui implique les difficultés de la vie… Je n'en suis pas sûr. Pourquoi ne pas programmer des choses classiques comme Oscar Wilde. On peut le jouer de trente manières différentes mais au moins il y a du contenu là-dedans. Parfois on fait jouer des comédiens dans le plus simple appareil et ils se baladent d'un côté à l'autre de la scène, il y a quatre phrases sur toute la pièce. Mais qu'est-ce-que ça raconte, qu'est-ce-qu'ils viennent faire là. Toute leur programmation est contemporaine alors qu'isl pourraient proposer quelque chose de plus classique et en tout cas varier la programmation d'avantage. Je ne dis pas qu'il ne faut pas programmer des choses comme ça, cela doit bien sûr être vu, la question que je me pose c'est : Est-ce que ça va toucher les jeunes ? Est-ce que c'est ça qui va les faire venir au théâtre ?

Je constate de plus en plus que des professeurs de français font la démarche de venir chez nous le soir, pas en matinée scolaire, justement pour ne pas que les élèves se disent que ce sont deux heures durant lesquelles ils ne vont pas au cours. Le soir, en général, ils viennent par petits groupes, pas par classe entière. Ont-ils compris qu'il faut donner aux élèves quelque chose d'accessible afin qu'ils ne se disent pas que le théâtre c'est uniquement de la masturbation intellectuelle et que des choses se disent. J'ai rencontré énormément de difficulté quand les élèves sont venus voir Le Journal d'Anne Frank. Certains m'ont dit que c'était comme un bon film d'action. Alors si ces notions fondamentales ne sont pas acquises, comment vont-ils réagir devant des choses plus métaphysiques, plus pointues ? Quand Patrick Descamps était là, il avait commencé à donner une autre tournure. Il avait programmé une pièce de Jean-Marie Piemme, elle parlait du problème juif avec une tournure qui avait un sens et qui allait vers des choses très sensibles. Et quand il a voulu monter un polar qui était Garde à Vue qui pose des problèmes de relation de couple, Monsieur Fumière refuse et appelle ça le répertoire des Galas Karsenty.

Est-ce valorisant de dire qu'on ne s'adresse pas au public de Charleroi mais à un public extérieur comme le fait Monsieur Fumière ? Qu'est-ce qu'il entend par là ? Que les 4500 personnes qui viennent à mon spectacle sont des imbéciles parce qu'ils viennent voir des choses faciles ? Moi je ne pense pas ça du public de Charleroi et de mes spectateurs. S'ils viennent et reviennent, – certains en famille avec enfants et petits-enfants – c'est qu'il y a quand même quelque chose qui se passe.

Avez-vous entendu parler de l'expo « Mai'tallurgie » ? Elle est créée pour donner une dimension artistique aux quartiers difficiles et changer l'image négative que les gens en ont. Donc c'est pour que Charleroi se tourne vers Charleroi et qu'à l'extérieur, en Belgique on change d'opinion par rapport à ce qu'on sait ou ce qu'on croit connaître de la ville.

J'espère que ça va marcher, que l'impact sera fort et bon. En Belgique on a honte de dire que l'on vient de Charleroi. Et à l'extérieur du pays, aux Etats-Unis par exemple, tout ce qu'on en sait c'est l'histoire de Dutroux. Ils peuvent venir ici au théâtre pour en parler, je veux bien les aider à promouvoir leur exposition dans le théâtre, au sein mon public.

L'invitation est lancée...

En résumé…

Le public de Charleroi est chaleureux, il aime se divertir avec des vaudevilles de qualité, mais il faut toujours le convaincre, le séduire, et même si, a priori, il ne veut pas faire l'effort d'aller vers des choses dures, tristes, si il est ému par l'intrigue, l'interprétation, la scénographie ce sont ses spectacles-là qu'il gardera en mémoire.

Propos recueillis par Sophie Didier le 21 mars 2008.

Programmation au Vaudeville de Charleroi :
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• du 5 au 26 avril : Un Vrai Bonheur de Didier Caron
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• du 17 mai au 7 juin : Un Grand Cri d'Amour de Josiane Balasko.

[1] (Full Monty) une comédie de A. Mc Carten, S. Sinclair et J Collard.

Sarah Flock et Damien Spleeters

Xavier Campion — 2008-03-31T17:14:07Z

Sarah Flock met en scène une pièce de Damien Spleeters avec un titre original : LA PIÈCE. Avec une brochette de 11 comédiens, ils y mettent tout leur cœur et leur jeune enthousiasme !

Sarah Flock met en scène une pièce de Damien Spleeters avec un titre original : LA PIÈCE.
Avec une brochette de 11 comédiens, ils y mettent tout leur cœur et leur jeune enthousiasme !

Bonjour, merci de me recevoir pour me parler de vous, de votre compagnie Les Enfants de Silène et de votre projet théâtral : La Pièce

D'où vient ce nom “Silène“ ?

Sarah : C'est un satyre, le père adoptif de Dionysos. Les Enfants de Silène sont donc les petits Dionysos.

Est-ce la première pièce que vous créez ?

Sarah : La première longue pièce, oui. Avant, il y avait eu des performances. Des performances poétiques plus courtes dans la forme, moins préparées, pas répétées et non interprétées par des comédiens. C'est davantage un vécu, on ne sait jamais où l'on va arriver.
L'envie, maintenant, c'est d'arriver à cela théâtralement. Arriver à faire une pièce de manière purement pratique qui ne se répète jamais, mais se crée à chaque fois.

N'est-ce pas le défi d'une pièce de théâtre ?

Sarah : oui, en effet. Notre défi est d'arriver à chaque fois à une sorte d'ébranlement dans notre propre expérience personnelle.

D'où est venu le thème de La Pièce ?

Damien : Je ne peux pas dire vraiment. C'est venu comme ça. J'ai écrit la pièce La Pièce en deux mois, il y a deux ans, deux ans et demi, pendant les vacances d'été.

J'ai été interpellée par la maturité de certaines scènes. Est-ce voulu ?

Damien : Ce n'est peut-être pas moi qui l'ai écrite…c'est peut-être un moi du futur…

Comment vous êtes-vous rencontrés pour la première fois ?

Damien : Nous sommes entrés en contact par personne interposée. Je cherchais des avis de personnes qui s'y connaissaient en théâtre. J'ai rencontré Sarah et elle a proposé de monter la pièce. Je n'avais jamais écrit pour le théâtre.

Sarah : Le texte a été retravaillé, surtout dans l'agencement des répliques. Quelques scènes ont été totalement réécrites. Il y a eu aussi un travail au niveau des personnages. Certaines répliques, devenues nécessaires pour définir d'autres personnages, ont été redistribuées pour donner plus de poids dramaturgique.

Comment êtes-vous arrivée à la mise en scène ?

Sarah : J'ai commencé des études de comédienne en voulant déjà faire de la mise en scène. L'envie m'est venue comme beaucoup de gens vers l'âge de quinze ans. J'ai eu un parcours très…euh, disons que ce n'était pas un parcours conventionnel : Virée de l'IAD après un an, je me suis inscrite à l'université en langues et littératures slaves. Parallèlement, j'ai suivi les modules proposés par l'espace catastroph', l'académie internationale d'Eté, dont celui de Boris Rabey. Après l'ULB, j'ai étudié les sciences théâtrales et le théâtre à Prague sous la direction d'I. Vyskočil. C'est là que j'ai réellement compris l'importance de la dramaturgie, notamment lors d'entretiens avec O Krejča sur lequel j'écris une thèse de doctorat.
Humainement, ce qui m'intéresse, c'est le plaisir de raconter une histoire, de la mettre en place. Ce qui me plaît le plus, c'est le langage. Depuis toujours. J'ai le plaisir de l'articulation du langage.

Quel est ton moteur dans ton parcours ?

Sarah : La rencontre. Me laisser emmener quelque part où je ne m'y attends pas, et emmener l'autre là où il ne s'y attend pas. La surprise. Le fait que ce soit toujours inattendu et le fait que la rencontre aura une influence sur mon travail. Le fait d'être ébranlés, de susciter une émotion chez l'autre et chez moi.

Votre démarche serait surtout intellectuelle ?

Sarah : Oui, c'est vrai, et empirique.
Damien : La démarche est proche d'une démarche d'expérimentation. On essaie des choses, on observe et, à la fin, on est toujours surpris du résultat.

Damien, comment es-tu devenu auteur ?

Damien : Je suis écrivain. J'ai écrit deux livres. J'écris de la poésie aussi. Mais je n'avais jamais écrit pour le théâtre. J'avais lu un seul livre, c'était : « TARTUFFE », donc j'ai regardé comment c'était écrit et j'ai appris petit à petit de nouveaux codes.

Et toi, par quoi es-tu animé dans ton travail ?

Damien : J'ai envie que les gens vivent. Je me bats contre la vie sans la vie. J'ai envie que les gens soient amoureux, qu'ils se réveillent, qu'ils soient amoureux, qu'ils se réveillent, qu'ils soient bouleversés, ébranlés, imprégnés, innervés, bousculés, changés.
Aller plus loin que soi-même, se dépasser. C'est cela que j'ai envie de donner aux gens.

Ouvrir leur conscience ?

Damien : Peut être, oui. Avoir conscience de soi en même temps. Comme la phrase de Rimbaud le disait : Je est un autre

De quoi parlent les livres que tu as écrits ?

Damien : C'est un peu une affaire de naissance. Une naissance à soi-même. Comment faire naître la lumière ?

L'univers très épuré des scènes, est-ce voulu ?

Sarah : Oui. C'est une pièce qui se passe tout le temps et partout, elle s'inscrit dans la réalité du lieu dans lequel elle se joue à un moment donné. Elle parle du théâtre, mais est polysémique, et parle aussi de la vie civile, politique, sociale. Un des choix dans la mise en scène a été de ne fermer aucune porte aux thèmes inhérents à La Pièce, en plaçant, il est vrai, l'accent sur le thème de la création libre et de sa poésie. Chaque spectateur fera sa propre lecture de La Pièce, en fonction des thèmes qui trouvent un écho en lui.

Comment avez- vous choisi la troupe qui vous entoure ?

Sarah : Avec Damien, c'était un hasard de la vie, on s'est rencontré et on a commencé à travailler ensemble. Pour les comédiens, on n'a pas procédé par audition, mais par rencontre.

Damien : On a juste passé des annonces, on a discuté avec chaque personne sur ce qu'ils pensaient du texte et par rapport à l'intérêt qu'ils portaient au projet.

Sarah : On voulait savoir s'ils avaient la même envie que nous d'être ébranlés. Si nos univers pouvaient aussi être le leur.

Les comédiens viennent de formations très différentes, c'est un choix ?

Sarah : Non, c'est le hasard qui les a réunis, ils viennent de l'IAD, de Lassaad, du conservatoire et de la Kleine Akademie…

Et toi Damien, tu deviens acteur dans ton projet ? À la base, tu n'es pas acteur, je crois…

Damien : Non, pas du tout. Mais c'est une expérience intéressante…

Sarah : Ce qui est très chouette, c'est de renouer avec un théâtre de vie et non un théâtre de jeu. Nous voulions une pièce qui serait un atelier où chacun participerait au même acte de création, où personne ne sait ce qu'il va se produire. On en revient donc à l'idée de “performance“.

Chacun est mis au même niveau, scénographe, acteur… ?

Sarah : Oui, tout à fait, chaque composante scénique est importante, mais pas nécessairement de manière synchronique. La scénographie, les comédiens, leur partition sonore, la pièce, la lumière, les costumes, la salle… C'est cette combinaison qui crée le spectacle.

Damien : On propose des choses et… si vous voulez une image, c'est comme un fleuve où arriverait une multitude de petits ruisseaux.
Au départ de la pièce, on était parti avec une idée précise de ce que l'on voulait et au fur et à mesure du travail, on a vu que d'autres choses étaient intéressantes, des choses qui ne venaient pas toujours de nous.

On pourrait dire que c'est un peu un travail de danseur ?

Damien : Oui, c'est une belle image.

Sarah : On ne voudrait pas faire du théâtre comme on ferait une tarte, dans un moule.

Est-ce un reflet de la société ?

Sarah : Oui. On pose des questions avec cette pièce. Mais sans jamais leur apporter de réponse. On n'est pas des détenteurs de vérité.

Travailler ensemble, c'est une première ?

Damien et Sarah : Oui, c'est un mariage magnifique. Nous sommes super heureux de ces rencontres, avec toute notre petite équipe. Il s'est passé de très belles choses entre nous, une émulation permanente, une ambiance parfaite de création.

Sarah : Mon rêve secret était de mettre des gens ensemble qui avaient la même idée, qui poursuivaient le même idéal.

Quelles sont les difficultés que vous avez rencontrées ?

Sarah : Des difficultés d'ordre techniques dirons-nous. Le problème était que les représentations arrivaient très tôt dans le processus de création. La prochaine fois, on prendra plus de temps pour faire germer la création.

Damien : Heureusement, on a réussi à transformer ces difficultés en quelque chose de porteur.

Quel est le public cible ?

Sarah : Pour tout public. On veut également aller dans les écoles, partager avec des adolescents, mais aussi dans les prisons, les homes…on veut sortir du théâtre.

Damien : Ce n'est pas facile car nous-mêmes, on se laisse enfermer dans des modes théâtraux.

Quelles ont été vos sources d'inspirations ?

Sarah : Il y en a tant que n'en citer que quelques-unes aurait un aspect réducteur qui fermerait la chose. Scéniquement, la première œuvre qui m'a interpellée quand j'étais petite, c'est : La Mégère Apprivoisée et un ballet de Béjart. Mais il y a tant d'autres choses aussi…

Si vous deviez résumer la pièce ?

Damien et Sarah : Il y a des choses auxquelles on ne pense pas à penser.

Vos noms sont-ils liés à présent ?

Sarah : On adore travailler ensemble. Maintenant, on verra si cela dure.

Avez-vous d'autres projets ?

Damien : ensemble non. De mon côté, je prépare un recueil de poésie, je suis dans un groupe de musique, je fais une performance …pas mal de choses…

Sarah : Je travaille sur une performance pour le théâtre de Charleville- Mézières.

Où sera présentée votre pièce ?

Damien : A la Dolce Vita à Bruxelles. Et sûrement dans différents centres culturels, on attend les confirmations.

Je voulais terminer en parlant des ambiances sonores, pouvez-vous m'en dire quelques mots ?

Sarah : SERVICE SPECIAL a composé les ambiances sonores de la pièce, c'est le projet solo de Sébastien Schmit. C'est une bande originale qui a été spécialement créée pour le spectacle. J'aimais beaucoup sa musique et nous nous sommes rejoints pour ce projet. En plus des ambiances de Sébastien, il y a les souffles et les respirations des comédiens qui amènent la dimension organique de La Pièce.

Y-a-t-il quelque chose que vous aimeriez rajouter ?

Sarah et Damien : On teste des choses, on essaie !

C'est courageux !
Merci vous deux !. Merci pour votre enthousiasme et merci de votre accueil.

Interview de Véronique Perrault

Photos noir et blanc de Karine Barbareau

LA PIÈCE : Atelier de La Dolce Vita – Rue de la Charité 37a – 1210 Saint Josse du 8 au 12 avril 2008

Georges Lini

Nadine Pochez — 2008-02-27T10:46:15Z

Porté par un public grandissant, reconnu par les medias, Georges Lini - fondateur du ZUT - se bat encore contre l'establishment pour conserver cette belle vitrine pour la jeune création.

On fait un petit saut en arrière ?

J'ai commencé par enseigner le français pendant 4 ans et puis, un peu par hasard, je me suis inscrit à l'Académie de Molenbeek, en pensant que cela pourrait me servir pour mes cours. Et là, je suis tombé sur Christian Lombard, un prof qui, en 3 ans, m'a vraiment transmis sa passion, au point qu'il devenait invivable pour moi de ne pas faire de théâtre... Et voilà comment à 30 ans, pour ne pas être aigri et être en paix avec moi-même, j'ai passé l'examen d'entrée au Conservatoire de Bruxelles. J'ai arrêté de bosser comme prof et je suis redevenu étudiant ! Ce furent les 3 plus belles années de ma vie : Mon fils est né pendant cette période. Je bossais comme un fou au Conservatoire et puis, quand j'avais fini, j'allais bosser comme étudiant pour un Journal, parce qu'étant marié, il fallait bien que je gagne ma vie. J'écrivais des articles de sport – de foot ! – pour La Lanterne [1], et comme j'étais indépendant, je pouvais taper mes articles le soir. Je devais faire 5 à 6 articles par semaine et je pouvais organiser cela comme je le voulais. Au Conservatoire, j'ai travaillé pendant 3 ans avec Michel de Warzée, mais aussi avec Dominique Serron et Daniel Hanssens. C'était vraiment passionnant : j'arrivais là à 9 heures et j'en sortais à 18 en n'ayant pas arrêté. J'avais soif de rattraper le temps perdu. Quand je me levais le matin, c'était le bonheur absolu ! Et puis, quand j'étais en 2e année, j'ai été engagé par le Théâtre de Poche pour jouer Bent [2] et dès que je suis sorti du Conservatoire, ils m'ont à nouveau engagé pour jouer Trainspotting [3] que j'ai joué à peu près 150 fois en 2 ans. Je leur dois beaucoup. C'est eux qui m'ont vraiment apprismon métier, qui m'ont donné la soif de défendre des textes. C'est au Poche que j'ai joué le plus de pièces, 6 ou 7, mais j'ai très vite eu envie de devenir indépendant. Déjà en 2e année au Conservatoire, j'avais créé ma propre compagnie Belle de Nuit. Très vite, je me suis rendu compte que mon métier était de défendre les textes que j'avais envie de défendre et que pour cela je devais être libre de mes choix. Belle de Nuit est ma propre Compagnie. Il n'y a personne qui y est fixe, ce qui évite le copinage. Je suis vraiment indépendant de monter ce que je veux avec qui je veux.

Par ailleurs, mon métier – et cela se confirme – c'est d'être un meneur de troupe, parce que je crois que c'est ce que je fais de mieux. J'ai l'énergie et l'enthousiasme. Je crois que je les partage avec les gens que je côtoie, parce que j'aime partager des idées. C'est pour cela qu'il y a eu le ZUT. Les choses sont bien claires, le ZUT est à la disposition de la dizaine de personnes qui y travaillent. En 6 mois, j'ai trouvé le lieu – une âtrerie désaffectée – et j'ai rapidement eu un coup de foudre, pour sa localisation, pour ce qu'il propose… Je ne voulais pas d'un théâtre qui réponde aux mêmes critères que ceux qui existent déjà. Je voulais quelque chose de plus intime, de plus proche, de brut, de malléable…

Je crois que tout le monde s'accorde à dire que, artistiquement, on fait bien notre métier. En très peu de temps, on est arrivé à avoir du crédit et à donner une identité au ZUT. On a notre particularité, une ligne dramatique propre à notre lieu, on ne ressemble en rien aux autres, on se dit vitrine de la jeune création, et en 4 ans, plusieurs de nos spectacles ont été rachetés. Ce n'est quand même pas mal ! Donc on a permis à des gens de travailler et de gagner de l'argent.

Qu'entends-tu par jeune création ?

La jeune création, ce sont tous ces jeunes qui ont des choses à dire mais qui n'ont pas l'occasion de s'exprimer.

L'Histoire du ZUT est la suivante : dès que je suis sorti du Conservatoire, j'ai voulu proposer mes spectacles à des théâtres et pendant 3 ans, ça a été la galère : j'ai été de plan foireux en plan foireux : on ne m'écoutait pas, je me sentais parfois humilié par le peu de crédit qu'on m'accordait. J'en arrivais à me demander si c'était moi qui ne suscitais pas assez de désir ou si je n'avais pas suffisamment de talent.
Et le comble, c'est que la plupart des spectacles présentés par le ZUT ont fait l'objet d'une demande préalable dans d'autres théâtre avec un “NIET” pour seule réponse.
Ainsi, je me suis rendu compte que je n'étais pas le seul dans le cas et que la plupart des jeunes compagnies qui ont l'impression de bien fonctionner et qui jouent dans des théâtres subventionnés connaissent des galères monumentales : on ne gagne pas d'argent, on en perd… Bref, on pourrait écrire un livre sur les conditions de travail des jeunes compagnies.
Alors à un moment on se dit : Est-ce qu'on va continuer à galérer, est-ce qu'on va jeter l'éponge, ou est-ce qu'on frappe un grand coup et on crée le ZUT ?
Et justement, pour que de jeunes compagnies puissent avoir un lieu d'ancrage, nous avons créé le ZUT ! Les gens ne veulent pas de nos spectacles quand on vient chez eux avec des dossiers ? Eh bien, mettons-les sur pied et disons leur : Vous ne voulez pas des dossiers ? Venez plutôt voir le spectacle !

Comment sélectionnez-vous les pièces ? Il semble que tu apprécies beaucoup les auteurs contemporains. Je dirais que, pour le choix des pièces, vous vous situez un peu entre le Poche et le Rideau.

On a souvent entendu qu'on était le “Poche du Pauvre” ou le “Rideau du Pauvre” et effectivement, je crois qu'il y a une certaine filiation entre le Poche et nous, parce que je suis de cette école-là. Je ne choisis pas les pièces en fonction d'une appartenance quelconque. Je lis énormément et je fonctionne au coup de cœur.

Tu sélectionnes à la lecture uniquement ?

On ne travaille pas qu'à la lecture. Il y a des gens qui viennent avec des projets et justement, au coup de cœur, on accepte ou l'on accueille si c'est dans la ligne de notre dramaturgie. Au ZUT, chaque metteur en scène est le porteur du projet. Donc il faut être sacrément costaud pour supporter les conditions actuelles de travail. Si je prends en charge la mise en scène, c'est parce que je supporte toutes les difficultés plus facilement que quelqu'un d'extérieur au ZUT. Par exemple, c'est une autre compagnie qui m'a demandé de mettre en scène Juliette à la Foire…

Tu viens de jouer au ZUT un rôle haut en couleurs dans L'Enfant Froid, et pendant ce temps-là tu as mis en scène Beautiful Thing qui débute au Théâtre de Poche ces jours-ci [4]. Te sens-tu plus comédien ou metteur en scène ?

Je me sens plus metteur en scène parce que le plaisir de la mise en scène est décuplé. Quand on est comédien – en tout cas en ce qui me concerne, c'est un plaisir plus narcissique, on essaye déjà de s'en sortir personnellement et l'on est content quand le spectacle est bon, mais mettre en scène c'est comme une paternité, c'est veiller à ce que tout se passe bien et puis on met au monde un enfant. Donc c'est beaucoup plus fort. J'ai accepté de jouer encore cette saison-ci, mais je crois que je vais remettre de plus en plus en question mon rôle d'acteur parce que je suis de plus en plus passionné par la mise en scène. Et au fur et à mesure que le temps passe, je me rends compte qu'on ne peut pas tout faire et que pour être à 100% à la mise en scène, il faut que je fasse des choix.

Ce projet-ci, c'est ton initiative ?

Non c'est une commande du Poche . C'est Roland Mahauden qui m'a proposé de monter cette pièce. Je ne la connaissais pas.

Tu as un goût tout particulier pour les pièces anglo-saxonnes.

Oui ça tombe bien. J'ai été très touché par cette proposition parce que d'abord c'est un texte anglo-saxon – évidemment je raffole de ce genre de texte : les auteurs anglo-saxons n'ont pas leur pareil pour confondre comédie et drame dans une même pièce. Et ici, on a un texte tout en finesses. Un texte qui n'est ni revendicateur, ni moralisateur, ni choquant ou rentre dedans comme on peut en voir de temps en temps lorsqu'il s'agit d'homosexualité. C'est Xavier Mailleux - qui m'assiste aussi pour la mise en scène - qui en a fait une traduction, remarquable en tous points. Le fait de me proposer un texte, tout en nuances comme celui-ci, c'est quand même me faire confiance. C'eût été plus facile de me proposer un texte plus efficace comme La Cuisine d'Elvis. Donc c'est un vrai travail de direction d'acteur. C'est très touchant. C'est d'ailleurs la première fois qu'on me propose une mise en scène dans un grand théâtre. C'est la première commande qu'on me passe.

Il y a eu aussi un projet du Nouveau Théâtre du Méridien pour cet été, mais qui a foiré

Ce n'était pas une commande. Catherine Brutout m'avait donné carte blanche et c'est moi qui suis venu avec un texte. Donc ici c'est la première fois qu'on me demande de mettre un texte en scène et c'est en plein dans le mille parce que c'est diriger les acteurs et c'est ce que j'aime faire. Je ne suis pas un faiseur de grand spectacle, je ne fais pas des images, j'essaye de diriger les comédiens. J'aime beaucoup la direction d'acteurs et j'aime beaucoup les comédiens, donc ça tombe bien.

C'est toi qui a fait le casting ?

Oui, j'ai choisi les 2 adultes : Pascale Vyvère et Toni D'Antonio parce que je connais leur générosité et qu'il faut des personnages hauts en couleurs mais très humains, très pudiques aussi. J'ai fait mes études avec Toni et j'ai eu la chance de faire la connaissance de Pascale lorsque nous avons joué dans Un Conte d'Hiver de Shakespeare adapté et mis en scène par Dominique Serron. Les 3 autres, je ne les connaissais pas et, pour la première fois, j'ai dû faire un casting parce qu'il me fallait de très jeunes acteurs et que je n'en connaissais pas. Dès que je les ai vus, ça a été évident. Gauthier de Fauconval , Elsa Poisot , Térence Rion & Grégory Praet (en alternance) complètent la distribution. Je crois que c'est un bon casting et si le spectacle n'est pas bon, j'en serai le seul responsable. Je crois que c'est ce que je fais de mieux dans mon travail de mise en scène, c'est d'avoir de bons castings. C'est important. Je dirais que c'est 50 à 60% du travail. Pour moi c'est indispensable. Il n'y a jamais de copinage. J'essaye toujours d'être très rigoureux à ce niveau-là.

Les pièces montées au ZUT ont souvent cartonné, beaucoup ont fait l'objet de nominations pour les Prix du Théâtre, plusieurs ont été primées [5] . Ce succès a même inspiré le National pour monter son “propre” Incendies. Tu as été voir ?

Non et je ne voulais pas y aller. C'est trop difficile. Ce n'est ni par jalousie, ni par médiocrité. C'est tellement lié à l'émotion que ça aurait fait bizarre de se sentir dépossédé de ce qu'on croyait être nôtre.

Justement votre Incendies sera repris au Public la saison prochaine

Oui, on continue notre rôle de vitrine puisque chaque année, il y a des spectacles qui nous sont rachetés [6] et par exemple, La Société des Loisirs sera reprise à la Toison d'Or et en tournée Notre salle est toujours bien remplie. L'enfant Froid a fait salle comble dès le premier jour jusqu'à la fin. Je ne sais pas ce qu'on peut faire de plus. Si là, on n'a pas d'aide, il faudra mettre la clé sous le paillasson car ce sera bien la preuve qu'on laisse tout le monde indifférent, quoi qu'on fasse. D'ici fin février, on devrait en savoir plus, puisque j'ai rendez-vous avec la Ministre. Normalement, on devrait aussi avoir des nouvelles du Théâtre des Doms, parce que par deux fois, ils nous ont fortement sollicités pour qu'on leur remette notre dossier sur La Cuisine d'Elvis et je ne vois pas la nécessité de nous le demander deux fois s'ils ne sont pas intéressés. Mais, d'autre part, je sais de bonne source qu'il y a des gens haut placés qui disent qu'on les em… et qui nous mettent des bâtons dans les roues. Des gens qui voient d'un mauvais œil le succès, la reconnaissance qu'on a auprès de la presse, auprès du public. Moi si j'étais à leur place, je me poserais la question de savoir comment il se fait qu'avec les budgets, les moyens qu'ils ont, leur travail passe inaperçu.

Peut-on dès lors parler de concurrence ?

NON ! Ce serait vraiment débile de parler de concurrence parce que nous ne sommes concurrents de rien. On a une petite salle de 60 places, on ne fait concurrence à personne. Vraiment personne. Je ne comprends pas ces gens qui essayent de nous mettre des bâtons dans les roues. Ils ne réagissent que quand ils se sentent en danger, c'est-à-dire quand l'opinion publique ou la presse intervient. Mais si les médias n'étaient pas derrière nous, ils s'en foutraient complètement

Et quand tu parles de gens haut placés tu vises le milieu théâtral ?

Oui, politique et théâtral. Mais c'est souvent lié. J'apprends depuis peu que tout est très politisé, et c'est effarant. Y a de tout, sauf de l'artistique. C'est marrant parce que notre seule force –, – on n'a aucun appui – notre seule force, c'est l'artistique… et ça ne sert à rien. C'est l'indifférence totale. On n'en a rien à foutre de la qualité de ce qu'on propose

Ça doit être une terrible frustration.

Bien sûr. C'est aussi une réalité écrasante. Oui, c'est horrible

Mais est-ce que cette rage n'est pas non plus un moteur ?

Ah oui, évidemment. Plus on en prend dans la gueule, plus on devient coriace. Mais, en même temps, la colère, ça provoque des ulcères… Je n'ai pas d'ulcère ☺

C'est aussi une force de ton caractère

Oui, ça c'est moi, mais il y a un moment où cela ne va plus. Un moment où l'on a envie de jeter l'éponge. Maintenant, je commence à en avoir marre, parce que faire plus que ce que j'ai fait jusqu'ici, être connu plus que je ne suis connu, et moi et le ZUT, il n'y aura pas moyen ! J'ai eu le prix de la mise en scène, puis j'ai eu le prix du meilleur spectacle, ça fait 2-3 ans qu'on est le théâtre qui est le plus représenté aux prix du théâtre avec des nominations. On a été joué au Poche, au Public. Que faire de plus ? C'est le pot de terre contre le pot de fer ! S'il n'y a pas une personne puissante qui se dit un jour qu'on doit nous aider et qu'il faut nous soutenir, alors on va mourir dans l'indifférence générale des hauts placés. C'est terrible de se dire ça.

Est-ce qu'on peut faire ce métier sans être passionné ?

On ne peut pas faire ce métier sans être passionné. C'est ce que je dis toujours à mes élèves. Je leur dis qu'il ne faut faire ce métier que si on ne peut pas faire autrement. C'est la seule manière pour surmonter tous les obstacles. La vie est une lutte, et pour cela il faut avoir confiance en soi, il faut être passionné. Si on fait ce métier uniquement par orgueil ou pour devenir une vedette, ça ne sert à rien. Il faut se lever le matin et penser théâtre, prendre sa douche en pensant théâtre, rouler en voiture, manger, en pensant théâtre. Moi, ma vie était plus simple quand j'étais prof de français, je n'étais pas plus heureux, loin de là. Avoir la rage, ça donne du punch, mais ça peut avoir de mauvaises conséquences sur l'équilibre dans la vie de tous les jours parce que tout est lié. On ne peut pas faire la coupure comme des gens qui rentrent du boulot.

Maintenant tu vis plus intensément ? Par rapport à ta vie privée comment tu fais ?

Oui, c'est la folie, je vis à 100 à l'heure. Il faut que je gère ma famille, mon stress, mes angoisses, mon découragement, mais en même temps c'est une vie passionnante et je sais pourquoi je vis. Par exemple aujourd'hui, je donne cours le matin de 8 à 11, puis je répète ici de 13 à 18 et à 20 heures je joue. Mais ça ne durera pas parce que ça fait un an que je néglige ma famille et que je ferai en sorte ce ne soit plus le cas… Donc l'année prochaine ça va changer. Dans une lettre à la Ministre, je lui demandais simplement le soutien d'un employeur pour lequel je me dévoue corps et âme : ça fait 4 ans que je fais ce métier, que je suis reconnu et je n'ai pas encore eu un salaire pour ni pour mon travail au ZUT, ni pour ma compagnie Belle de Nuit. Je ne me bats pas pour une « augmentation » ! Je lui demande juste s'il n'y a pas moyen de payer les employés qui œuvrent à valoriser la Communauté Française, parce que comme on fait de bons spectacles, on participe à la vitrine culturelle de Bruxelles. Enfin je trouve ! On ne nous a rien demandé, mais en même temps on est là ! Je trouve qu'on ne fait pas tache dans le paysage culturel bruxellois ou belge. Est-ce que c'était vraiment exagéré de demander 75.000 € pour les frais de base ? Avec ça on n'a même pas un salaire, mais même ces 75.000 €, on ne les a pas eus… ce n'est même pas le prix d'une scénographie dans les grands théâtres… Comparaison n'est pas raison, mais quand on voit où passe l'argent parfois … c'est effarant

Tes cours de théâtre ?

Cela fait 4 ans que j'enseigne le théâtre en humanités à l'Athénée Royal d'Auderghem, ce qui me fait 22 heures de cours/semaine. J'y prépare les élèves pour les examens d'entrée dans les Conservatoires. J'adore ! J'adore enseigner, j'adore transmettre cette folie, cette passion. Il y a quelques-uns de mes élèves auxquels je crois la transmettre, et quand leurs parents viennent me trouver me disant que leur gosse a changé, c'est magnifique ! L'année passée j'avais 12 élèves et ils ont tous été pris. Donc c'est 100% de réussite. Et la nouveauté c'est que depuis cette année, en plus de ces cours préparatoires, j'ai eu 3 mois comme chargé de cours chez Frédéric Dussenne au Conservatoire de Mons.

INSAS mis à part, on ne peut pas étudier la mise en scène en Belgique. Est-ce qu'enseigner la mise en scène et la direction d'acteurs te plairait ?

Non. J'adore enseigner, mais je n'enseigne pas ça. J'enseigne le jeu, l'art dramatique. Mais je crois que la mise en scène – fondamentalement – ne peut passer que par une pratique du plateau en tant qu'acteur et par l'amour des comédiens. Je crois qu'il faut d'abord savoir ce qu'est un comédien sur un plateau, avoir été à sa place avec toutes ses peurs, toutes ses craintes, tout son narcissisme, pour après pouvoir comprendre tout ce mécanisme. Si on n'a pas été sur un plateau devant 200 personnes avec la trouille, le stress d'avant le spectacle –, – je me trompe sans doute – mais je crois qu'humainement il faut être passé par là pour y être sensible.

J'ai l'impression qu'il y a de plus en plus de très jeunes comédiens et comédiennes qui se lancent un peu vite dans la mise en scène, sans y être suffisamment préparés

Je crois que la mise en scène est un besoin. Moi j'ai tout de suite connu ça quand j'étais à l'Académie, dès la première année. Quand j'étais au Conservatoire la 2e année, j'ai monté des textes. C'est un besoin. Ce n'est pas une envie comme ça. C'est ma vie, quoi. Ce n'est ni un caprice ni un fantasme. C'est une nécessité et la mise en scène m'est tombée dessus, plus que le reste… Je crois qu'on ne s'improvise pas metteur en scène

Justement, est-ce qu'il n'y en a pas qui mettent en scène pour simplement voir leur projet aboutir…

Peut-être, je ne sais pas …

… pour avoir du travail.

Pour avoir du boulot, oui. Comme je te l'ai dit, c'est parce que j'ai beaucoup galéré, parce que j'avais présenté des textes comme par La Cuisine d'Elvis, L'Ouest Solitaire ou Incendies à la plupart des théâtres bruxellois qui les ont tous refusés, que finalement, pour pouvoir m'exprimer j'ai ouvert le ZUT. Ça a l'air d'être simple, mais s'il n'y avait pas eu de ZUT, je serais un illustre anonyme. Enfin, je le suis encore, mais je le serais encore plus ☺ ! Donc, effectivement, peut-être que je serais resté dans ma cuisine à faire de la mise en scène… Voilà, le ZUT est né comme ça ! Maintenant il y a beaucoup de lieux qui se sont ouverts depuis et la jeune création est à la mode, il y en a en veux-tu en voilà, mais quand j'ai ouvert le ZUT, il n'y avait rien de semblable.

Peux-tu nous parler de tes projets, tes aspirations ?

Individuellement ? Dans 2 mois, je jouerai encore dans Littoral [7] de Wajdi Mouawad au ZUT. C'est le 2ème volet de notre trilogie consacrée à cet écrivain, puisqu'il y a eu Incendies l'année dernière, mais cette fois, c'est de Yasmina (Douieb), qui en assure la mise en scène. J'aime beaucoup le théâtre québécois. Cela tourne toujours autour de la famille et puis les Québécois ont beaucoup de cet humour propre au théâtre anglo-saxon.

C'est une pièce qui t'a plu comme Incendies ?

Oui, parce qu'à mon sens, Wajdi Mouawad est le dramaturge le plus important de notre époque. Je crois que c'est comme Shakespeare. Je crois que si on devait laisser une trace pour les siècles à venir, les gens pourraient y voir ce que l'on vit de la petite histoire et de la Grande Histoire aujourd'hui. Je crois que c'est un reflet avec toute la cruauté de notre époque. Donc c'est normal qu'on programme cet auteur-là. Ce sont des textes tellement forts, tellement beaux qu'ils nous permettent de continuer et qu'ils donnent tout leur sens à notre combat au ZUT. C'est l'humanité à fleur de peau, c'est une poésie tellement formidable, d'une tendresse, d'une cruauté… enfin c'est tout ! Et encore une fois, si on tient le coup, c'est parce qu'on monte des textes qui nous passionnent.

Et le 3ème volet de la trilogie, c'est Forêt ?

Oui, mais ce n'est pas une suite, on n'y retrouve pas les mêmes personnages. Il a d'abord écrit Littoral et ensuite, Incendies et Forêt...

Quant à mes aspirations, mes projets, j'en ai plein… Même de très concrets : l'année prochaine j'ai 2 mises en scène… on m'a aussi proposé un rôle

Des mises en scène où ça ?

Mais, c'est en fonction de l'avenir du ZUT… Et pour l'instant, je n'en sais pas plus. Comme je l'ai dit, je dois encore rencontrer la Ministre Fadila Laanan pour essayer de trouver une nouvelle solution. Je l'avais rencontrée fin juin de l'année dernière, et il y a eu un gros malentendu au sujet du Marni qu'on nous avait proposé comme délocalisation. En septembre, ceci s'est avéré être une vaste blague puisqu'il n'était plus question que de l‘accueil d'un spectacle ou deux…

On croise nos doigts
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Propos recueillis par Nadine Pochez et Véronique Perrault au Théâtre de Poche, le 1er février 2008
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Photos Stéphanie Jassogne, Pierre Bodson (Incendies) Nadine Pochez (photos de répétition et groupe comédiens)

[1] devenue La Capitale du groupe Sud-Presse

[2] de Martin Sherman, mise en scène de Derek Goldby

[3] de Irvine Welsh, mise en scène de Derek Goldby

[4] Beautiful Thing : Au Théâtre de Poche, du 26 février au 29 mars 2008

[5] Prix de la mise en scène 2005/2006 : La Cuisine d' Elvis de Lee Hall - Prix du meilleur spectacle 2006/2007 : Incendies de Wajdi Mouawad (qui sera repris au Public en juin 2009)

[6] Au Poche : L'Ouest Solitaire et La Cuisine d'Elvis. Au Public : La Princesse Maleine et Incendies, au TTO : La Société des Loisirs

[7] Littoral : Au ZUT du 1 au 31 mai 2008

Clément Manuel

Nadine Pochez — 2008-02-12T10:36:37Z

Plus tout à fait Lyonnais, Clément Manuel se sent certainement Européen à Bruxelles. Pour le Théâtre dans son pays d'adoption, où il fait carrière, il souhaite plus d'échanges avec la Flandre, car le choc de 2 cultures est toujours enrichissant.

On pourra découvrir Clément Manuel dans le rôle principal de Tripalium, écrite et mise en scène par Thibaut Nève à partir du 26 février aux Riches-Claires et le revoir dans Jeux d'Adultes dans une Chambre d'Enfants le 22 février au Centre Culturel d'Uccle.

Venant de Lyon, pourquoi avoir choisi Bruxelles ?

C'est essentiellement dû au hasard. J'ai eu un professeur à Lyon, Pierre Bianco, qui a beaucoup travaillé à Liège il y a des années. Il avait un ami qui donnait cours au Conservatoire de Bruxelles. J'ai passé le concours d'entrée, je l'ai réussi et j'ai entamé mes études ici…

As-tu remarqué des différences entre les deux pays ?

En Belgique, tout me semble moins difficile ! Mais jamais rien n'est tombé du ciel, je me suis toujours bougé pour participer à des projets qui me tenaient à cœur. La principale différence, c'est que les gens ici sont plus simples, plus accessibles qu'en France. Et puis la Création théâtrale et cinématographique en Belgique est tellement riche, ça vaut vraiment le détour.

Que penses-tu de la place des comédiens en Communauté Française ?

Rien n'est facile ; il faut oser appeler les metteurs en scène si on veut travailler, être curieux, se lancer, créer ! Ce qui est bien au Conservatoire de Bruxelles, c'est qu'on peut bosser tout en étant étudiant ; on peut déjà se faire une bonne idée du métier, toutes les expériences sont bonnes à prendre ! Cela permet aussi de faire des rencontres, ce qui est très important dans le milieu ! D'ailleurs, comme la Belgique est un petit pays, on finit très vite par tous se connaître.

J'ai lu que tu avais beaucoup pratiqué l'escrime ; cela t'a-t-il servi dans ton métier ?

L'escrime est une passion depuis l'enfance ; mes parents m'ont un jour demandé de choisir entre les cours d'escrime et ceux de théâtre… La réflexion n'a pas été longue ! Mais j'ai tout de même repris l'escrime de spectacle, un peu plus tard. Cela m'a servi pour le tournage de la série Par le Sceptre et l'Épée, qui se déroulait au Moyen Age, et dans Le Diable et le Bon Dieu, au Théâtre du Parc. Et qui sait, peut-être une prochaine fois ?

Cela fait quelques mois que France Pinson et toi tournez avec Jeux d'Adultes dans une Chambre d'Enfants ; est-ce agréable de reprendre ainsi une pièce de loin en loin ?

C'est super gai ! À chaque reprise, au fil du temps, on sent un enrichissement dû au rapport qui change entre nous, dû à nos différentes expériences personnelles et professionnelles. Aussi, on prend du recul par rapport au rôle. Déjà qu'entre la première et la dixième représentation d'une série on sent des différences, alors imaginez 30 représentations étalées sur deux ans ! J'avais déjà connu ça avec la Veuve Rusée
, et on fera pareil avec Les Fourberies de Scapin
que l'on devrait reprendre en tournée l'année prochaine.

Vous avez ouvert le premier Festival Off' de Spa en 2007 avec ces fameux Jeux d'Adultes… ; que penses-tu de ce genre de festivals ?

C'est super important ! Je trouve très chouette qu'il y ait de telles initiatives, et d'ailleurs il y en a de plus en plus, comme le Festival Azimut du Bruegel ou celui de la Toison d'Or. J'aime ce vivier de nouvelles salles, ces jeunes qui en veulent et qui osent monter des projets pas évidents. L'offre à Bruxelles est énorme mais il me semble qu'il y a plus de visibilité ici qu'à Paris, où les petites productions sont noyées dans la masse… Il me semble qu'ici, beaucoup de très petites productions sont de qualité ! Tout cela prouve que même quand il y a peu d'argent, c'est possible ! Mais très difficile, l'équipe est rarement payée, on rentre tout juste dans nos frais et parfois seulement on a la chance d'être remarqués et rachetés. Je crois que le théâtre à Bruxelles n'existerait pas sans ces petites salles, et je ne partage pas l'avis de ceux qui estiment que soutenir les nouvelles salles, c'est se disperser vu l'offre existante… Je pense ici surtout au ZUT, qui malgré ses nombreux Prix du Théâtre, n'est toujours pas subventionné, et aussi à L'Arrière-Scène et à l'Atelier 210.

Et le théâtre, c'est une passion depuis longtemps ?

Je ne pense pas avoir jamais voulu faire autre chose ! Mes parents m'ont soutenu comme ils l'ont fait pour mon grand frère, qui est musicien en Italie. Bizarrement, je me suis mis au théâtre très tard, vers 16-17 ans, dans une petite compagnie à Lyon, puis avec Pierre Bianco. Mon premier rôle a été celui d'un serviteur Capulet dans Roméo et Juliette. La première fois que j'ai appelé le metteur en scène, j'étais encore mineur et il m'a refusé ; j'ai rappelé le jour de mes 18 ans et il y avait justement un rôle qui venait de se libérer ! C'est sur ce projet que j'ai rencontré mon professeur, c'est donc vraiment un coup de chance ! Récemment, j'ai appelé un metteur en scène avec lequel j'avais très envie de travailler ; j'étais mort de trouille… Mais je crois qu'il faut prendre son courage à deux mains si on veut travailler.

Tu t'es aussi essayé à la réalisation ; ça t'a plu ?

J'ai effectivement réalisé deux court-métrages, Insomnies et Oh ! et j'ai co-écrit un scénario Tonton avec Vincent Vanderbeeken, lui aussi comédien. Ça m'a plu mais c'est beaucoup de boulot, d'investissement et pour l'instant ce n'est pas ma priorité. De plus, je n'ai aucune formation en réalisation. Mais un jour j'en ferai. La mise en scène au théâtre aussi m'attire beaucoup. J'ai fait 5 assistanats à la mise en scène, et en décembre dernier, je me suis lancé avec 5 Filles Couleur Pêche d'Alan Ball qui sera repris les 11 et 12 août 2008 au Festival de Spa. La prochaine, ce sera mi-avril : Le Jeu des Cigognes et de l'Enfer de Philippe Blasband au Festival Courants d'Airs
, à Bruxelles

Éprouves-tu des difficultés à mettre en scène des comédiens plus âgés que toi ?

Non, pas vraiment, surtout si la confiance est établie de part et d'autre. Lors de la distribution des rôles, j'insiste beaucoup sur le fait que le plaisir est indispensable dans ce genre de petits projets, sinon la motivation manque. Donc si quelqu'un n'est pas satisfait de son rôle, mieux vaut bien en parler et bien se mettre d'accord plutôt que de s'investir à moitié…

Obtenir ton statut d'artiste, ça a été une chose aisée ?

Comme pour le reste, il faut travailler ! J'ai fait plein d'assistanats à la mise en scène, de pubs, de courts-métrages etc… J'adore la diversité du métier, je crois que c'est un des rares domaines où c'est possible. Ne fût-ce que passer d'une pièce à une autre, c'est différent ! Et puis j'adore faire plein de trucs en même temps, même si je suis crevé, au moins je travaille ! J'éprouve du plaisir dans tout ce que je fais… Ce n'est pas un métier que l'on choisit pour devenir riche, c'est pour le plaisir qu'on en tire ! Je ne peux donc vraiment pas me plaindre, ce serait l'hôpital qui se fout de la charité…

Et le Prix du Patrimoine qui t'a été attribué en 2004, ça t'a été utile ?

Non ! C'est uniquement une ligne en plus sur mon CV…C'est pareil pour mon Premier Prix du Conservatoire. Cela m'a uniquement permis d'intégrer le CAS, et donc de passer des auditions et de faire des rencontres...

Travailler avec Thibaut Nève sur Tripalium alors qu'il est ton ami dans la vie, ce n'est pas trop difficile ?

Ce n'est pas la première fois que je travaille avec des amis : sur Jeux d'Adultes... on se connaissait tous par coeur, sur Le Monte-Plats aussi. Quand on travaille, on travaille. Je ne refuserai ou n'accepterai pas de faire quelque chose sur scène parce que Thibaut me le demande… Notre rapport est très clair. Le fait d'être amis est en fait un avantage, car on se fait mutuellement confiance. Et il ne faut pas croire que j'ai intégré Tripalium par copinage ; j'ai passé l'audition parce que j'en avais envie. Je crois d'ailleurs que je me suis donné comme jamais à cette audition : je n'avais pas envie de décevoir un ami ! Et le rôle me plaisait...

De quoi parle Tripalium ?

J'y tiens le rôle de Jean ; la pièce se passe à Bruxelles. Jean travaille chez Perfect SA, une société spécialisée en air climatisé. Il raconte son histoire en la mettant en scène avec ses anciens collègues ; tout le monde joue donc son propre rôle… Jean, adorait son métier, il se sentait chez lui, en confiance, en famille… Jusqu'au jour où il a le malheur de demander des congés pour aller suivre une formation à l'extérieur de la boîte. À partir de là, tout s'écroule. On lui parle de trahison, de contrat moral, de confiance bafouée. Après 2 ans il finit par démissionner. Cette pièce m'a plu car elle parle de l'emploi des jeunes, qui est un sujet qui forcément me touche ! J'ai aussi trouvé le débat intéressant : faut-il accepter de faire tout ce que notre boss nous demande pour conserver notre emploi ou plutôt se rebeller et donc rester intègre ? Et puis ici, c'est traité avec humour et gravité. C'est donc drôle, touchant et ludique à la fois.

Te vois-tu encore faire ce métier longtemps ?

Oui ! D'ailleurs je ne me vois pas faire autre chose… Mais je veux toujours rester dans cette diversité, ne pas m'enfermer dans un genre. Je fais quelque chose que j'aime et je gagne de l'argent pour le faire, je crois que c'est une grande chance…

Trouves-tu qu'il y a un star-system dans le théâtre belge ?

Non, mais je ne suis pas sûr que ce soit bien… Les comédiens belges méritent la reconnaissance. Souvent, les comédiens connus sont ceux qui sont passés au cinéma ou à la télévision. Je trouve qu'en Belgique il y a une grande humilité chez les comédiens. Par exemple, quand je jouais dans Les Fourberies de Scapin avec Pietro Pizzuti, ce dernier refusait de saluer tout seul, il voulait que toute la troupe l'accompagne ! La grande classe !

En parlant de la Belgique, que penses-tu de nos deux communautés culturelles ?

Je trouve ça génial ! Et malheureusement destructeur à la fois (on l'a constaté récemment). C'est dommage, ça devrait être une richesse, une force ! Au Théâtre, le KVS , le Kaaitheater proposent de très chouettes productions. Je trouve dommage qu'il y ait si peu de dramaturges flamands montés en français. Et inversement. Je regrette d'ailleurs de ne pas connaître la langue de Vondel… Mais je crois qu'on commence à voir des échanges ; par exemple, une compagnie flamande a approché Thibaut pour monter Tripalium en Flandre ! Il est vrai qu'il y a de grandes différences culturelles entre les deux communautés mais c'est enrichissant… À Bruxelles, je me sens toujours un peu en vacances vu la diversité culturelle ! D'ailleurs je ne sais plus très bien si je suis Français, Belge, Lyonnais ou Bruxellois… Je me sens Européen… je me sens là !

Que penses-tu de la distribution de l'argent pour la culture en Communauté française ?

C'est un problème compliqué… Je crois qu'il devrait y avoir plus d'argent pour la jeune création et la culture en général. La CCAPT [1]. a chaque année une enveloppe de 200 000 euros de subsides distribués entre 10 « premiers » projets, alors que 60 candidatures sont rentrées… Et quand on n'a pas la chance de l'obtenir, cela devient plus difficile d'arriver à convaincre les théâtres de prendre le risque de nous soutenir. Certains le font et c'est génial. Dans la programmation des Riches-Claires par exemple, presque tous les spectacles sont des jeunes créations, qui n'ont pas ou peu de moyens, mais de la motivation, des choses à dire ! Et puis, pour parler de la répartition de l'argent, On donne beaucoup d'argent au Théâtre National, mais je trouve dommage que celui-ci n'accueille pas davantage de jeunes productions. Le « jeune théâtre » n'existe plus. Ce sont souvent les mêmes comédiens et les mêmes metteurs en scène qui tournent ; ceci n'enlève rien à leur talent mais je crois que le National devrait être une vitrine du théâtre en Communauté française, avec une plus grande diversité, il y a tellement de talents en Communauté française…

As-tu des conseils à donner ?

Créez ! Créez ! Créez ! Lisez ! Sortez ! Osez ! Foncez ! Et puis surtout, n'ayez pas peur de vous remettre en question, cela permet d'aller tellement plus loin.

Propos recueillis par Solange De Mesmaeker le 5 février 2008

[1] Commission Consultative d'Aide aux Projets Théâtraux

Mathylde Demarez & Ludovic Barth

Nadine Pochez — 2008-01-24T10:29:31Z

Il était une fois… 2 élèves de l'INSAS : Mathylde Demarez et Ludovic Barth. Ils marièrent leur créativité dans un conte : J'ai gravé le nom de ma grenouille dans ton foie … et eurent beaucoup de spectateurs !

À ceux qui n'ont pas encore vu votre spectacle, je dirai : Gardez-vous bien de lire les « critiques ». Quoique tout le monde s'accorde à dire qu'on ne peut parler ni du fond ni de la forme sans risquer d'en dévoiler les ressorts et d'ainsi gâcher le plaisir de la découverte, il y a encore des journalistes qui vous en disent trop. Mon conseil : courez plutôt voir cet OTNI ! [1] Si vous n'en attendez rien, vous irez de surprise en surprise : au-delà de l'apparent chaos, il y a toute une mécanique réglée avec la précision d'une montre suisse. Je me souviens, en août 2006 au Karreveld, tous ceux qui revenaient d'Avignon disaient que J'ai gravé le nom de ma grenouille dans ton foie avait fait un tabac, qu'on ne parlait que de cela dans les rues, et qu'ils ne nous en diraient pas plus. À nous d'aller voir !
Ceci étant dit, ce qui - je crois - va intéresser nos lecteurs, et plus particulièrement ceux qui comme moi ont vu cette Grenouille, c'est plutôt la genèse de ce spectacle insolite.

Mathylde : On s'est rencontré à l'I.N.S.A.S. et puis je suis partie en France pendant 2 ans pour travailler avec une compagnie rouennaise.

Ludo : Et quand elle est revenue - on habitait ensemble en colocation - on a eu envie de faire un truc à deux avec, comme idée première, un homme qui se transforme en femme et une femme qui se transforme en homme, sans qu'il s'agisse d'un homme qui imiterait une femme ou l'inverse. Du fait qu'on était assez intimes, il y avait cette envie de savoir ce qu'il y avait dans l'autre qui définissait une identité de genre. La question qui se posait était : “C'est quoi la relation entre
un homme et une femme ?” Mathylde et moi, on n'avait pas du tout la même vision de cela. Moi, il y avait des aspects sur lesquels je voulais plus appuyer et pour elle, il y en avait d'autres.
Comme on a cherché à garder cette différence de points de vue et à y mettre ce que chacun voulait, cela a rendu le processus d'écriture fort complexe. En fait, l'écriture de ce qui s'est révélé être le conte dans la pièce a été l'affaire la plus délicate. Par contre, on ne savait pas du tout ce qu'on allait en faire : au tout début, ça ressemblait plus à un scénario de film, et puis après - en mettant l'histoire un petit peu de côté - on a commencé pendant une quinzaine de jours, à faire des impros à deux, en se donnant des thèmes devant une caméra parce qu'il n'y avait pas d'autre regard extérieur. C'est une forme d'improvisation qui est plutôt de l'écriture scénique, un travail d'impro comme on en fait depuis pas mal d'années maintenant avec la Compagnie Jours Tranquilles de Lausanne, avec laquelle on travaille régulièrement. Cela nous a permis d'accumuler de la matière sur l'homme et la femme.
Et dans cette matière il y avait des souvenirs d'enfance, des petites choses qu'on notait au fur et à mesure, tout ce qu'il nous paraissait chouette à développer mais toujours sans savoir comment structurer ça pour en faire un spectacle. Et d'ailleurs à l'époque, il n'était même pas encore question de faire un spectacle, cela a évolué petit à petit par la suite. Pendant tout un temps, l'idée avait été d'en faire une performance dans un appartement ou alors un délire un peu ambigu avec les personnages du conte. Et, au bout de ces 15 jours, précisément grâce à la vidéo, le concept nous est apparu clairement ! C'est à partir de ce moment-là, que nous avons vraiment commencé à créer le spectacle… Ensuite, cela n'a plus été que de l'artisanat pour faire quelque chose de cohérent à partir d'un délire.

Il y a une telle rigueur dans votre jeu parce que tout doit être mis en place et quasi minuté. Comment pouvez-vous gérer ça ?

M. À la base, ça a été beaucoup de travail pour cette première partie qui dure à peu près 20 minutes. Il faut que ce soit “timé”. Donc, encore maintenant, on fait un filage avant chaque représentation pour régler les déplacements et tout ça !

Évidemment ! Tous les plateaux ne sont pas pareils …

M. Oui, mais même sans cela, on le faisait aussi chaque soir les 20 fois où l'on a joué à Avignon. Parce que si on n'a pas à réfléchir à la précision, on peut trouver notre liberté de mouvement. Par contre, si on doit trop penser “Où je vais maintenant” etc. on n'a plus cette aisance qui fait que les gens au début pensent que c'est juste un joyeux bordel … c'est de là que vient la première surprise.

L. On brouille les pistes pour faire croire que c'est juste bordélique. Maintenant il y a un autre aspect là-dedans. En fait c'est une partition, comme une partition musicale, et en ce sens, le spectacle est très musical. Dramaturgiquement parlant, au cours de la première partie, les gens ont très peu de choses auxquelles se raccrocher si ce n'est notre énergie, la façon dont on les prend et le rythme qu'on induit dedans. Donc ça doit être extrêmement précis. Et ça fonctionne.

C'est étrange et perturbant

L. Bien sûr. C'est le but aussi. Et l'on demande aussi beaucoup d'efforts au spectateur.

Comment se passe l'écriture à deux ?

L. On avait la trame de départ et l'on écrivait chacun dans un coin de la pièce et puis après on se lisait des bouts et l'on chopait ce qui nous semblait utile. C'est comme ça qu'on a fait : on découpait des petits bouts, soit pour ce que cela racontait en se disant “Il faut qu'on l'écrive mieux”, soit en se disant “Ah ça c'est chouette en plus comme c'est tourné, on garde”.

M. à L. Le gros morceau - l'histoire de la princesse et du cuisinier - on a fait ça au Portugal, non ?

L. Oui. Je crois qu'on a fait pas mal de brainstormings au début

Que faisiez-vous au Portugal ?

L. On aime bien partir pour écrire hors du train-train quotidien à Bruxelles. En quelque sorte, ce sont des vacances-boulot : on réfléchit dans un autre cadre, on fait des impros…

M. Par exemple, pour notre prochaine création, on est allé en Bretagne. C'était moins ensoleillé !

Justement j'ai vu sur le blog de votre Compagnie, la CLINIC ORGASM SOCIETY que ce nouveau projet tournera autour de la Genèse. Pouvez-vous déjà nous en dire plus ?

L. On n'a pas encore de titre et c'est encore en pleine gestation. Normalement c'est prévu pour mars 2009

Y aura-t-il de nouvelles surprises ? Parce reprendre la même, ce n'est plus drôle évidemment.

L. On n'en sait rien. À ce stade-ci, on n'a de nouveau pas spécialement l'envie de faire une surprise… Si ça vient, on le fera, mais c'est vrai qu'on n'est pas dans le même état de virginité que quand on a fait La grenouille. Donc on essaye de garder la tête froide et de ne pas se laisser influencer, de ne pas être non plus dans le “Ah, ils attendent ça, alors on va faire…” Et en même temps, on veut pousser plus loin certaines explorations, certaines découvertes qu'on a faites. Donc il y aura des petites choses qui se retrouveront. Peut-être qu'au bout du compte, il n'y aura que notre esprit, notre attitude qui resteront les mêmes, tout en donnant quelque chose de très différent.

Pour en revenir à La grenouille, comment est venu le succès ?

M. Il y a eu une toute première étape, pas du tout officielle, juste entre amis, avec deux ou trois programmateurs, au Studio L'envers [2], qui a retenu l'attention de Catherine Simon, ce qui fait qu'il y a eu ensuite une deuxième étape-test au Centre Culturel Jacques Franck. Mais la toute première vraie représentation, on l'a jouée en octobre 2005 en Suisse au Théâtre 2.21 à Lausanne, parce qu'en Belgique, il n'y avait personne qui en voulait. Et puis le 16 décembre 2005, des amis du groupe musical Flexa Lyndo nous ont donné l'occasion de jouer notre pièce au Théâtre Royal de Namur dans le cadre de « Carte blanche à Flexa Lyndo »
Tout ça pour dire que nous devons une fière chandelle à Catherine Simon ainsi qu'à Philippe Kaufmann – qui avait programmé la première création de la Clinic [3] quand il était encore directeur artistique aux Halles de Schaerbeek – et c'est ça qui nous a permis de faire évoluer le travail. Nous avons envoyé sans trop y croire un dossier de candidature aux Doms, et sur les conseils, je pense, de Catherine Simon et Philippe Kaufmann. Philippe Grombeer, qui n'avait vu qu'une vidéo du spectacle, nous a programméS. Et c'est ainsi que nous nous sommes retrouvés au Théâtre des Doms en Avignon pour le Festival Off 2006 où la pièce a été jouée 20 fois.

L. Oui, on a eu cette chance inouïe de pouvoir présenter notre spectacle à un très large public. Inutile de préciser que nous sommes particulièrement reconnaissants à ces 3 personnes qui nous ont fait confiance et qui ont osé prendre le risque de nous engager. Depuis, nous avons eu des contrats un peu partout en France – pas encore à Paris -, en Suisse et en Belgique. Et d'ici la fin août 2008 - sans compter les « scolaires » - on aura joué notre spectacle 88 fois, ce qui n'est quand même pas mal.

Y a-t-il des différences entre le public ado et le public adulte ?

L. Oui. Le spectacle est montré à des ados à partir de 14-15 ans et, dans la première partie, ils sont très turbulents. Parce que notre rapport au public est très direct, des commentaires de tous ordres fusent et ça fait beaucoup de bruit dans les gradins. Et puis, ils sont complètement bluffés dans la deuxième partie. Ils sont retournés comme des crêpes et c'est le silence total ! Malheureusement, on ne sait pas très bien ce qu'en fin de compte, ils en ont pensé car ils s'en retournent très vite avec leurs profs.

Y a-t-il des différences entre public français et public belge ?

M. Une des choses qui nous a surpris, c'est que partout où on va, on est bien reçu.

L. Ce qu'on pourrait dire à ce sujet, c'est que lorsque le spectacle est annoncé en France, il y a cette réaction : “Ah c'est des Belges, c'est des fous. Faut qu'on aille voir ça !”. Donc à ce niveau-là, on sent une différence.

M. Pour eux si c'est belge, c'est déjà novateur. Lorsqu'on distribuait nos tracts, on avait des réactions comme “Oh des Belges ! Super ! On viendra vous voir !” Le fait d'être Belges, c'était déjà comme un label de qualité. Donc pour les Français, il y avait déjà un préjugé favorable.

L. Le temps des blagues belges est dépassé et depuis quelques années, ce qui vient de Belgique est très à la mode aux yeux des Français.

Nul n'est prophète en son pays… c'est ça ?

L. Il est vrai que - jusqu'à aujourd'hui - on a beaucoup plus tourné en France et qu'on n'a pas fait beaucoup de salles en Belgique [4] … À la fin de ce mois, on commence une nouvelle tournée dans 5 villes belges [5] et puis on est reparti sur les routes de France. Donc encore une fois : Oui, merci les Doms, et merci aux Français [6] et aux Suisses [7] de nous accueillir dans vos salles.

Le profil d'un public festivalier est-il très différent ?

M. Le fait est qu'en Avignon on jouait tard (23:45 h !) et on sentait d'emblée que le public était déjà très gai. C'était l'été, il faisait bon. Ils avaient déjà pris un petit verre sur une terrasse…

En ne tenant compte ni de votre talent, ni de votre passage aux Doms, à quoi pouvez-vous attribuer le succès de cette pièce ?

L. Il est vrai qu'on a été un peu dépassé par un succès auquel on ne s'attendait peut-être pas. En y réfléchissant, je crois que le succès du spectacle tient d'une part à la surprise et au secret, et puis à la nature même de ce secret (lié à la réversibilité et au fait qu'on va mourir et qu'on ne peut pas revenir en arrière). Je pense que cela doit toucher. Et puis il y a un côté ludique qui est forcément plaisant et c'est aussi relié à une deuxième chose c'est que je crois que pour beaucoup, les gens se disaient “Ah mais le théâtre, ça peut être cela aussi”. On a quand même quelquefois des retours étonnants : soit des gens pour lesquels cela ne correspondait pas à l'image qu'ils se faisaient du théâtre et à l'inverse, il y avait des gens qui n'aimaient pas, parce que pour eux ce n'était pas vraiment du théâtre.

Vous parliez de l'aspect « partition musicale » dans La grenouille

M. Oui, la musique, c'est quelque chose qui nous plaît. D'ailleurs, on aimerait bien faire un groupe avec mon ami Greg Duret qui est musicien, Ludo qui est également musicien et puis d'autres personnes qui le sont beaucoup moins. Comme il y a plusieurs comédiens impliqués dans ce projet, l'idée est de mélanger le scénique et la musique, mais le processus de création est long parce qu'on bosse tous sur des choses différentes, alors on a du mal à se voir. C'est un gros boulot. Il faut aussi que ce soit ludique ! Comment mettre cela en scène, c'est encore la question ?

L. C'est encore et toujours une question de démarche. Nous avons un rapport aux media artistiques qu'on pourrait qualifier de Lo-Fi, par comparaison avec la Hi-Fi. C'est-à-dire qu'il n'est pas nécessaire d'être un virtuose de la musique pour pouvoir en faire. C'est une espèce de rapport brut à ça. On ne cherche ni à faire de la musique, ni du théâtre. On essaye de faire ce que l'on ressent de façon rigoureuse. Ça crée en tout cas d'autres émotions. Finalement, au point de vue scénique, je finis par croire que les seules choses qui comptent depuis des milliers d'années reposent sur les rapports avec le spectateur. Donc les réinventions reposent sur ce rapport-là. Je crois que c'est ça qu'on a envie de creuser. Et il y a beaucoup de medias à exploiter à ce niveau-là... même internet !

Bref, la Clinic Orgasm Society a de nombreux projets novateurs en gestation …

M. Oui mais une gestation lente car nous aimons aussi prendre le temps et laisser nos projets mûrir. Par exemple, il nous a fallu 4 ans pour faire aboutir celui de La grenouille et la monter.

L. Oui, 4 ans parce qu'on ne fait pas que ça ! Parce qu'on est sur plusieurs projets en même temps et qu'on les gère petit à petit.

M. Sur les 4 ans, je pense qu'on a dû travailler au total 4 à 5 mois sur La grenouille. Pendant 6 mois, on n'en parle plus et puis on le reprend. Et même encore maintenant on y apporte des améliorations. On travaille par étapes. La dernière grosse étape, ça a été après les Doms. Greg Duret (qui a créé la musique avec Ludo) avait revu le spectacle avec, je dirais, une oreille extérieure, une oreille de musicien, et ensuite, pendant 10 jours au Varia on a retravaillé sur la musique. Et depuis le Varia, aussi ça a vachement évolué, ne serait-ce que parce qu'il y a eu des changements au niveau de l'équipe (régie et caméra). On affine encore. Je ne pense pas que ce spectacle puisse un jour cesser d'évoluer. D'ailleurs, ça nous ennuierait si, tout d'un coup, il n'y avait plus rien qui changeait

Donc les gens qui ont vu La grenouille peuvent aller la redécouvrir ?

L. En tout cas même s'ils n'auront pas de nouvelle surprise, pas mal de choses ont évolué. C'est certain.

Hier soir, au verso d'un flyer reçu à l'entrée du Théâtre Marni j'ai remarqué que vos 2 noms figuraient dans la distribution d'un spectacle du Groupe TOC
: Les 24 heures de Tina Pools à la recherche de son bonheur .

M. C'est une pièce de Marie Henry qui a aussi écrit Moi, Michèle Mercier, 52 ans, Morte, une autre production du Groupe TOC présentée aux Doms l'été dernier, ce qui a créé un peu la confusion dans l'esprit du public entre TOC et la Clinic Orgasm Society, alors qu'il s'agit de deux compagnies très différentes, avec des démarches différentes, une identité différente. Même si nous jouons dans Les 24 heures de Tina Pools et même si une comédienne de TOC fera partie de notre prochaine distribution. Ce sont des collectifs qui fonctionnent différemment dans le travail, mais nous aimons aussi vraiment beaucoup travailler avec eux.

Un petit mot au sujet de cette pièce ?

L. Les 24 heures de Tina Pools est un spectacle un peu particulier où l'on est tous sur scène pour jouer et en même temps chacun a une espèce de poste. Moi, par exemple, en plus du jeu, je m'occupe du son et de la musique, tandis que Raphaël Noël s'occupe de la lumière, Anne Thuot des photos et puis il y a encore Hervé Piron et Mathylde qui complètent la distribution. Donc on est à 5 sur le plateau pour raconter une histoire. La tendance actuelle veut que, dans beaucoup de spectacles, le régisseur soit sur scène. Mais là, il n'y a que des régisseurs sur scène !- c'est un peu ça le principe de départ dans ce spectacle-là mis en scène par Mélanie Zucconi. Donc voilà, on se met à tout contrôler depuis la scène.

Est-ce que vous avez des projets plus personnels ?

M. Le truc c'est qu'on se retrouve tout le temps ensemble. Même quand on essaye de faire autrement, il n'y a pas moyen (rires)

L. Depuis plusieurs années, on a fait quasi tout ensemble…

M. … En tout cas depuis qu'on travaille à Lausanne avec Fabrice Gorgerat, pour lequel Ludo bossait déjà en tant qu'assistant m.e.s. Alors, quand Ludo est passé sur le plateau en tant que comédien, c'est moi qui suis devenue l'assistante de Fabrice, avant de passer à mon tour sur le plateau !

Merci. Bonne tournée et bonne année.

√

30/01 au 1/02/08 Théâtre Royal de NAMUR (B)

7/02 au 9/02/08 : Atelier 210 BRUXELLES (B)

12/02/08 : Maison Folie MONS (B)

20/02 au 22/02/08 : Maison de la Culture TOURNAI (B)

29/02/08 : Centre Culturel René Magritte LESSINES (B)

6/03/08 : Théâtre du Saulcy METZ (F)

15/03/08 : Théâtre de Verre CHÂTEAUBRIANT (F)

18/03 au 20/03/08 :Théâtre Universitaire de NANTES (F)

25/03 et 26/03/08 : Onyx SAINT-HERBLAIN (F)

28/03/08 : Théâtre de l'Hôtel de Ville SAINT-BARTHELEMY (F)

30/03/08 : Scène Nationale Le Carré CHÂTEAU-GONTIER (F)

1/04/08 : Espace Jean Vilar d'IFS (F)

4 & 5/04/08 : Comédie de SAINT-ETIENNE (F)

[1] Objet Théâtral Non Identifié

[2] Rue des Tanneurs, 87 à 1000 Bruxelles. C'est la salle de répétition de la Cie Mossoux-Bonté

[3] Melvin Trilogie

[4] Bruxelles, Namur, Charleroi

[5] Namur, Bruxelles, Mons, Tournai, Lessines

[6] 55 représentations sur un total de 88 !

[7] 6 représentations sur 88

Andrés Cifuentes

Joëlle Yana — 2008-01-23T13:50:00Z

Interview autour de la création de "Purifiés" de Sarah Kane par la Cie théâtre Andrés Cifuentes

Quand as-tu commencé et quelles difficultés as-tu rencontrées ?
J'ai commencé à travailler sur "Purifiés" au mois de mai pour tout ce qui est administratif, casting, salle...et en septembre j'ai commencé le travail plateau avec les comédiens, qui a été intense jusqu'à maintenant.
J'ai surtout rencontré des difficultés financières et administratives, ainsi que pour me faire entendre. En tant que jeune metteur en scène étranger, il est difficile d'obtenir de l'aide matérielle ou un écho du milieu professionnel.

Humainement, financièrement, pour trouver des partenaires pour savoir où te produire... Avec ton école ?

Ce projet est complètement indépendant du Conservatoire de Mons.
Depuis ma première mise en scène il y a un an ("Vie et Mort de Pier Paolo Pasolini" de Michel Azama au Botanique), je n'ai eu aucune aide, ni financière, ni de piston. Je compte sur moi-même et mon très fort désir de travailler et d'avancer dans mon parcours théâtral.
Avoir le Salle Delvaux pendant un mois est vraiment une chance et je me suis battu pour pouvoir réaliser ce rêve de jouer 18 fois.

As-tu créé ta compagnie par facilité, par envie ? ...

"Purifiés" est ma quatrième mise en scène en un an et j'ai eu envie
d'officialiser un travail qui est en route et qui va continuer.

Comment as-tu trouvé les personnes que tu fais jouer ?

Il y en a certains avec qui j'avais déjà travaillé, et d'autres pas.
Pour "Purifiés" j'ai fait un casting, et c'est par là que j'ai rencontré les autres comédiens de la pièce.

Pourquoi elles et pourquoi rejouer souvent avec ces mêmes comédiens ?
Chacun de mes comédiens a une forte personnalité et c'est ce qui
m'attire quand je décide de travailler avec quelqu'un. Il doit y
avoir un désir mutuel de partager plusieurs mois de travail
ensemble, ainsi que dans le cas de "Purifiés", un amour des mots de
Sarah Kane, qui demandent une grande prise en charge et un
engagement à 100 pour cent.
Avec plusieurs mois de travail en commun, il y a une découverte
mutuelle, entre le comédien et le metteur en scène, et il y a
certains comédiens qui ont envie d'approfondir et de continuer un
parcours avec moi. Pour ma part c'est pareil, il y a des comédiens
avec qui j'ai envie d'aller plus loin, de creuser, et quand ces deux
désirs se rejoignent, nous décidons de repartir dans une aventure de
quelques mois.

Pier Paolo Pasolini a été créée dans le cadre d'un festival.
Parle-moi de celui-ci et du choix de Pasolini.

Pasolini est un artiste qui me touche profondément depuis des
années, ces oeuvres ont une force que peu d'artistes à mon égard
arrivent à toucher. "Vie et Mort de Pier Paolo Pasolini" de Michel
Azama que j'ai monté en janvier 2007 au Botanique, transmet les
questionnements et les interrogations artistiques de Pasolini
lui-même, plutôt qu'elle ne parle de ses oeuvres directement, et
c'est cela qui m'a plu.

Sarah Kane. Tu l'as montée l'an dernier, repris pour quelques dates
cette année, tu continues avec une autre de ses pièces et tu penses
déjà à créer Anéantis.
Pourquoi elle ? Ce qu'elle t'apporte, si tu te retrouves en elle ou
si ce sont juste des envies de mettre en scène ses écrits.
Quand je travaillais sur "4.48 Psychose" que j'ai présenté en mai et
en novembre, j'ai eu envie de d'approfondir l'exploration de cet
univers et le travail sur les textes de Sarah Kane, que je trouve
d'une force percutante. Elle a écrit toutes ses pièces entre 23 et
28 ans, et dans ce sens je trouve très fort de monter ses pièces en
ayant le même âge qu'elle avait. Il y a une jeunesse et un
engagement dans lesquels je peux me retrouver, même si en tant que
metteur en scène je prends une distance par rapport aux textes que
je monte, ce qui m'évite d'être dans l'admiration. Sarah Kane parle
pour moi de l'adolescence et la fameuse phrase de "Purifiés" de
Grace qui dit "Aime-moi ou tue-moi" résume assez bien son théâtre.
Derrière une apparence sombre de ses textes, je sens une fraîcheur
et un amour jeune qui rayonne dans "Purifiés".
Monter "Purifiés" après "4.48 Psychose" est une combinaison vraiment
intéressante, car après le resserrement de "4.48", "Purifiés", par
son écriture, me permet de travailler l'explosion et la multiplicité.
Dans "Purifiés" elle parle essentiellement de la quête d'identité,
entre autres par le double, et en cela, je crois que chacun peut y
retrouver des sensations vécues. Elle parle de la recherche de soi,
à travers ce qu'on aimerait être, ce qu'on n'est pas ou plus et ce
qu'on devient...

Sais-tu que Véronique Dumont va reprendre Psychose 4.48 dans le
courant du mois de mars ?
Oui je suis au courant et je serai content d'aller voir cette
comédienne que j'aime beaucoup dans ce texte que je trouve merveilleux.

A ton avis, pourquoi joue-t-on tant Sarah Kane depuis ces 4, 5
dernières années. Cela ressort-il d'un malaise de la société, de
quelque chose à exprimer...?

Sarah Kane de son vivant a été beaucoup "maltraîtée" en tant
qu'auteur ; La censure a failli être rétablie lors de la création de
sa première pièce "Anéantis". Je crois qu'elle marque par son
théâtre total, sans concessions. Je crois que les metteurs en scène
qui montent Sarah Kane aujourd'hui ont un désir de s'adresser aux
gens sans fioritures, d'une manière directe et viscérale. Ce qui ne
veut pas forcément dire choquante. Dans ma mise en scène de
"Purifiés", à aucun moment je ne fais des choix pour choquer. Je
cherche plutôt à inviter le public à sentir des émotions.

Toi, que veux-tu dire à travers tes mises en scène ?
Dans mon travail, je cherche avant tout à exprimer l'amour que j'ai
pour mon métier, et je choisis mes comédiens pour cet engagement-là
aussi. Sarah Kane me permet d'exprimer un profond espoir lié à une
révolte de l'inexprimable. Dans tout son théâtre elle parle de
l'impossibilité à exprimer son amour, à trouver des mots justes, et
le point culminant de cette impossibilité est bien sûr "4.48
Psychose" après quoi elle s'est suicidée.

Sylvie Perederejew

2007-12-14T18:24:58Z

Dans la pièce de Feydeau où elle joue actuellement, Sylvie Perederejew nous parle de mécanique et de timing. Un exercice périlleux qui demande contrôle de soi et précision.

Dans la pièce de Feydeau où elle joue actuellement, Sylvie Perederejew nous parle de mécanique et de timing. Un exercice périlleux qui demande contrôle de soi et précision. Mais lorsqu'on l'écoute parler de son emploi du temps, on ne peut s'empêcher de voir en Sylvie une grande reine du timing…

Sylvie, quand on lit ton parcours depuis ta sortie du Conservatoire, en juin 2001 on est impressionné par le nombre de pièces où tu as joué (plus de 25, si je compte bien) . Comment réussit-on à se faire emporter dans un pareil torrent de rôles ? Quel est ton secret ?

Mon secret ? C'est une énergie naturelle débordante. Et puis aussi la capacité de faire plein de choses en même temps. J'arrive à ouvrir un tiroir et à en fermer un autre. Par exemple, quand je suis arrivée au Conservatoire, je terminais mon mémoire à l'université en journalisme et à l'époque, je travaillais encore en radio à « Antipode ». Depuis, que je suis petite, j'ai toujours fait plein de trucs différents en même temps.

Effectivement, parfois on voit que sur une saison tu enchaînes vraiment les pièces les unes après les autres…

Mais en fait, c'est le principe de Théâtre en Liberté, la troupe dont je fais partie au Théâtre de la Place des Martyrs. Je fais partie de deux troupes : Théâtre en Liberté et les Ex. Avec les Ex, on a créé le Café-Théâtre de la Toison d'Or et pendant 4 ans, on a géré ce café-théâtre. Je l'ai créé pendant que j'étais encore au Conservatoire avec Alexis Goslain et Olivier Francart. Et puis rapidement on a formé toute une équipe. Et donc, tous les week-ends, je m'occupais du café-théâtre mais j'avais déjà commencé à jouer avec le Théâtre en Liberté.

Et comment a débuté cette aventure avec Théâtre en Liberté ?

En fait, j'ai commencé à faire un stage dans le spectacle « Jules César » et on était 20 figurants. Un des comédiens, Jaoued Deggouj, encadrait les stagiaires. Comme je faisais mon mémoire pour l'université, j'ai commencé mon stage plus tard que les autres. Quand je suis arrivée, les autres figurants en avaient déjà marre parce qu'ils avaient vu les filages des dizaines de fois. Alors, quand ce n'était pas à eux de jouer, ils allaient fumer leur clope dehors. Mais moi, je débarquais. Alors je me mettais dans le fond de la salle et je regardais. C'était intéressant, il y avait tout de même Philippe Résimont, Jean-Henri Compère, des grands rôles… Dans la salle, il y avait le metteur en scène, Daniel Scahaise. Daniel est quelqu'un de très expansif autant dans la colère que dans l'émotion. Et là, il était en plein dans l'émotion. Il voyait ses comédiens et il pleurait en leur disant : « Ah c'est vraiment bien ce que vous faites ». Je le voyais tout près de moi et j'ai tout de suite été touchée par l'équipe et par lui. Et puis, il m'a appelée pour un deuxième spectacle et puis pour un troisième, et pour un quatrième… Et puis, j'ai commencé à travailler dans les bureaux parce que, le principe de Théâtre en Liberté, c'est que tout le monde a deux casquettes. Ensuite, vu ma formation, je suis en fin de compte devenue attachée de presse.

Dirais-tu que la compagnie Théâtre en Liberté a un fonctionnement assez spécifique par rapport aux autres compagnies ?

Oui. On prend des gens qui fonctionnent vraiment en compagnie pour qu'il y ait un travail sur la longueur. Mais fonctionner en compagnie comme nous, il n'y a vraiment que nous pour le faire. Par exemple, dans la compagnie de Michael Delaunoy (faisant également partie du théâtre des Martyrs), il y a lui, l'équipe technique qui est toujours la même, et souvent les mêmes comédiens. Mais d'une fois à l'autre les comédiens changent quand-même.
Nous on est vraiment un noyau de 15 comédiens. On n'est pas payé à l'année comme c'était le cas avant au National ou au Parc, mais on sait qu'on peut avoir deux ou trois spectacles par saison. Et pour un rôle égal, pour un salaire plus ou moins égal, il faut tout de même qu'on préfère Théâtre en Liberté. Maintenant, si on nous offre un super rôle ailleurs, on peut aller ailleurs. Ou si on a des plages libres, par exemple moi je suis libre pendant 4 mois, je peux faire autre chose ailleurs. L'année passée, j'ai joué au 210. J'ai fait pas mal de spectacles d'été aussi : à Villers-La-Ville, à la Citadelle de Namur avec Jacques Neefs de la compagnie Act-Hours. À Namur, j'ai joué dans « La Surprise de l'Amour » de Marivaux. C'était la première fois que j'avais un grand rôle depuis ma sortie du Conservatoire. Et puis, j'ai fait « Mozart assassiné » que Jacques avait écrit et où je faisais Constance Mozart.

Comment est née l'aventure des Ex dont tu es membre fondatrice ?

Alexis m'a demandé si ça m'intéressait. En fait, on nous a dit : « Voilà, vous avez l'endroit, faites ce que vous voulez ». La première saison, on a essayé de trouver 4 spectacles. On écrivait le titre d'un spectacle, on demandait à des gens de le faire avec nous, mais Nathalie (Uffner) nous a proposé l'aide de Stéphane Custers pour notre premier spectacle. Stéphane Custers était sorti du Conservatoire depuis un certain temps, il avait fait pas mal de trucs, il a été un peu notre parrain… En fait, ça s'est super bien passé avec lui et c'est comme ça qu'il est resté avec nous. Le premier spectacle - « Amour, gloire et Batman »- nous a été écrit par Baptiste Lalieu, qui est Saule en fait. Et Baptiste nous en a écrit un deuxième : « Le prix à payer ». Ce dernier se passait dans un loft et c'était un jeu TV. Alors qu'on en était au tout début de la télé réalité et qu'on n'avait pas encore vu « Le Loft » en Belgique.

Et puis, après 4 ans, je pense qu'on était tous un peu fatigués de monter et de démonter les décors. On faisait aussi venir d'autres comédiens pour jouer avec nous, mais les accueils ne se passaient pas toujours bien parce que les gens venaient là comme s'ils étaient dans une structure normale, alors que nous on avait besoin d'un peu d'aide… Maintenant, il y a une autre équipe qui a repris le café-théâtre. Et Alexis bosse encore pas mal avec eux. Il écrit maintenant, il met en scène.

Et qu'en est-il de l'aventure des Ex, aujourd'hui ?

Les Ex existent toujours mais c'est une autre compagnie qui gère le café-théâtre. Nous avons rejoué « Tortilla de Patatas » l'année passée à l'Atelier 210. En fait, le rythme avec les Ex a un peu diminué et il s'est, par contre, accéléré avec Théâtre en Liberté. Dans l'équipe des Ex on est 6 ou 7, on travaille tous à des endroits différents, et on travaille tous beaucoup. Alors quand il faut trouver une date pour jouer ensemble, pour reprendre « Tortilla de Patatas » par exemple, ce n'est pas simple.

Tu as commencé des études de droit, puis tu as terminé une licence de journalisme et comment t'es venue ensuite l'idée de rentrer au Conservatoire ?

En fait, j'ai commencé à faire du théâtre quand j'avais 18 ans. Ce qui est assez tard… Avant ça, j'avais fait du violon de la danse, du solfège. La musique, c'est pas mon truc donc j'ai rapidement arrêté. Mais j'ai quand même fait 8 ans de danse classique. Et puis, en rétho, il y avait une pièce qui devait se jouer : « Roméo et Juliette ». Et comme toutes mes copines avaient déjà fait du théâtre à l'école et moi pas, car à l'époque, je faisais du sport, je me suis dit que je n'allais sûrement pas avoir de grand rôle. Donc je me suis inscrite à l'Académie parce que j'avais envie de faire du théâtre. Et puis, finalement, j'ai joué Juliette… Quand j'ai terminé ma scolarité, mon papa m'a demandé si je voulais faire du théâtre. Moi, je voulais faire le droit depuis 2 ou 3 ans. Alors je lui ai dit : « Non, pas tout de suite, mais peut-être bien après ».
J'ai fait mon parcours à l'Université et après ma première licence de droit, j'ai essayé de passer l'examen d'entrée au Conservatoire. Je l'ai raté, et c'est comme ça que je me suis inscrite en journalisme. Le journalisme a été une grande rencontre parce que c'était une super fac : les profs étaient chouettes, et j'ai commencé vraiment à trouver quelque chose que j'aimais bien. Quand j'ai fini le journalisme, je n'avais plus le même état d'esprit par rapport au théâtre. Si ça n'allait pas ce n'était vraiment pas un drame. Mais comme je me suis toujours dit que j'essayerais… À l'unif, il y avait une autre amie avec qui j'avais déjà fait l'Académie - Eve Jadot - et qui était intéressée de passer l'examen d'entrée. J'ai demandé à Vincent Dujardin de nous préparer. Lui venait de terminer le Conservatoire, lui aussi avait fait l'Académie avec nous. Finalement, on a été prises toutes les deux et nous sommes entrées dans la classe de Bernard Marbaix.

Tes choix de parcours reflètent une grande fidélité à des lieux (Théâtre des Martyrs, ...) et à des metteurs en scène alors qu'aujourd'hui, comme dans toutes choses, cette constance est plus rare et plus difficile. Comment t'expliques-tu cela ?

En fait, j'ai toujours aimé les collectivités. Je suis fidèle à des amitiés. Chaque fois que je fais des nouvelles rencontres dans un groupe, j'emmène une ou deux personnes avec moi pour le restant de mon parcours. Mais bien sûr, je pense qu'on a aussi besoin d'autres choses pour se nourrir. Je pense que c'est bien d'aller un peu de temps en temps faire autre chose ailleurs. Ne fut-ce que parce que, chaque fois que je reviens dans Théâtre en Liberté, je suis super contente. Je me sens un peu plus forte, et parfois, en fonction de l'expérience, je me dis que j'ai vraiment de la chance d'être là. Donc, peu importe ton expérience, tu reviens plus fort dans ta « maison ». Je ne suis pas encore dans la lassitude parce que je n'ai pas encore eu beaucoup de grands rôles, j'ai fait beaucoup de figuration. Je suis encore dans la découverte.

Pas de lassitude… peut-être parce que les comédiens et metteurs en scène avec lesquels tu travailles évoluent eux aussi ?

Ils font tous quelque chose ailleurs : cinéma, etc.
Daniel a toujours une vision globale dans sa manière de travailler. Parce qu'en plus d'être metteur en scène, il a été scénographe, il s'est occupé des lumières,… Et donc, il voit son spectacle. Avec Daniel, j'ai vraiment l'impression que le but c'est de parvenir à ce qu'il voit. J'aime bien avoir un metteur en scène qui a une envie précise. Parfois, on n'est pas d'accord, mais ce n'est pas grave, on le fait quand-même. J'ai plus de mal à travailler avec un metteur en scène qui ne sait pas ce qu'il veut. Il y a parfois des metteurs en scènes qui sont dans la recherche collective. Pour le Feydeau, par exemple, on a travaillé plus comme ça. Le metteur en scène avait sa ligne mais en dehors de ça, il y a beaucoup de choses qu'on a trouvé ensemble. Et ça j'aime bien aussi de temps en temps. Parfois, oui, j'aurais envie de faire des choses ailleurs, mais pas au prix de ne plus faire partie de Théâtre en Liberté.

Les répertoires de Théâtre en Liberté et des Ex sont très différents. Que t'apportent ces différences ?

À l'époque où je faisais les deux en parallèle, avec les Ex je jouais des grands rôles. Tandis que de l'autre côté, je faisais de la figuration. À la base, les Ex m'ont appris beaucoup de choses. J'ai appris aussi avec la figuration, bien sûr, mais l'apprentissage n'était pas le même. Avec les Ex, comme c'était souvent de la comédie, j'ai appris à me connaître par rapport à un public. Avec les Ex, je faisais souvent les rôles de la pauvre fille. Une fois j'ai fait la méchante. Aux Martyrs, j'ai fait plus de choses différentes (du Labiche, du Feydeau, du Shakespeare). En fait, la différence réside surtout dans la manière de travailler. D'un côté, on doit beaucoup plus proposer des choses, partir de nous, et de l'autre, on essaye plus de trouver la vision qu'a le metteur en scène. Mais finalement, ça revient au même. Car Daniel, quand il nous met dans un certain rôle, il le choisit en fonction de nous. Donc, ce qu'il attend a quand-même un rapport direct avec nous.

Maintenant, je suis contente de la manière dont les choses se sont passées. J'ai fait beaucoup de petits rôles, mais j'ai eu l'occasion de jouer beaucoup et donc de maintenir une constance dans le travail. C'est précieux, je trouve.

Parlons encore un peu de ton Boulevard Feydeau. Tu es mise en scène par Jean-Henri Compère. Quel regard as-tu sur sa manière de traiter l'œuvre de ce grand auteur de Vaudeville ?

Au début, Daniel devait mettre en scène ce spectacle. Et donc, il avait des idées assez précises de ce qu'il voulait faire du spectacle. Il ne voulait pas du Feydeau classique. Et quand, pour des raisons x, il n'a pas monté le spectacle, et qu'il a demandé à Hélène Theunissen et Jean-Henri de le faire, il a souhaité qu'on suive certaines de ses idées. Donc par exemple, on a situé le spectacle dans les années 70. Ensuite, il voulait que ce soit un peu déjanté. Et pour Jean-Henri, ici, sa manière d'être déjanté c'est d'apporter un côté BD. Il y a un côté BD par rapport aux décors, aux personnages, et par rapport à des éléments de mise en scène. On respecte Feydeau et certaines techniques du rythme, mais il y a des moments où on casse ce rythme. Par exemple, on dit souvent que Feydeau doit se jouer vite. Dans la première partie, qu'Hélène a mise en scène, c'est plutôt respecté. Mais chez nous, comme l'histoire de « Feu la mère de Madame » s'y prête bien, on commence dans la lenteur. Le spectacle dure 40 min et va en s'accélérant, au fur et à mesure que des autres événements surviennent.
On a également un pianiste sur la scène. Il est de dos. Il agrémente ce qu'on est en train de faire. Il intervient aussi.

Et toi, quel plaisir prends-tu dans l'interprétation de ton rôle ?

C'est le plaisir qu'on prend quand on joue dans une comédie. Feydeau, c'est une comédie construite. Il y a une mécanique. La jouissance de cela, en tant que comédien, c'est d'arriver à maîtriser cette mécanique pour que ça marche, pour qu'au bon moment, les gens rient. D'un soir à l'autre, ça peut être très différent : ou à cause du public, ou à cause de nous. Et puis, il y aussi le danger du rapport au public. Hier, au début, le public était très froid. J'avais 5 amis dans le public et à partir du moment où je suis entrée sur scène avec mon partenaire, tout le monde a commencé à se marrer (ce qui n'est pas tous les jours le cas). Le danger c'est de se laisser emporter par la réaction du public et d'en faire trop. Et donc, c'est aussi une maîtrise de soi. Par exemple, je déteste rire en scène ou voir mon partenaire rire (ça peut arriver bien évidemment). Mais ça m'énerve parce que cela veut dire qu'on sort de ce qu'on est en train de faire. Or c'est ça la maîtrise de cette mécanique : ne pas se laisser emporter. Mon personnage est un peu sur un fil… Pour ne pas en faire une mégère, le metteur en scène a voulu que je fasse cela dans la rondeur, dans un rire assez large. Mon danger, c'est passer le fil, et d'aller vers la méchante : que mon rire rond, se transforme en rire de sorcière… Je trouve qu'hier, je ne suis pas arrivée à tenir le côté rond. Les gens ont bien aimé, vu leur réaction, mais peut-être que moi, je me suis fait un peu avoir.

Tu as interprété beaucoup de rôles, tu as voyagé dans de nombreux styles théâtraux et visité nombreux auteurs de théâtre… Y a-t-il néanmoins des expériences qui ont été plus transcendantes que d'autres ?

Oui bien sûr… Par exemple, « Tortilla de Patatas » ayant été écrit pour nous, le jouer était du pur bonheur.
L'année dernière, pour « Jacques le fataliste », je me suis bien amusée dans le travail, j'ai appris beaucoup de choses. On était 4 comédiens : Jean-Henri Compère, Jaoued Deggouj, Christophe Destexhe et moi. Je jouais beaucoup de personnages différents.
Et « Prométhée enchaîné » en début de saison, a été aussi une expérience très intéressante. C'était la première fois qu'on faisait un chœur.
Il y a eu aussi, « La surprise de l'amour » parce que c'était la première fois que j'avais un rôle avec un personnage central et puis parce qu'il y a eu la rencontre avec Jacques Neefs et Nicolas Pirson. Nicolas est belge, il a fait le Conservatoire mais il a beaucoup bossé à Paris. J'ai vraiment eu l'impression d'être portée par ce comédien, qui m'a appris beaucoup de choses, à me centrer, … C'était très gai de jouer ce spectacle en plein air.
Et puis, dans « La nuit des assassins » que j'ai joué au Conservatoire, mis en scène par Vincent Dujardin avec Marc De Roy et Murielle Hobe

Y a-t-il des univers d'auteurs ou des rôles que tu n'as pas encore « expérimentés » et qui te tiendraient vraiment à cœur ?

Ce n'est pas encore pour tout de suite, car je suis encore jeune… J'aimerais bien interpréter Lechy Elbernon dans « L'échange ». Au Conservatoire, on avait travaillé le « Songe d'une nuit d'été », et j'aimerais un jour faire Titania Et… Tchekov ! Je n'ai jamais joué de Tchekov et c'est un univers que j'adore. Dans « Ce fou de Platonov », j'aimerais jouer la Générale.

Et faire toi-même de la mise en scène ça te tente ?

Pas du tout, je me sens incapable de faire ça parce que j'envisage toujours les choses en fonction de mon point de vue de personnage. Je n'arrive pas à avoir une vision globale des choses. Bien sûr je comprends l'histoire, là n'est pas la question. Peut-être, il faudrait que je m'essaye, parce que j'ai remplacé des amis à l'Académie et j'aimais bien diriger… Cela étant, avec les Ex, gérer un spectacle, on le fait de bout en bout. Mais moi, je ne m'occupe jamais de la mise en scène. Le comédien doit répondre au désir de quelqu'un et je pense qu'à la longue, ça doit être un peu frustrant. Peut-être qu'un jour, ça ne me suffira plus. C'est peut-être aussi pour cela que je fais d'autres choses… Mais « autres choses », c'est par exemple, faire du boulot dans la production, …

Tu fais déjà de la création de spectacle en collectivité , te verrais-tu écrire quelque chose toute seule ?

Non. Pourtant, chose bizarre, en tant que journaliste je n'ai aucun problème à faire ça. Mais dans le journalisme, tu construis en fonction d'un sujet, ce n'est pas vraiment pareil. C'est assez étrange, parce que, toute petite, j'adorais raconter des histoires, j'adorais les contes. Mon institutrice de 2ème primaire parle encore de l'époque où à la fin des cours, j'allais devant la classe et je racontais une histoire que j'inventais. Le lendemain, j'achevais mon histoire. Et d'ailleurs, au niveau des spectacles que j'aime bien, au niveau des chansons même, il faut qu'on me raconte quelque chose. J'ai du mal avec les spectacles qui sont plus corporels ou vocaux, ce n'est pas mon univers. Il y a des gens à qui ça parle. Moi, j'ai besoin des mots. J'ai besoin d'une construction narrative.

Mais tu as certainement déjà fait partie de ces spectacles un peu multidisciplinaires : le mélange des genres devient de plus en plus fréquent aujourd'hui…

Ça ne me dérange pas que ce soit pluridisciplinaire, si cela raconte quelque chose. Par exemple, j'ai adoré le spectacle « Franck, le garçon de boucher ». Ce spectacle m'a raconté plein de choses. Pourtant la narration est un peu déconstruite…

Justement la question suivante concernait les spectacles que tu as vus dernièrement et qui t'ont vraiment plu…

Ah ben voilà… Sinon, l'année dernière j'avais vraiment adoré « La Forêt », mise en scène par Philippe Sireuil

On te revoit donc encore cette année, après le Feydeau…

Oui, ce sera dans « Six personnages en quête d'auteur » aux Martyrs en février. Et puis normalement début mai aux Riches Claires. C'est un ami sculpteur - Xavier Rijs - qui va créer un spectacle, "Les Sentinelles nues", pour lequel il y aura une centaine de sculptures placées un peu partout dans les Riches Claires. Quelqu'un a écrit de la musique contemporaine pour 6 voix, un chœur donc. Quant à moi, je serai la parole, la comédienne de l'expérience. Ce spectacle aura lieu en mai. Xavier Rijs travaille avec Vincent Dujardin, celui qui m'a préparée au Conservatoire. On avait déjà fait ensemble « La nuit des assassins » il y a 10 ans mais c'est la première fois qu'on retravaille à 3.

En attendant, on te souhaite une bonne continuation, beaucoup de succès et de plaisir dans la pièce « Boulevard Feydeau » qui se joue du 21 novembre au 5 janvier 2008 au théâtre des Martyrs.

photo 1) du site des Ex
photos 2), 3), 4) par Sara Tant

Propos recueillis par Nathalie Lecocq

Naïma Ostrowski et ses sœurs

Nadine Pochez — 2007-11-25T15:00:10Z

Trois sœurs, et ce n'est pas du Tchékhov ! Les 3 sœurs Ostrowski montent Le Rêve d'un Homme Ridicule d'un autre grand écrivain russe : Dostoïevski. Rencontre avec 3 personnalités multidisciplinaires très attachantes.

Peut-être pourriez-vous commencer par vous présenter à nos lecteurs ?

Naïma : Je suis la plus jeune des 4 sœurs Ostrowski, mais on n'est que 3 à travailler sur Le Rêve d'un Homme Ridicule de Dostoïevski, car Leila vient de nous donner une petite nièce et dans ce spectacle-ci, je suis la comédienne. J'ai fait l'INSAS et puis après, il y a eu la période de transition duCAS que les jeunes comédiens sortant des écoles reconnues connaissent. Cela a été pour moi une période assez gratifiante, j'ai rencontré des gens intéressants. Il y a eu des projets sur ce parcours-là. J'ai aussi préparé physiquement des gens à l'escrime, par exemple pour le spectacle Juliette et Roméo de Delphine Bougard
, même si je n'ai pas créé les combats : c'est un maître d'armes français qui s'en est chargé. Et puis il y a eu différents projets, par exemple l'été dernier Le Songe d'une Nuit d'Été aux Grottes de Han avec le Théâtre de Nulle Part et plein de jeunes comédiens, donc c'était très gai, et puis il y a Le Rêve d'une Homme Ridicule qu'on va jouer maintenant à l'Espace Senghor et qui est mis en scène par Heidi.

Heidi : Je suis la seconde sœur et, au départ, j'ai une formation en journalisme à l'ULB. Et puis j'ai fait un 3e cycle en théâtre, je suis partie en Erasmus à Paris et j'ai pu commencer la mise en scène là-bas, et puis, à Avignon en 2003-2004, j'ai été l'assistante de Serge Poncelet sur Crime et Châtiment, également de Dostoïevski. Nous avons beaucoup travaillé le masque, entre autres le masque balinais. Serge Poncelet a aussi travaillé pendant 8 ans avec Ariane Mnouchkine, et comme plus jeune j'avais fait pas mal de danse et qu'il avait un travail du corps assez approfondi, cela m'intéressait de pouvoir travailler avec lui. Or, pour Le Rêve, avec Naïma, cela m'aide beaucoup parce que comme on n'a pas de décor, ce travail-là est essentiel.
Et puis il y a Marielle, l'aînée…

Marielle : Oui je suis également comédienne, mais dans ce projet-ci je n'interviens pas en tant que comédienne, juste en tant que maquilleuse. Dans mon parcours, j'ai commencé le théâtre très très jeune. On a toutes commencé à peu près à l'âge de 5 ou 6 ans à l'Académie de Mons, en commençant par la danse, la musique et puis le théâtre et pour l'art de la parole en ce qui me concerne. Et puis je suis partie à Paris à l'âge de 18 ans et j'ai fait l'école de variétés Studios Alice Donna. C'était principalement axé sur le chant, la technique vocale, l'écriture musicale, la danse un peu tout…
Après cela, j'ai suivi les Cours Florent et puis aussi l'Actor's Studio de Jack Waltzer (cinéma et théâtre).

Il y en a une autre qui a fait l'Actor's Studio

Heidi : Oui c'est moi, mais j'en ai fait un peu moins que Marielle : je trouvais intéressant de faire l'Actor's Studio, plus en tant que metteur en scène pour avoir une vision de tous les métiers du théâtre, parce que je crois que pour être un bon metteur en scène et avoir une bonne vision globale, il faut pouvoir se mettre à la place de tous les corps de métier .

Marielle : Je crois qu'on a toutes les trois fait de tout. Moi j'ai été habilleuse, j'ai été à la régie, j'ai été scripte, j'ai fait beaucoup de choses comme cela, même sur des cours métrages pour essayer d'apprendre et d'avoir une vue d'ensemble.

Et toutes les 3 ont fait du cinéma ?

M. : Oui, des cours métrages et des petites choses comme cela, oui…

H. : Non, pour ma part, pas encore, mais je pense que j'y viendrai par la suite. Je m'y suis toujours intéressée, notamment dans mes études : après le journalisme, j'ai aussi fait un deuxième cycle en écriture de scénarios à l'ULB (section ELICIT).

N. : Oui, par exemple, j'ai eu un petit rôle dans COWBOY de Benoît Mariage qui va sortir ces jours-ci et c'est vrai que j'aimerais bien faire un petit peu plus de cinéma, mais voilà : un pas après l'autre…

Et toi, Marielle, crées-tu les maquillages pour d'autres spectacles ?

M. : Non j'ai eu des cours dans le cadre de mes études de théâtre, et je me suis toujours intéressée à cela, j'adore… et puis mes sœurs m'ont demandé de faire des essais pour trouver un peu le personnage et finalement elles m'ont demandé de le faire sur le spectacle directement, et c'est comme cela que je m'y colle, mais c'est vraiment accidentel … disons que c'est un accident heureux, un travail de recherche… Mais c'est principalement un prétexte pour travailler avec elles parce qu'on avait envie de faire des choses toutes les 3 ensemble. Ce qui va certainement se reproduire dans le futur, mais alors sur scène directement. On a déjà un projet de chant ensemble.

Donc vous faites toutes les 3 du chant, de la danse, et en plus, il y en a 2 qui font aussi des arts martiaux !

N. : Moi c'est Taekwondo H. : Et moi c'est Karaté Shotokaï

Tout cela me ramène au fait que - si j'ai bien lu votre dossier - vous compensez l'absence de décor à la fois par une sorte de chorégraphie où chaque mouvement du corps a son importance, par de subtils jeux de lumière et enfin par un travail important sur le son et la musique.

H. : Oui, on a un décor sonore dont s'occupe Ludovic Romain. C'est une recherche sonore assez complexe : la voix de Naïma est captée en direct continuellement et Ludovic déforme… certains mots, le souffle… En plus il y a toute une création sonore

… et lumineuse

H. : Pour cela je fais confiance à Mike (Michaël Bridoux), parce que, au départ, ce que je maîtrise le moins c'est la lumière et ici on a essayé de l'utiliser au mieux.

N. : C'est elle qui mettra en valeur plutôt les yeux à un moment, ou telle autre partie du corps et qui va vraiment animer les espaces aussi.

H. : On a beaucoup axé notre travail sur les ombres aussi, ce qui permet à Naïma de les utiliser en quelque sorte comme partenaire de jeu. Nous avons exploré le thème du double, de l'individu contre lui-même. C'est un thème cher à Dostoïevski, notamment dans son roman « Le Double ».

Et c'est l'histoire d'un être humain plutôt que d'un homme au sens masculin du terme, puisque tu as choisi de faire jouer le rôle par ta sœur…

H. : Oui c'est important. J'avais découvert ce texte en Avignon en 2004 : il était joué deux fois cette année-là et j'avais beaucoup apprécié la mise en scène très sobre d'un des deux spectacles, celui du Théâtre du Troisème Œil. Le comédien, Régis Royer était vraiment admirable… Et j'avais été époustouflée par le texte dans la traduction d'André Markowicz, que j'ai d'ailleurs reprise ici… et tout de suite j'ai eu envie de travailler sur ce texte, mais de l'aborder différemment, parce qu'immédiatement ça m'avait donné d'autres idées de mise en scène. Et tout est parti de là : apparemment j'avais quelque chose avec Dostoïevski, ce que je ne pensais pas, parce qu'avant de travailler sur Crime et Châtiment je ne connaissais pas l'auteur, et puis là, c'est la 2e fois : je pense qu'il y quelque chose de fort avec Dostoïevski.

Et tu as pensé à ta sœur pour être cet homme ridicule ?

H. : Oui, il me fallait quelqu'un de très généreux et j'avais pensé à une femme parce que dans le texte, il n'y a que deux passages où il fait allusion au fait qu'il s'agit d'un homme, mais ce n'est jamais dit très clairement. Et en faisant jouer le texte par une femme, je trouvais que c'était une manière intéressante de rééquilibrer les forces masculines et féminines de l'humanité. Et puis Naïma a un parcours corporel riche, c'est une personne très généreuse dans la vie, et pour ce travail, il me fallait ces 2 éléments réunis.

N. : Au tout début il y avait la peur de travailler en famille.
H. : On a toujours peur de travailler ensemble, c'est vrai.
N. : Est-ce qu'on allait pouvoir gérer cela ?
M. : On a essayé et puis maintenant, on est bien contentes.
N. : Oui, c'est un grand plaisir, et en fait c'est plus simple parce que quand on a envie de se dire quelque chose, on se le dit franco. Et si on s'énerve, ça pète et puis c'est lavé, on peut continuer sur de meilleures bases.

Des projets ? Avec la quatrième sœur cette fois ?

M. : Oui, certainement… C'est déjà Leila qui a créé le logo de notre asbl Eudaimon mais elle va certainement faire nos affiches etc.
H : Il y aura peut-être d'autres projets avec elle par la suite, en chant ou en théâtre notamment, mais rien de concret encore…

Votre dossier fait mention du CECN à Mons... Une explication ?

H. : J'ai commencé à suivre des formations au CECN Le Centre des Écritures Contemporaines et Numériques en 2003. Au départ, il y a la structure TechnocITé qui a été créée à Hornu dans la région de Mons-Borinage : on y donne des formations pour tout ce qui touche à l'informatique en général. Et puis, ils ont créé l' I.S.N., une section spéciale Image et Son Numérique), à Mons dans le Carré des Arts, là où il y a les bureaux centraux du Manège et de la Maison-Folie. L'ISN donne une formation en logiciels de montage, de son etc. Voilà. Le CECN, quant à lui, utilise le même type de logiciels et de technologies numériques que l'ISN, mais avec des applications dans les arts de la scène. Généralement il y a 8 participants par formation. Cela dure une semaine, voire 2 semaines. Ils font des appels à candidature dans tous les métiers du spectacle. Donc on peut avoir des comédiens, des ingénieurs-son et cela rend le travail très intéressant. . Avec Ludovic (Romain) j'ai rencontré la Compagnie Mossoux-Bonté et, nous avons travaillé avec eux sur une de leurs nouvelles créations et c'est ainsi qu'on a fait leur vidéo de Khoom par exemple.
Donc pour tous les artistes, il est vraiment intéressant de pouvoir faire de telles rencontres, de pouvoir se former sur un même type de logiciel et de voir durant cette semaine, les diverses applications que veulent en faire par exemple un danseur, un monteur, un metteur en scène ou technicien du spectacle.

Qu'entend-on au juste par « écritures numériques » ?

H. : Il faut prendre Écriture dans son sens le plus large. Par exemple, il y avait une formation de Capture de Mouvements. On place des capteurs sur plusieurs parties charnières du corps , et c'est cette écriture du mouvement captée et transformée numériquement qu'on peut réutiliser, soit en vidéo, soit autrement, par exemple en direct. Il y a des possibilités d'écrire avec de la lumière ou des choses comme ça. Il y a de la 3D aussi. Donc ce n'est pas seulement de la vidéo, mais plusieurs types de média, et plus particulièrement les nouveaux médias.
Il y a aussi des capteurs qu'on peut mettre dans les mains ou les bras des comédiens et ça peut faire varier l'amplitude d'un son, une lumière. En fait c'est une sorte de laboratoire : Ils élaborent ça, ils essayent d'expérimenter cela à travers des formations.

On souhaite bien sûr que ces 4 soirées au Senghor vous ouvriront les portes d'autres institutions théâtrales, je crois d'ailleurs savoir que vous avez déjà des contacts possibles à Mons, Tournai, et même dans le Nord de la France, mais à part cela, d'autres projets pour cette saison ?

N. : Pour le moment, il y a « Le Rêve » qui prend la plupart de mon temps, mais il y a aussi le projet de l'Atelier-Théâtre du Resto du Cœur
à Charleroi qui reprendra cet hiver. Là, j'assiste Emmanuelle Bonheur et Frédéric Ruymen qui, l'an dernier, dans le cadre du Centre des Arts Scéniques, avaient fait des auditions pour trouver une assistante. J'ai commencé à travailler avec eux et l'on va continuer à travailler ensemble cette année. Le CAS intervient encore pour 10 séances et puis, on va voir si on peut continuer ce parcours du point de vue pécuniaire… On fait des ateliers avec les gens des Restos du Cœur, et avec les fluctuations du temps, des énergies, des dépressions, du fait qu'il y en a qui retournent à la drogue, il y a des personnes qui vont qui viennent… petit à petit, un petit groupe de mordus s'est constitué. Ainsi, l'année passée, on a pu monter tout un spectacle : QUI EST LÀ ? d'après Hamlet, et donner une représentation à l'Eden au mois de juin. Et puis cette année on reprend. Maintenant comme il y a des complications avec tout ce qui se passe à Charleroi pour l'instant, on répète dans un lieu à l'Eden, mais c'est toujours avec les Restos du Cœur.

C'est donc un projet théâtral avec des gens qui vont manger aux Restos du Cœur ?

N. : Voilà. C'est un public marginalisé d'une façon ou d'une autre. C'est une autre façon d'utiliser le théâtre, mais sans qu'il y ait du tout de psychologie. Donc par exemple, tu vas jouer la femme qui a perdu son enfant… On ne joue pas torturé, on prend des grands thèmes très vastes. C'est pour ça qu'Emmanuelle aime bien travailler avec Shakespeare. Frédéric et Emmanuelle sont des personnes qui me touchent beaucoup parce qu'ils font vraiment bien leur métier d'animation théâtrale : ils considèrent toutes les personnes avec le même respect. Il n'y a pas ce rapport hiérarchisé qu'on rencontre parfois avec certains professeurs dans les parcours classiques. Voilà je trouve que c'est un beau projet et c'est aussi une autre facette de notre métier : le théâtre est fait principalement pour parler aux gens, pour créer des émotions. Et dans Hamlet on pouvait voir sur leurs visages qu'ils étaient plus en forme, plus simples, plus motivés et puis aussi on les écoutait. C'est important ! Et pour nous c'était très gratifiant.
Et puis cet hiver, il y aura aussi l'improvisation, parce que je fais partie de la Ligue d'Impro Belge. Je vais enfin pouvoir aller plus régulièrement aux entraînements car la saison 2008 débute mi-janvier. Et à côté de cela, il y a - bien entendu - l'heure d'escrime qui me permet de continuer à me perfectionner sous la direction de Jacques Cappelle. C'est une de mes passions ! Comme j'ai eu l'occasion de toucher un peu à la formation de combat dramatique, j'envisage sérieusement de suivre une formation pour devenir Maître d'armes… Donc c'est encore un autre axe et aussi une envie, mais qui demande une concentration un peu particulière.

Et tu irais au Canada comme Mathieu Moreau ?

N. : Oui. J'aurais aimé faire cela déjà l'année dernière, malheureusement je n'en avais pas les moyens. Mais j'espère qu'il y aura peut-être plus de rentrées d'argent avec « Le Rêve. » et que cela me permettra d'aller cet été à Toronto ou alors à Banff pour le stage de Noël.

Banff ?

N. : C'est un stage qui se passe tous les 2 ans, au Canada (Alberta) et là c'est un stage qui se concentre autour de toutes les formes de combat. C'est un stage international et il y a des gens de partout…. Jacques Cappelle l'a fait le Noël passé avec Mathieu Moreau et ils ont pu rencontrer des formateurs qui ont participé aux combats du Seigneur des Anneaux.
Et le 3 décembre, je fais un tout petit passage de 3 minutes sur scène avec Jacques Cappelle pour le Gala des 80 ans de l'Union des Artistes au Théâtre Royal du Parc : ce sera ma première fois sur scène avec une arme ! Voilà pour l'hiver après ça, je suis ouverte et je verrai ce qui va arriver. Et s'il y a moins de choses au niveau théâtre à ce moment-là cela me laissera du temps pour…

M. : Tu pourras peut-être écrire un peu pour nous trois !
N. : Voilà ! Et aussi faire des démarches pour le cinéma. C'est jamais fini et il y a toujours à faire !
H. : Oui, on est toujours en mouvement

Conclusion : Le Rêve d'un Homme Ridicule est à vendre : Avis aux amateurs !

Merci à vous 3 et puis M… !

Le Rêve d'un Homme Ridicule à l'Espace Senghor du 27 au 30 novembre 2007

Propos recueillis par Nadine Pochez le 19 novembre 2007 à l'Espace Senghor.