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Carmela Locantore

Nadine Pochez — 2008-05-20T14:45:06Z

Carmela Locantore a une passion - le théâtre - et un projet personnel - UNE PASSION - qu'elle jouera à La Clarencière et au Off d'Avignon. Comme l'Héloïse d'Abélard qu'elle incarnera, elle se penche sur son passé.

Pourrais-tu te présenter ?

Je m'appelle Carmela Locantore ☺ et je pratique le métier d'actrice depuis que j'ai 14 ans… ça fait un bout de temps !

Comment ça a commencé ? Tu es venue d'Italie à quel âge ???

Je suis née en Belgique au beau pays de Charleroi. Dans ma famille, la langue maternelle était un de ces nombreux dialectes des Pouilles, la sonorité de la langue change de 10 km en 10 km. Avec mes frères et sœurs, nous nous exprimions en français. Nous écoutions chaque jour la radio. Et j'ai dû considérer à l'époque que la juste connaissance de la langue française était un atout d'intégration, un accès à l'extérieur, une espèce de conquête du pays d'accueil. Je me souviens encore du jour où, pour la première fois, j'ai appris une poésie à l'école. Je devais avoir 6 ans. Immédiatement je me suis sentie en confiance avec le monde, ça m'a massé l'âme et consolée de me sentir toujours si différente des autres filles. Le dimanche, j'allais à l'église, j'aimais bien ça. J'y allais seule, sans qu'on m'y oblige. C'était encore le temps de la messe en latin. Je connaissais tout son déroulement et répétais les mots avant le curé, mais quand il lisait les évangiles en français, j'estimais qu'il ne les faisait pas comprendre, qu'il ennuyait plutôt. Dès que j'ai appris à lire, et que j'ai su lire, je trouvais que je lisais mieux que lui !!! Je suppose que c'est de cette prétention à envier sa place de prêcheur qu'est née ma vocation d'actrice. Mais peut-être qu'elle viendrait aussi des après-midi que je passais avec ma mère et ses amies émigrées italiennes dont certaines habitaient carrément la même rue qu'elle dans son regretté village. C'est en les écoutant parler, se rappeler avec nostalgie leur cher sud que j'ai peaufiné ma connaissance des différents dialectes : napolitains, siciliens etc.. J'apprenais des chansons, je répétais leurs expressions d'adultes, elles riaient et applaudissaient. Peut-être se sentaient-elles tout à coup moins isolées, moins étrangères dans ce sombre pays de terrils à Marcinelle, puisqu'une enfant était capable de les comprendre, de les divertir et de parler comme elles : j'étais déjà le clown de service ! Ma mère, elle, orgueilleuse et fière, fâchée d'être là, n'a jamais voulu apprendre le français, elle ne s'exprimait même pas en italien. C'était sa manière à elle de faire sa révolte contre l'immigration.

Actrice depuis tes 14 ans ?

Un jour, à l'école, au réfectoire, à midi, une fille a récité un très beau poème : Sous le pont Mirabeau coule la Seine et mes amours… et je lui ai demandé où elle avait appris cela – Ah, mais je vais au Conservatoire, bla, bla, bla.. ! Comme si ça n'appartenait qu'à elle – J'ai bien écouté, pris tous les renseignements, et en septembre, – j'avais 13 ans – j'ai dit à maman que j'aimerais bien aller au Conservatoire les mercredis et samedis après-midi. Bah, si tu fais la poussière et que tu nettoies partout, tu peux faire tout ce que tu veux, même te pendre ! C'est ainsi que j'ai été au Conservatoire de Charleroi. J'avais des travaux à faire à la maison et tous les jours j'étudiais une poésie et en même temps je prenais des cours de littérature.
Et puis, quand je montais sur le plateau, mon professeur, Yvonne Garden disait : Mon Dieu, quelle présence… mais quel tempérament ! (rires) et moi je ne savais pas du tout ce que ça voulait dire : ON me regardait et ON trouvait des choses à dire… À la maison, j'étais la 5ème des six enfants un point c'est tout, mais là, tout d'un coup, j'étais quelqu'un qui avait « de la présence… et du tempérament !!! » (rires). Bien après j'ai compris qu'au théâtre, avoir de la présence et du tempérament …

… c'était un atout !

Oui c'était un atout, bien que ça me semblait être quelque chose de naturel que tout le monde avait à sa façon. Alors, quand j'étudiais Hermione, dans sa rage, je reconnaissais ma rage d'adolescente…Ainsi, la poésie et le théâtre devenaient vivants parce que je pouvais exprimer des choses qui étaient profondes, secrètes, enfouies en moi ! C'était une espèce d'exorcisme et en plus c'était beau. Alors dès 14 ans, j'ai vraiment décidé que je ferais du théâtre. J'avais été étonnée d'apprendre qu'on pouvait en vivre que c'était un métier. Souvent le soir en compagnie de mon père, on regardait la télévision et je voyais Jacqueline Maillan, Sophie Desmarets, dans les pièces de boulevard que proposait l'ORTF… Robert Hirsch et le Poulain, les acteurs de la comédie Française qui jouaient Tartuffe, j'en raffolais ! Mais surtout Louis Jouvet me fascinait. Alors quand j'ai su que je pouvais si je le désirais vraiment en faire ma profession, mon sang n'a fait qu'un tour et j'ai choisi ce chemin. Yvonne Garden m'avait dit : “Tu fais tout ce que tu veux Carmela si tu veux faire ce métier, mais tu ne travailles jamais en amateur et à 18 ans tu t'inscris au Conservatoire à Bruxelles… … Ensuite, tu ranges ton costume dès que tu as fini de jouer, en respectant ton costume, tu te respectes et tu respectes l'habilleuse et tous les gens autour de toi et tu te démaquilles tous les soirs après la représentation…” . Et ses conseils et recommandations sont restés ancrés en moi : mon costume c'est toujours ma maison.

À 18 ans, je me suis inscrite au Conservatoire à Bruxelles, chez André Debaar en Art Dramatique et chez Suzanne Philip en déclamation. Leurs chargés de cours étaient de magnifiques acteurs en activité : Frédéric Latin, Jules-Henri Marchant, Bobette Jouret, Anne Carpriau
, Eric Pradier … que les élèves que nous étions, pouvaient applaudir le soir au théâtre, l'entrée était gratuite pour nous. Extraordinaire ! Et après nous prenions un verre avec eux. Par leur fréquentation, nous accédions rapidement au statut d'acteur. Il faut dire qu'à l'époque, nous avions la chance d'être engagés avec un contrat, donc professionnellement par des directeurs de théâtre tels que ; Claude Etienne, du Rideau de Bruxelles, Jacques Huisman, du Théâtre National de Belgique, Claude Volter, de la compagnie qui porte son nom… Nos partenaires étaient des comédiens chevronnés qui nous traitaient d'égal à égal. Ne faisions-nous pas tous partie de la même famille, la grande famille du Théâtre ?

Et après le Conservatoire de Bruxelles ?

Comme nous avions déjà joué de petits rôles, pour certains et de grands pour d'autres, dans les grands théâtres de la capitale, le reste coulait de source, il suffisait d'avoir un numéro de téléphone et je ne dis pas que les contrats pleuvaient, mais on nous appelait pour jouer et participer à des créations.
On était mêlé, en tant que jeunes, à des gens qui pratiquaient le métier depuis 10, 20, 30, 40, 50 ans même, et l'on devenait amis avec ces gens qui nous donnaient des conseils, comme Madame Falk par exemple. Nous les jeunes, nous étions très affamés de cela.

Suzy Falk qui dit que tu es sa fille spirituelle…

Oui, c'est tout à fait vrai. J'avais 18 ans quand j'ai rencontré Suzy à Charleroi au Théâtre de l'Ancre. J'avais été engagée pour jouer dans Homme pour Homme de Bertold Brecht. Il n'y a qu'une femme dans cette pièce, et Suzy en était la protagoniste, mais le metteur en scène, Jo Van Ossel avait ajouté 2 rôles féminins… il trouvait que ça faisait mieux 2 filles en plus dans un bordel ! Suzy était magnifique en veuve maquerelle ! La première fois que je l'ai vue dans la salle de répétition, j'ai été surprise de voir une femme qui s'exprimait haut et fort devant une assemblée d'hommes complètement médusés qui l'écoutaient bouche bée, buvant ses paroles, n'osant pas l'interrompre. Et je me disais Je la connais. Pendant un mois, j'ai cherché Qui est-ce, mais qui est-ce ? et un jour, je me suis souvenue ! Elle jouait dans un feuilleton télévisé « Les Compagnons de la Nuit » et chaque fois qu'elle apparaissait mon père disait : Ah voilà la femme à la pipe ! Il adorait ce personnage qu'elle interprétait, nous étions deux. Son physique m'était donc familier, je l'avais connue avant de la rencontrer. Et c'est ainsi que depuis nous sommes liées par une longue amitié.
À cette époque, on avait cette chance de pouvoir rencontrer des artistes, des adultes qu'on admirait grâce à une certaine politique d'engagement qui sévissait alors. Ainsi, Philippe Volter, un ami malheureusement disparu aujourd'hui, m'a permis de rencontrer Jacqueline Bir d'une façon tout à fait incongrue, il m'a dit : Carmela est-ce que tu veux bien aider ma mère. Elle joue au théâtre du Parc Requiem pour une Nonne de Faulkner, elle a besoin d'une répétitrice pour La Voix Humaine de Jean Cocteau qu'elle prépare pour la radio. Tu devras être là pendant une semaine chaque soir à l'entracte. Et bien sûr tu seras payée pour cela. Et voilà que je me retrouve dans la loge d'une actrice qui se déshabille, se démaquille et se recouvre presque entièrement de fond de teint noir devant moi, (elle jouait une femme de couleur au troisième acte) tout en répétant son texte … C'était génial… Et 5 minutes avant la séance et 5 minutes après, elle prenait un peu de temps pour me parler très gentiment… j'étais aux anges ! À cette époque, tu rentrais de plain-pied comme ça dans la profession, très jeune. Je pense parfois aux jeunes d'aujourd'hui qui doivent avoir beaucoup plus de difficultés pour se faire engager dans des théâtres subventionnés.

Tu as eu beaucoup de chance de pouvoir travailler avec des metteurs en scène comme Claude Etienne…

Oui, aussi avec Jules-Henri Marchant, Jacques Huisman, Bernard de Coster et aussi Thierry Salmon, il était lui aussi élève au Conservatoire avant de devenir metteur en scène.

Oui, justement pour commémorer les 10 ans de sa mort, il y a très prochainement un événement aux Halles de Schaerbeek.l [1] C'est d'ailleurs là aussi que je t'ai vue dans cet extraordinaire spectacle Les Troyennes d'Euripide, qu'il avait mis en scène et qui était chanté en grec ancien sur une musique de Giovanna Marini. Raconte-nous cette aventure extraordinaire ; ça a fait combien de représentations ?

Je ne sais pas, mais en tout cas, c'est un travail qui a duré 2 ans. Nous sommes partis en février 1988 et la création du spectacle se faisait en plusieurs étapes : d'abord nous avons commencé à travailler à 8 personnes et plus une 9ème parce que pour Hécube - comme c'est un grand rôle - Salmon l'avait divisé en deux.
On est resté un mois à Gibellina en Sicile, dans ce village qui avait été détruit en 1968 par un tremblement de terre. Le maire de la ville avait alors décidé de faire de cette ville une œuvre d'art, aussi, chaque année on y donne des représentations… Donc on a répété un mois, puis en mars, on a été à Naples [2] et là on a fait la première partie de la création du spectacle à 9. Ensuite, nous sommes allées à Hambourg [3] où nous avons rejoint 9 comédiennes allemandes et nous avons créé un spectacle avec elles et les 9 comédiennes siciliennes du départ.

Et toi tu étais dans tous les spectacles ?

Oui parce que j'étais Hélène. Je faisais partie de ce qu'on appelle les protagonistes, mais les autres personnages qu'on croisait, les filles de Sicile, celles de Hambourg et ensuite les filles de France, c'était plutôt le chœur. Chaque personnage avait son propre petit chœur : il y avait 4-5 femmes attachées à la Reine, 4-5 attachées à Cassandre etc. et les personnages masculins avaient été changés en personnages féminins. Puis on l'a joué à la Chartreuse de Villeneuve-lès-Avignon et ensuite on s'est retrouvées en septembre 1988 à Gibellina pour créer le spectacle avec 32 femmes, c'est-à-dire avec celles de Sicile, de Hambourg et d'Avignon. Ensuite nous avons fait une tournée ; nous avons été à Milan pendant un mois. Pour Thierry, l'espace scénique était le premier acteur. Nous devions investir l'espace et chaque fois recréer un nouvel espace. On a joué aussi à Marseille sur l'île du Frioul [4], à Barcelone et évidemment à Bruxelles aux Halles de Schaerbeek en automne 1989. Malheureusement ça s'est terminé là, je ne sais pas pourquoi. Les producteurs sans doute, mais c'est bien dommage parce qu'on aurait pu faire une tournée internationale et récolter le fruit de notre travail.

Alors que j'étais à Villeneuve-lès-Avignon avec Les Troyennes, Claude Etienne m'a demandé de jouer dans La Maman et La Putain. Les droits venaient de se libérer, Jean Eustache était mort – et il m'a dit : Si tu ne le fais pas, je ne le fais pas ! Il n'avait pas encore le metteur en scène. Après il a demandé à Bernard de Coster de le monter et j'ai joué Veronika avec entre autres Bernard Cogniaux dans le rôle d'Alexandre. C'est un bon souvenir pour moi.

Il y a aussi d'autres metteurs en scène avec qui j'aime bien travailler, par exemple Richard Kalisz, avec qui j'ai fait Les Bonnes de Genet ou Sang de Lars Norén. Ou le Roumain Mihai Maniutiu, qui m'a mise en scène dans La Leçon de Ionesco au Théâtre de L'Ancre à Charleroi.
Une autre belle expérience a été mon tour de chant au Théâtre Le Public, il y a 3 ans. Il y avait 25 chansons et ça s'appelait Accords et Désaccords. Ce projet a vu le jour parce que Gérald Marti m'avait vue lors des « Midis du Rideau ». parce que quand nous étions au Conservatoire, nous avions la chance, d'avoir ce professeur – Claude Etienne – qui avait son propre théâtre et qui nous permettait de créer des spectacles sur l'heure de midi. Même comme élèves, on avait un salaire, on était déjà de vrais professionnels. J'avais alors 19 ans ! Je dansais, je chantais dans un spectacle musical et de poésie et Gérald m'avait dit : Toi un de ces jours, je te mettrai en scène dans un tour de chant ! Et euh… 29 ans plus tard (rires !) on a fait un tour de chant, suivi du Bel Indifférent – parce que de mon côté, je rêvais de faire quelque chose avec ça, d'utiliser en quelque sorte la trame du Bel Indifférent pour ce spectacle. Gérald m'a dit : Qu'à cela ne tienne, tu vas faire ton tour de chant et après tu joueras Le Bel Indifférent.

Alors chaque soir, je chantais mes chansons, accompagnée par mon ami Renaud Grémillon et puis je me retrouve dans ma chambre d'hôtel. Le public comprend que c'est l'accordéoniste qui joue mon amant, lequel, bien évidemment ne m'adresse pas la parole alors que je me traîne à ses pieds après lui avoir fait, je ne sais pas quelle scène. C'était une pièce que Jean Cocteau avait écrite pour Edith Piaf et Paul Meurisse

Qu'est-ce qui est important pour toi ?

Des gens comme Jacques Huisman ou Claude Etienne qui sont de la même famille que mon premier professeur Yvonne Garden quand j'avais 14 ans étaient des gens qui aimaient la langue française. Je t'ai dit que pour moi la langue française est une conquête d'une culture qui n'était pas la mienne. Or ces gens-là, tout comme Louis Jouvet, font partie de la tradition du théâtre, la tradition du beau dire, de l'articulation, et de la sincérité. En cela le théâtre sera toujours moderne. Dès qu'un acteur est sincère, il est toujours moderne. On ne se démode pas si on est sincère. Si on est sophistiqué, on se démode, mais si un acteur joue avec ce qu'il va chercher au fond de lui, qu'il arrive a être en harmonie avec cela… il sera toujours créateur de son personnage, il sera toujours fort. Et moi, j'aime bien travailler avec cette ligne de conduite-là. Donc j'ai eu beaucoup de chance de travailler avec ces gens-là, à une époque où l'on engageait des jeunes gens.

Tu as encore joué dans Sokott avec une pléiade de femmes mûres, mais ce n'est plus toujours évident de trouver assez de travail. Alors tu as mis sur pied un nouveau projet de seule en scène : Une Passion qui te permettra de te produire à la demande, mais qui surtout fait l'actualité aujourd'hui …

Un jour, au Botanique, il y a un type qui m'aborde et que je n'avais plus vu depuis longtemps et il me dit : Écoute Carmela, il faut absolument que je te fasse lire un texte, c'est un texte pour toi, il faut que tu en fasses quelque chose ! Et il m'apporte ce roman de Christiane Singer qui relate la vie d'Abélard et d'Héloïse racontée du point de vue d'Héloïse, mais surtout du point de vue de Madame Christiane Singer, qui a des vues bien précises sur le monde, la nature, l'amour et la spiritualité. Cette femme a une vision tellement amoureuse des gens et du monde, que lorsque j'ai lu ce texte, j'ai eu un choc émotionnel et je me suis dit qu'il me fallait faire partager cette émotion. Pour cela, il n'y avait qu'une seule solution : me mettre au travail et faire l'adaptation théâtrale de ce roman : Une Passion. J'ai appelé ça : monologue pour voix... À 60 ans, Héloïse, une érudite du XIIe siècle, se penche sur son passé. Elle va retracer les éléments de sa vie, mais elle va d'abord se présenter telle qu'elle est, en se souvenant de la petite fille qu'elle était, pleine d'amour pour tout, pour la nature, pour sa nounou, et puis en se souvenant de la toute jeune fille qui tombe éperdument amoureuse d'Abélard et de tout ce drame qui s'en suivit et que l'on connaît surtout par la Ballade des Dames du Temps Jadis de Villon, immortalisée par Georges Brassens.

Ça t'a pris combien de temps ?

La première partie m'a pris 3 mois. En même temps que j'adaptais, j'étudiais et quand j'estimais qu'une phrase était de trop dans le rythme, je la supprimais, quand j'estimais qu'une page était de trop, je la supprimais. Au bout de ces premiers 3 mois, je devais voir si les gens pouvaient entendre cela, comprendre ce que j'avais voulu y mettre. Puis j'ai fait 6 mois de pause et j'ai repris et j'ai encore travaillé 3 mois. Donc en tout ça m'a pris 6 mois pour l'adapter et l'étudier. J'adaptais, j'étudiais, je supprimais tout ce qui était superflu ou qui embrouillait la situation parce que je voulais que le public comprenne et me suive. En même temps, comme Christiane Singer est cette philosophe que l'on connaît, j'avais envie qu'on retrouve de cette philosophie dans mon adaptation. Comment faire ? Comme elle parle à la première personne du singulier, il y a déjà le JE du monologue. Le roman commence par : Voilà soixante fois déjà que j'ai vu l'automne… Et comme je le dis dans ma note d'intention [5], c'est comme si on disait Il était une fois… Quand on dit : Il était une fois, tout le monde écoute en général, et Christiane Singer est une grande raconteuse. Alors je me suis amusée à garder son style tout en étant très respectueuse et fidèle à son écriture et à sa pensée. Parce que pour moi, en tant qu'interprète, ce que j'ai à raconter ne m'intéresse pas. Ce qui m'intéresse, c'est ce que quelqu'un d'autre a à raconter, son style : les points, les virgules, comment il les met, son souffle lorsqu'il écrit … il est dans une certaine tension… Et, en tant qu'actrice, c'est cette tension-là que je veux atteindre en respectant la ponctuation de l'auteur et alors, je me dédouble et je deviens quelqu'un d'autre, mais avec moi. Alors mon moi ne disparaît pas complètement, puisque – encore une fois on en revient à Hermione – Hermione était dans une telle rage qu'elle massait mon âme et me permettait d'accepter ma propre violence, avec d'autres mots, c'est Hermione, mais c'est Racine. Donc tu sublimes ce que tu as à l'intérieur de toi quand tu as de beaux textes, comme j'ai la chance de pouvoir le faire avec celui de Christiane Singer. Je n'ai fait qu'un couper-coller … et étudier. Mais j'ai fait selon mon propre goût. Il y a des phrases qui se reconnaissent de partout : Dieu n'a que nos mains pour faire sur terre tout ce qu'il y a à faire. Évidemment, cette phrase-là, tout le monde la choisirait. Et elle est dans le texte. Il y a des phrases que j'ai choisies parce qu'elles me touchent, d'autres qui sont presque des envolées shakespeariennes et que je n'ai pas besoin de déclamer parce qu'elles se déclament toutes seules. Je pense que si cette auteure avait encore vécu, on aurait dû lui demander d'écrire des pièces de théâtre ! Cela dit, elle a laissé beaucoup de romans et il y a peut-être moyen de faire le travail que j'ai fait. Elle a une telle verve, c'est tellement vivant ce qu'elle écrit.
Finalement, j'ai réduit les 128 pages du roman à 12 pages A4 pour faire un spectacle de 75 minutes. J'estime que c'est la bonne durée pour ne pas fatiguer un public à qui l'on demande d'être attentif, parce que le public est participant. L'autre jour, j'ai joué dans une chapelle et le public n'était pas plongé dans l'obscurité, alors, quand j'ai la chance de plonger mes yeux dans ceux d'un spectateur, je le fais. Je crois qu'il y avait 55 personnes, je les ai toutes vues… masque mis à part, c'est un peu comme la Commedia dell'Arte : tu regardes les gens du public, tu t'adresses à eux. C'est la disparition du 4ème mur. Il y a de la théâtralité et il y a aussi de la vie dans ce monologue puisque à travers Héloïse apparaissent dans son récit son oncle le tyrannique chanoine Philibert, sa douce nounou Louisette ou son amant Abélard. Autant de personnages que je peux interpréter avec leurs intonations respectives, mais sans les caricaturer pour autant.

J'ai eu la chance de voir une ébauche de ce spectacle que l'on va donner bientôt à la Clarencière [6] et que tu joueras ensuite pendant le festival off d'Avignon au Verbe Fou [7]. J'ai vu que tout ton décor tenait dans une petite valise. Cela doit te permettre beaucoup de souplesse pour le présenter un peu partout ?

C'est vrai. Après avoir été jouer une fois Une Passion en janvier dernier au Verbe Fou, j'ai fait le pari… un peu fou … de « m'offrir Avignon », puisque je vais aller au Off sur fonds propres…
Et il est vrai aussi que ce spectacle – tel que je l'ai conçu – me permet de le jouer en extérieur comme en intérieur : je l'ai joué dans des salons, dans des chapelles, des musées, l'après-midi, le soir, et je l'ai aussi joué en extérieur au Parc de Bruxelles l'été dernier.
En fait, je n'ai besoin que de mon costume et de quelques accessoires. Mon costume se transforme, et là où je vais, je me crée un décor avec ce qu'il y a sur place. Et, en fonction du lieu, on est soit dans l'intimité soit dans la déclamation, mais moi j'ai toujours envie de dépasser l'acte de déclamation parce qu'en plus de cela il y a de l'incarnation. Quand Héloïse parle d'elle qui a 14 ans, elle se revoit jeune fille, et si le spectateur voit l'Héloïse de 60 ans qui se revoit à 14 ans, je trouve que c'est gagné.

J'espère que tu vas gagner … (elle m'interrompt, enthousiaste)

...le cœur des Avignonnais ! Le Festival est du 10 juillet au 2 août et je joue à 10 heures du matin

Qu'on se le dise !

On espère que cela te donnera des opportunités pour vendre ce spectacle si attachant en Belgique, mais aussi chez nos voisins Français et Suisses. As-tu encore d'autres souhaits ?

Mon grand rêve serait de pouvoir jouer mon spectacle Une Passion sur la Grand Place de Bruxelles avec un micro HF. Tu imagines ? Elle chuchote parce que c'est une femme douce, c'est une abbesse … et il y a toute la Grand Place qui entend cette voix de femme qui dit : Voilà soixante fois déjà que j'ai vu l'automne… Assise seule à la table de ma cellule, je prends la plume......

Merci pour ces moments de bonheur que tu nous offres en incarnant Héloïse !

Propos recueillis par Nadine Pochez le 28 avril 2008.

Crédits photos : Logo : Nadine Pochez, Photos N/B : La Maman et la Putain de Jean Eustache au Rideau de Bruxelles, Daniel LOCUS-1989, 2 Photos : Accords Désaccords avec micro : Cassandre Sturbois

[1] Hommage à Thierry Salmon le 22 juin de 13 à 20 h aux Halles de Schaerbeek

[2] Teatri Uniti

[3] Festival der Frauen

[4] Festival des Isles

[5] Voir le dossier presse ci-annexé

[6] UNE PASSION – Monologue pour voix – à la Clarencière du 28 au 30 mai 2008

[7] UNE PASSION au Verbe Fou – Festival off d'Avignon du 10 juillet au 2 août 2008

Mélanie Zucconi et Hervé Piron

Nadine Pochez — 2008-05-05T10:05:26Z

Pour vous parler de la prochaine production du Groupe TOC début mai au Marni : Les 24 Heures de Tina Pools à la Recherche de son Bonheur, j'ai rencontré Mélanie Zucconi et Hervé Piron.

Entrons dans les coulisses du Groupe TOC et découvrons leur nouveau spectacle : Les 24 Heures de Tina Pools à la Recherche de son Bonheur avec deux membres de ce collectif déjà mythique : Mélanie Zucconi et Hervé Piron.

Hervé Piron :
Après l'INSAS que j'ai terminé un an avant Mélanie en 2001, j'ai travaillé au National dans Froid de Lars Norén et dans Boxe de Jean-Marie Piemme, mis en scène par Virginie Thirion et j'ai fait aussi d'autres choses, mais sinon j'ai un spectacle qui me tient fort à cœur et que j'ai fait avec Eno Krojanker. Ça s'appelle Petit Déjeuner orageux un Soir de Carnaval et on va le présenter aux Doms cet été au Festival d'Avignon. C'est très personnel parce que c'est un spectacle que nous avons écrit ensemble, joué et mis en scène nous-mêmes.

À quelle heure ?

H : 23 heures

C'est une bonne heure. A-t-on aussi la possibilité de le voir à Bruxelles ?

H : Oui, par exemple le samedi 7 juin au Centre Culturel d'Anderlecht

M : Ils l'ont joué à l'L en février dernier et c'est super !

Mélanie Zucconi :
Je viens de France à la base. Je me suis inscrite à l'INSAS et j'en suis sortie en 2002 et puis je suis restée en Belgique parce que j'aimais bien. J'ai un peu travaillé en France, mais je n'ai pas travaillé avec beaucoup de metteurs en scène en Belgique : une fois avec Armel Roussel. Et en dehors du Collectif TOC auquel je collabore pas mal, j'ai un projet qui court avec la Clinic Orgasm Society. Ce projet est une création collective qui sera présentée en mars 2009 au Festival Via à Mons. La Clinic a fait un dossier, on a des pistes et maintenant on doit répéter… Je ne peux pas vous en dire beaucoup plus.

Vous avez donc chacun des activités en dehors des projets du Groupe TOC et, à l'inverse, je vois que vous faites parfois appel à des comédiens qui n'en font pas partie. C'est aujourd'hui le cas pour vos amis de la Clinic : Ludovic Barth et Mathylde Demarez puisqu'ils font partie de la distribution [1] du nouveau spectacle de votre collectif : Les 24 Heures de Tina Pools à la Recherche de son Bonheur. Leur participation me fait supposer que la musique y aura sa place…

Pouvez-vous nous parler de ce spectacle ?

M : On avait déjà présenté au public une première partie de ce spectacle, dans le cadre de la 5ème édition des Giboulées, au Théâtre de l'L en mars 2006.

H : C'était en quelque sorte une ébauche. On l'avait répété 15 jours et on l'a joué 5 fois.

M : Ça a bien marché donc on s'est dit qu'on allait le monter. En janvier 2008, on a fait une autre étape de travail au Prato à Lille et maintenant on travaille depuis un mois pour finaliser ce projet qui sera créé et joué 6 fois à Bruxelles au Théâtre Marni les 8,9,10 et 15,16,17 mai. Comme ce spectacle est co-produit par le Festival Émulation du Théâtre de la Place à Liège, et par le Théâtre de l'Ancre à Charleroi, il est déjà programmé à Liège du 16 au 25 octobre et à Charleroi du 4 au 15 novembre 2008.

Qu'est-ce que ça raconte ?

H : L'histoire – c'est toujours la même chose avec les textes de Marie (Henry) – ce n'est pas le centre de son écriture, mais il y a une histoire aussi, même si la forme est importante dans sa façon d'écrire. Et là, on va dire que c'est une fille – Tina Pools – dont on ne connaît pas l'âge, mais en tout cas, on sait qu'elle travaille dans une banque, qu'elle ne va pas bien et qu'elle va essayer d'aller mieux…

M : Elle va essayer d'aller mieux et elle a une collègue qui a un livre. Un de ces livres comme on en vend, qui peuvent vous amener au bonheur en un an si vous en suivez les conseils jour après jour. Il y a une phrase par jour ou une bonne action par jour. Donc Tina Pools achète le livre, se met à le lire, mais elle décide de tout faire en 24 heures car elle veut être heureuse maintenant et pas dans un an ! Et c'est le début du marathon des bonnes actions, trouver un mec, se faire belle, devenir plus féminine…

H : se réconcilier avec sa famille…

M : Elle fait donc tout trop vite et ça finit assez mal. Donc c'est un peu une métaphore de la société d'aujourd'hui : cette recherche permanente de bonheur, de bien être, manger bio, d'être parfaite, d'être une vraie femme, d'être mince...

H : d'être en harmonie…

Qu'est ce que vous diriez pour inciter les gens à venir vous voir ?

M : Je trouve que, dans ce spectacle, on a exploré vraiment quelque chose de très particulier au niveau de la mise en place des codes du théâtre, de la manière dont on se sert du son, de la lumière et du décor parce que tout cela vit avec les acteurs. Et les acteurs sont à la fois acteurs et techniciens, donc tout est fait à vue : les lumières, la musique en live et aussi le décor… un décor qui participe à la compréhension car il change tout le temps. Au niveau de la construction du spectacle, je ne sais pas comment dire …

H : On disait l'autre jour, un peu en rigolant, c'est un “son & lumières” !

Vous avez eu un tel succès avec Moi Michèle Mercier, 52 ans morte qui a d'ailleurs été présentée aux Doms l'été dernier, qu'il y a beaucoup de gens qui attendent de pouvoir voir Tina Pools. Y a-t-il des différences flagrantes entre ces 2 spectacles ?

M : C'est pas du tout le même univers car ce n'est pas la même personne qui a mis en scène et c'est ça qui fait la richesse du groupe toc, des univers différents qui s'enrichissent les uns les autres ; Anne (Thuot) et moi avons une esthétique différente je pense. Après il y a des choses qui se retrouvent parce que depuis le temps qu'on travaille sur l'écriture de Marie, on a une façon de dire ses textes, de les travailler de les prendre en charge… ça je pense que ça se retrouve dans nos spectacles ; c'est surtout l'univers sonore et visuel qui est différent.

Et ça c'est ton travail ?

M : Oui mais on l'a construit ensemble avec Raphaël Noël qui fait les lumières, Ludovic Barth qui fait le son. Moi j'ai apporté l'idée de base et les directions de mise en scène et ils ont travaillé dessus et puis les acteurs apportent leurs propres propositions sur le plateau, c'est un travail qui s'est fait ensemble petit à petit.

Est-ce que Marie, qui fait partie intégrante de votre collectif joue aussi ?

M : Non. Peut-être qu'elle jouera un jour, mais jusqu'ici non

Pour ce que j'en sais, l'écriture de Marie est assez particulière…

M : D'abord on regarde le texte sur la page. On voit que là il y a un bloc et puis là il y a un trou, puis là un autre bloc avec presque pas de ponctuation, puis un autre trou. Donc ça, ça va déjà vachement déterminer le rythme. Après il y a la ponctuation qu'on respecte. Quand quelque chose est entre parenthèses, on se demande : On le dit ou on le fait ? Quand c'est en italiques, on se dit, il faut traiter l'italique. Donc pour tel ou tel spectacle, on se dit qu'on va choisir tel code pour les italiques : par exemple on va le crier et alors, toutes les italiques de tout le texte vont être criées. Et dans la 2ème partie de Tina Pools, il n'y a pas beaucoup de points, mais il y en a quelques-uns, et l'on s'est dit : eh bien, à chaque point on fait 3 secondes de silence. Ce sont des codes qui sont complètement arbitraires, mais qui mettent en avant, qui soulignent la structure du texte et sa rythmique.

H : Elle est très sensible à la musique du texte. C'est-à-dire que, parfois elle participe aux répétitions – en tout cas dans les phases d'élaboration – et elle reconsidère son texte comme étant une partition musicale. Il y a le rythme et aussi la musique que cela donne.

Elle fait des changements ?

H : Oui, tout à fait. Cela lui arrive. En cours de route, il y a des choses qui peuvent varier, mais en général ce ne sont que des détails : des points, des mots qu'elle enlève… et parfois on se demande même pourquoi tel ou tel mot doit être enlevé ? Mais pour elle, cela a de l'importance du point de vue rythmique et musical.

Oui forcément avec ces 24 heures qui passent…

H : Oui et au fur et à mesure, il y a un rythme très saccadé qui s'accélère de plus en plus surtout dans les dernières minutes des 24 heures dont on parle…

Comme le Boléro de Ravel ?

H : Oui, il y a un truc comme cela, ça tournoie …

M : En fait, c'est le rythme de l'écriture qui mène à la sensation. C'est une écriture physique. C'est vraiment organique. Et quand on est acteur, et qu'on dit des trucs comme ça, il n'y a pas besoin de faire grand chose parce que, au bout d'un moment, le texte amène le corps à jouer ce qu'il doit jouer. Y a pas à s'inventer de psychologie de personnage, de logique interne.

Comment définiriez-vous le Groupe TOC et comment ce groupe conçoit-il ses propres spectacles ?

M : Nous formons un groupe d'acteurs, metteurs en scènes, auteurs, éclairagistes travaillant dans une direction artistique commune. Notre collectif se réunit autour de projets visant à expérimenter de nouvelles façons d'aborder le spectacle vivant. Chaque projet du groupe, même s'il est porté et dirigé par une seule personne, se réalise de façon collective. L'éclairage, le jeu des acteurs, l'écriture, ne sont pas dictés par la mise en scène, chacun assume le rôle qu'il s'est choisi au départ du projet en injectant dans le spectacle son propre point de vue à travers une créativité personnelle et autonome. Nous travaillons à partir de la matière concrète du plateau (texte, sons, corps, lumière) et explorons de nouvelles formes théâtrales par le biais de codes de jeux atypiques et singuliers. C'est de la forme que surgit le sens, non l'inverse, dans un rapport ludique, immédiat et intime avec les spectateurs.

J'ai vu que le Groupe TOC a encore d'autres projets en chantier : Come to me, comme tout le monde et La Caque sent toujours le Hareng.

M : Voilà, pour ces 2 spectacles, c'est pareil car ils ont été présentés à l'L, en mars 2006 en même temps que Tina Pools.
Come to me, comme tout le monde est mis en scène par Cali Kroonen – elle va remettre un dossier à la CAP – et normalement cela va être monté en 2009.
Et pour La Caque sent toujours le Hareng, mis en scène par Anne Thuot rien n'est encore décidé, mais c'est une grande pièce en chantier permanent. Elle n'est pas encore prête à être montée, mais elle le sera par la suite. C'est particulièrement expérimental. Je crois – car j'en ai entendu parler et que je ne suis pas dessus – que cette pièce est écrite aussi pendant les répétitions …

Vous allez reprendre Moi Michèle Mercier, 52 ans morte ?

M : Oui on a 3 dates à Charleroi dans le cadre du Festival bis_ARTS à Charleroi du 30 octobre au 1er novembre 2008.

Et Mon Bras (mobile) ?

M : On va voir s'il y a un moyen de le tourner, mais ce ne sera pas à Bruxelles, je pense.

Une dernière question : Avec-vous un T.O.C. [2] ?

H : Oui j'ai un T.O.C. : je me frotte le nez , je ne sais pas à quelle occasion, mais c'est souvent quand je suis embêté. Et puis, je fais aussi des fois semblant de mâcher du chewing gum en société pour me donner une contenance quand je ne sais pas quoi faire d'autre.

M : Moi, je compte les pavés sur les trottoirs quand je marche et les marches d'escalier quand je monte pour que ça passe plus vite.

Merci. Il ne me reste plus qu'à vous souhaiter de trouver le bonheur avec Tina Pools en plus de 24 heures ☺ – une saison ou deux peut-être ? – et aussi avec vos projets plus personnels.

Propos recueillis par Nadine Pochez le 28 avril 2008.
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Crédits photo : Logo : Nadine Pochez - Visuel/Affiche : Ria Paquée - Spectacle : Anne Thuot.
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Pour plus d'infos sur le spectacle Tina Pools je suggère à nos lecteurs de télécharger et de consulter le dossier ad hoc en cliquant sur l'icône ci-après

[1] Ludovic Barth (jeu/musique), Benjamin Dandoy (son), Mathylde Demarez (jeu), Marie Henry (texte/regard), Cédric Lenoir (accessoires/regard), Raphaël Noël (jeu/lumière), Thomas Noël (décor), Hervé Piron (jeu), Anne Thuot (photo) et Mélanie Zucconi (mise en scène/jeu)

[2] Trouble Obsessionnel Compulsif

Toni d'Antonio

Nadine Pochez — 2008-04-09T13:56:55Z

L'artiste doit être le témoin de son époque… Ça c'est bien vrai ! Du 10 avril au 17 mai on retrouvera Toni d'Antonio avec un immense plaisir au TTO dans Qui est le Véritable Inspecteur Dupif ? En attendant, il parle aussi mafias Carolo, affaire Dutroux, écologie et politique… Oui oui rien qu'ça !!!

Qui est Toni d'Antonio ?

Je suis originaire d'Italie, plus particulièrement des Abruzzes, le village de John Fante que j'aime beaucoup (NDLR : l'auteur du célèbre et très bon “Demande à la poussière” !) J'ai grandi à Charleroi. Je suis arrivé au Conservatoire Royal de Bruxelles vierge du théâtre. Je n'avais pas été à l'Académie et l'unique spectacle que j'ai vu, à l'âge de 13 ans, était de Michel Leeb ! Michel de Warzée, qui était mon professeur, m'a avoué, à ma sortie, qu'il choisissait toujours d'accepter un élève qui n'avait rien à voir avec le théâtre. Et cette année-là, c'était moi !
Je me souviens que pendant mes études au Conservatoire, je travaillais comme barman au Théâtre National. Une majorité de jeunes camarades de classe sortaient à l'entracte en démolissant le spectacle. Les jeunes comédiens ont tendance à casser mais sans reconstruire pour autant. Ils sont des critiques très durs mais ont-ils les moyens de l'être ? Je crois que quand on débute il s'agit d'ouvrir grand les yeux et les oreilles sur ce microcosme qu'est le théâtre.
De fait, pendant quelque temps, je suis redevenu maçon parce que j'éprouvais le besoin de me déconnecter. L'été passé, je suis devenu magasinier uniquement pour décanter ce que j'avais appris et pour observer autre chose que les maladies ou les qualités du théâtre. Un comédien pourrait être sclérosé parce qu'il baigne sans arrêt dans son milieu - même si c'est un milieu extraordinaire- . Trop de patates tuent la patate ! Pour parler du monde, il faut pouvoir en sortir.

Du 10 avril au 17 mai, nous pourrons te retrouver au Théâtre de la Toison d'Or dans "Qui est le Véritable Inspecteur Dupif ?" de Tom Stoppard. La mise en scène est assurée par Olivier Massart et Alexis Goslain. De quoi parle le spectacle et quel est ton rôle ?

C'est un très chouette texte anglo-saxon écrit en 1963 ; un genre d'Agatha Christie absurde. Nous le redécouvrons à chaque répétition. Il y a dans cette pièce un certain humour politique : Tom Stoppard avait une tendance gaucho. Il y a, notamment, deux critiques de journaux qui symbolisent leur époque. Je joue le Critique Numéro 1 qui est Gros Sabot ; un personnage condescendant.

Tu jouais tout dernièrement le rôle de “Toni” dans “Beautiful Thing” de Jonathan Harvey - mise en scène de Georges Lini - au Théâtre de Poche. Tes rôles sont souvent empreints d'humour, non ?

“Beautiful Thing” et “Qui est le Véritable Inspecteur Dupif ?” sont deux pièces d'auteurs anglais, mais qui n'en demeurent pas moins fort différentes. Le sujet de “Beautiful Thing”, même si il est traité avec humour, n'a rien de léger. “Qui est le Véritable Inspecteur Dupif ?” est un divertissement intelligent.

On me dit souvent que j'ai un capital-sympathie assez élevé. En général, c'est vrai que mes personnages sont assez grotesques, absurdes, décalés ou encore naïfs. Mon image doit inspirer cela.

Quels sont tes futurs projets ?

En juin, je serai avec Flore Vanhulst et Leslie Mannès au Théâtre de La Balsamine [1] dans un projet sur le thème d' “Alice au Pays des Merveilles”. Jasmina Douieb assurera la mise en scène. C'est un spectacle musical et corporel. Il n'y aura que 2 représentations, les 20 et 21 juin à 19:30. Après je pars en vacances et ensuite, pour la saisoin 2008-2009, je jouerai au Théâtre Royal des Galeries “L'Assassin habite au 21” [2] avec notamment Alexandre Von Sivers, Fabrizio Rongione, Freddy Sicx et d'autres très belles personnes.

Au début de la saison prochaine nous reprendrons également “Le Jeu de l'Amour et du Hasard” de Marivaux mis en scène par Dominique Serron dans laquelle je partageais le rôle d'Arlequin avec Fabrizio Rongione. Nous avons joué 150 fois cette pièce donc 75 fois chacun.

Je me souviens avoir beaucoup aimé ce spectacle…

Dominique Serron est une metteur en scène exigeant. Elle sait pertinemment ce qu'elle veut et ce qu'elle ne veut pas. Ce qu'elle fait, elle le fait très très bien, de tout son cœur et de tout son esprit. Donc, elle mériterait de recevoir d'avantage de subsides et d'avoir son propre théâtre. Mais le problème est qu'elle ne revendique pas de couleur politique, exactement comme Georges Lini. Je trouve que c'est aberrant parce que leurs travaux sont reconnus unanimement par la presse et le public. Tous deux n'ont que leur intégrité et leur passion. Une légende urbaine raconte que c'est un ange anonyme qui aurait permis au ZUT de ne pas mourir. Grâce à ce mécène, nous avons eu le bonheur de voir des pièces telles que “Incendies”.

Pourquoi, à ton avis, l'Art et la Politique sont-ils si intrinsèquement liés ?

Je ne m'occupe pas de tout ça car je ne suis pas metteur en scène mais comédien. Mais c'est évident qu'il est difficile de faire quelque chose sans argent. Et ce n'est pas en manifestant devant l'une ou l'autre administration qu'on va changer les choses. Peut-être faudrait-il monter des pièces qui en parlent plus ? J'aimerais adapter au théâtre “Le Pendule de Foucault” d'Umberto Ecco.

Tu as travaillé au Poche, au ZUT, à l'Infini Théâtre, au National, au Rideau, au Public… Selon ton expérience, que manque-t-il au Théâtre belge ?

À Bruxelles, le théâtre est très présent et diversifié ; ce qui me semble une bonne chose. J'aimerais que les directeurs de théâtre, voire même quelquefois des artistes, n'aient pas besoin d'appartenir à un cercle, une confrérie ni d'avoir une carte politique pour pratiquer un art si pur.
Le théâtre devrait également davantage traiter de sujets d'actualité qui nous concernent ; tels que l'affaire Dutroux ou encore les mafias de Charleroi. Cela me touche parce que, selon moi, l'opinion publique est manipulée sur certaines affaires.
Aujourd'hui on fait des guerres à coup de mensonges. Ça me rend fou tout ça ! Il faut être témoin de son époque. Il y a plus de quatre milliards de personnes qui vivent avec moins d'un dollar par jour, pendant que nous, nous gaspillons sans cesse.
Nos dirigeants ne parlent pas assez d'écologie. L'art doit s'en charger. Aujourd'hui, Coluche nous ferait un grand bien. Nous les artistes, grâce à notre fonction, pouvons avoir des propos plus fort que d'autres personnes.

Tu travailles également au Cinéma : “Pas si grave” de B. Rappe ou encore “La Révolte du porte-manteau” de V.Monnet. Ce dernier est tourné en Belgique. Est-ce un travail différent du théâtre ? Que penses-tu du cinéma belge ?

Je n'ai, au cinéma, que de petits rôles. En général, j'interprète des personnages drôles ou mafieux. Je pense que le cinéma est un luxe pour le comédien parce qu'il gagne beaucoup d'argent ; il est dans un confort absolu. Sur un tournage, tout le monde exauce ses moindres désirs. Je trouve également que le travail est beaucoup moins important qu'au théâtre. Il y a rarement des répétitions, alors qu'au théâtre, il faut travailler tous les jours. De même, au cinéma, le réalisateur fait confiance à quelque chose d'éphémère tandis qu'au théâtre, tout est calculé au millimètre !
Je pense que le cinéma belge a plus qu'il n'en faut pour faire du très très bon ! Nous avons d'excellents comédiens, réalisateurs,... Mais, tout comme au théâtre, le problème est identique : c'est l'argent ! Les productions vont davantage faire confiance aux comédiens français car ils sont plus susceptibles de faire vendre le film que les comédiens belges.

Aimerais-tu mettre en scène ?

Oui, mais je reporte ça après 40 ans ! À mon sens, la mise en scène nécessite de l'expérience et de la maturité. Je crois qu'il faut avoir observé beaucoup de choses !

Merci Toni, et à très bientôt au TTO.

Propos recueillis par France Pinson le 1er avril 2008

[1] Festival Danse Balsa Marni XII, du 4 au 21 juin 2008

[2] roman policier de Stanislas-André Steeman ; adaptation théâtrale de Fabrice Gardin

Michelangelo Marchese

Nadine Pochez — 2008-03-26T08:39:06Z

Michelangelo Marchese a souvent joué les démons, épée à la main… puis il a disparu des plateaux belges pour se frotter à la mise en scène avec un vrai Maître ! Attendez-vous à le voir revenir en force

Michelangelo Marchese a souvent joué les démons, épée à la main… et puis il a disparu des plateaux belges pour se frotter à la mise en scène avec un vrai Maître ! Attendez-vous à le voir revenir en force

En 2004, tu as été le 3ème lauréat du Prix Jacques Huisman, ce qui t'a propulsé hors frontières et qui restera, sinon un tournant dans ta carrière, du moins une fantastique expérience.


Prix Jacques Huisman: Sébastien Dutrieux (2003) Marine Haulot (2005) Michelangelo Marchese (2004) et Christophe Sermet (2006)

Oui, dans le cadre de ce prix, j'ai pu passer 2 mois à Londres et tout de suite au lieu d'être simple observateur, Declan Donnellan m'a donné l'occasion de l'assister dans la mise en scène de ce qu'il montait à l'époque The Mandate (Le Mandat) de Nikolaï Erdmann. Il y a immédiatement eu une bonne entente entre nous, une grande complicité et, déjà à ce moment-là, le désir partagé de retravailler ensemble. C'est ainsi que, dès qu'il a eu l'occasion de mettre en scène une pièce en français, ce que Peter Brook lui a proposé il y a maintenant 18 mois pour monter aux Bouffes du Nord, il m'a appelé pour redevenir son assistant sur cette aventure qui continue encore et qui se terminera avec une tournée pendant 2 mois en Angleterre.

Andromaque ?

Andromaque de Racine, oui. Mes amis belges qui sont venus voir le spectacle m'ont dit des mots genre “joyeusement iconoclaste”, “éclairant”, “c'est très révélateur, très neuf, moderne”… C'est un spectacle qui rencontre un grand succès auprès du public et qui, malheureusement, pâtit d'une mauvaise réputation auprès de quelques programmateurs en France, heureusement pas tous ! Il est vrai que dans certains théâtres où l'on va, les directeurs n'aiment pas le spectacle. Ils tapent sur le nom du metteur en scène, mais en définitive, ils sont vraisemblablement heurtés par cette approche chaotique du vers alexandrin, quelque chose qui ne respecte pas cette forme à laquelle on pourrait s'attendre quand on va voir un classique comme celui-là : pas assez figé, pas assez classique sûrement. Personnellement, je trouve que malgré peut-être quelques faiblesses, ce spectacle inspire sérieusement par son approche tout à fait décomplexée de ce qui peut sembler rigide et inaccessible. Maintenant le texte étant ce qu'il est, ce n'est pas toujours facile de rester concentré pendant 2 heures sur une forme poétique assez pointue, même si dans des salles difficiles, comme Wolubilis – c'est vrai qu'au niveau acoustique ce n'était pas évident –, les gens ne passent jamais à côté des intentions ni à côté des enjeux qui sont très importants.

Qu'est-ce que les mises en scène de Donnellan apportent de différent ?


Declan Donnellan

Déjà il aborde les choses avec beaucoup de simplicité, même si les répétitions sont ponctuées de longues discussions, de récits, d'anecdotes, mais ce sont toujours des expériences de vie, des choses en rapport avec le concret de ce que les gens peuvent vivre. Avec le travail que j'ai pu aborder en Commedia avec David Pion par exemple, je trouve que c'est un Monsieur qui aurait pu faire de la Commedia. Ce sont des principes qui sont assez techniques finalement et qui font que ce qu'on veut est toujours chez l'autre… C'est un jeu résolument tourné vers l'autre, basé sur la réaction. Declan dit que l'action en elle-même n'existe pas, mais qu'on réagit toujours à quelque chose… et ça, c'est un principe de base de la Commedia dell'Arte. Et si Declan est assez intéressé par ce théâtre, je crois que ce n'est pas innocent. Entendons-nous bien, il ne monte pas Racine comme on monterait de la Commedia, mais il instigue le travail toujours sous le jour de “Qu'est-ce que MOI je veux changer chez l'autre ? Qu'est-ce que l'autre a à M'apporter ?“ Donc c'est un jeu qui est toujours centré sur les acteurs, qui est toujours dirigé vers l'extérieur, vers l'autre. Finalement c'est assez concret, parce que les enjeux se trouvent chez l'autre, c'est ça la vie. Parce qu'en ce moment où je te parle, j'essaye de te convaincre et si je vois que ton œil part, je vais encore préciser ma pensée et la pensée qui est passée est déjà morte, parce que la suivante est meilleure. C'est en ça qu'il n'y met pas du tout de psychologie, pas d'intellectualisme. Et ça fait du bien…

Comprendre dans un regard ce que l'autre perçoit c'est de la psychologie, non ?

Oui, mais il recherche la réaction instinctive et non pas quelque chose d'analytique qui doit d'abord passer par mon filtre pour être compris, Comment Moi je comprends ce que l'autre veut, c'est de l'ordre de la survie, plus animale et instinctive qu'intellectuelle. Il ne pousse pas vers un jeu psychologique du Qu'est-ce que mon personnage ressent et comment dire ce texte d'après ce qu'il ressent ! C'est parce que la réponse est chez l'autre. C'est ce que l'autre ressent. Quelle sera la meilleure chose à dire maintenant pour faire adhérer l'autre à Mon idée, à Mon objectif ? Pour prendre l'exemple d'Andromaque, comment Oreste convainc Pylade d'enlever Hermione ? C'est en lui donnant des arguments qui vont faire que l'autre voie en lui-même, donc en s'ouvrant. C'est un truc de l'instant, de l'instinct… et jamais sur le ressenti de l'expérience intellectuelle propre. C'est en cela que je dis qu'il ne pousse pas à un jeu psychologique.

Donnellan a-t-il été lui-même comédien ?

Declan a joué un petit peu au tout début de sa carrière – dans le cadre de l'Université – avec Nick Ormerod, son scénographe depuis toujours et actuellement son mari.
Il a d'ailleurs écrit une méthode inspirée de sa propre expérience en tant qu'acteur mais surtout metteur en scène : The Actor and the Target (édité en français L'Acteur et la Cible Éd. L'Entretemps). C'est aussi un mix de plusieurs choses.

Et tu as envie de devenir metteur en scène ?

Oui, ça fait partie des choses que j'ai envie de faire, mais je ne voudrais pas devenir exclusivement metteur en scène, parce que ça me plairait de pouvoir encore jouer…

Pour en revenir à tes débuts avec Declan Donnellan ?

Il se trouve que notre collaboration a été plutôt étroite en montant The Mandate puisque Declan s'est dit que du moment que j'étais dans la salle de répète, je ne serais pas QUE observateur comme le Prix Jacques Huisman le proposait … (Voir rapport de stage)

Et il n'y a eu aucune autre collaboration entre Le Mandat et Andromaque ?

Non, entre temps j'ai joué en Belgique et en novembre 2006, il m'a rappelé pour Andromaque. On a commencé à travailler en juin 2007 et les répétitions ont commencé en août 2007. On vient de faire 3 représentations à Bruxelles, 3 à Namur et la tournée continue

Vous reviendrez encore le jouer en Belgique ?

Probablement pas, ce n'est pas prévu

Comment peux-tu concilier ces longs passages à l'étranger avec ta vie familiale ?

Ce n'est pas facile. C'est vrai qu'au début pendant plusieurs mois, je revenais une fois par semaine, mais l'absence est quand même là. En 6 mois revenir une fois par semaine, ça fait 30-40 jours à la maison ; ce n'est pas énorme. Et c'est d'autant moins facile que je suis assez casanier, mais à partir du moment où je suis dehors c'est très agréable. C'est très gratifiant d'avoir des responsabilités comme celles que Declan me confie. Je travaille avec les techniciens, les autres responsables artistiques. Nous sommes les garants de la sauvegarde des principes qui ont été élaborés pendant les répétitions, donc c'est une magnifique responsabilité… c'est très emballant, c'est très très chouette… Mais c'est vrai que ce n'est pas facile de revenir et de pouvoir consacrer du temps à la maison, parce que l'esprit est un peu ailleurs quand même. Donc je profite un maximum du temps que je passe à la maison – très peu – et ce n'est pas facile pour ceux qui restent non plus : mon petit garçon (Matteo– 9 ans), ma femme (Valérie Lemaître). Je suis heureux que ça s'arrête un peu : on va maintenant avoir 5 semaines de pause et ça va nous faire du bien !

Tes projets ?

Malheureusement j'ai dû refuser du travail pour pouvoir me consacrer à Andromaque. J'ai donné ma parole à Declan sur le suivi du spectacle.

Tu es là à chaque représentation d'Andromaque et lui aussi ?

Moi oui, mais lui non. C'est bien pour ça qu'il veut que je sois là à sa place. Je ne suis pas obligé de regarder chaque représentation, mais au moins de mettre chaque chose en place pour les premiers jours, faire les corrections éventuelles pour le lendemain et suivre le spectacle d'assez près. Suffisamment pour garder ses principes même si les acteurs jouissent d'une grande liberté sur le plateau, mais pas trop près non plus pour éviter de ne plus rien voir, car regarder le spectacle quotidiennement ça peut user. Et effectivement, le temps que je vais consacrer à cette tournée l'année prochaine ne me permettra pas de faire certains spectacles : j'ai dû refuser un truc au Public, au Varia aussi, alors que je n'y avais jamais travaillé et donc ça aurait été bien … Je me dis parfois que je risque d'être un peu oublié… j'ai sans doute un rapport privilégié avec des gens qui me sont très proches comme Michel Kacenelenbogen… Marcel Delval m'a aussi rappelé : Qu'est-ce que tu deviens, je monte un Corneille, est-ce que tu es libre ? Il y a 7-8 mois de travail que j'ai dû refuser. J'espère être encore suffisamment dans les esprits pour pouvoir encore travailler en Belgique, parce que j'aime ça ! … mais les 2 choses sont difficilement conciliables, je vais me retrouver avec des grands trous l'année prochaine.

Ton prochain projet c'est Le Bossu ?

Oui, il y a 2 mois où je peux participer à ce spectacle à Villers-la Ville sur un texte de Paul Féval adapté par Eric-Emmanuel Schmidt, et encore une fois, j'ai un rôle de méchant : le méchant Prince de Gonzague. C'est mis en scène par Pascal Racan et ça commence à répéter début juin et l'on joue à partir du 9 juillet. C'est emballant parce que c'est un spectacle de cape et d'épées.

Ça tombe bien puisque tu es également maître d'escrime…

Je fais de l'escrime depuis l'école, mais je ne suis pas maître d'armes. C'est un truc qui me plaît bien. J'ai été l'assistant de Jacques Cappelle de nombreuses fois et ici c'est lui qui va chorégraphier les combats. C'est super de retravailler avec lui et aussi avec Racan, parce que je n'ai jamais travaillé avec lui comme metteur en scène. Ce sont 2 personnalités avec lesquelles j'avais fort envie de me frotter à nouveau, et ça m'a fortement motivé.

Et avec Philippe Résimont dans le rôle du Bossu !

C'est fait ? Tu me l'apprends ! J'adore cet acteur ! Si c'est lui, ça va me faire plaisir de retravailler ensemble… C'est génial.

Et donc, tu n'assisteras pas Jacques Cappelle pour régler les nombreux combats, cette fois !

Non, cela me paraît inconciliable, quand Rési ne sera pas sur scène ce sera moi, voire les 2 ensemble et l'on va être suffisamment occupés au jeu proprement dit, pour vraiment s'investir ; je ne dis pas que je n'aurai pas à porter ses sacs (rires) mais de là à …

Et Mathieu Moreau ?

C'est peut-être bien lui qui va faire l'assistanat. J'ai entendu parler de ça, oui, mais je ne sais pas où ça en est.

Tu fais du doublage aussi ?

Oui, j'en fais beaucoup. Quoi que … depuis un an avec Andromaque, je n'ai plus pu en faire. On a maintenant réglé des problèmes, ils ont signé une convention entre les comédiens-doubleurs et les patrons sur les tarifs … Donc on sort d'une grosse crise, que j'ai complètement ratée, et quand je pourrai recommencer, j'aurai passé à côté de tout ce que ces bons et chers camarades acteurs combattants ont fait pour en arriver là.

Et c'était quoi cette crise ?

Les tarifs des comédiens-doubleurs n'avaient pas été revus à la hausse depuis 25 ans. Il y a une dizaine d'années, ou un peu plus maintenant, le marché français a été bloqué par une grève des acteurs là-bas, et beaucoup de projets sont arrivés ici, beaucoup de boîtes se sont ouvertes, ce qui a été l'occasion pour les comédiens belges de faire énormément de doublages. Ensuite, pour pouvoir récolter plus de contrats du marché français, les patrons ont tellement cassé les prix que finalement les salaires n'ont jamais été revus à la hausse, donc il était grand temps qu'une revalorisation salariale ait lieu, car on partait travailler pour un demi service, c'est-à-dire 2 heures de travail pour à peine 2 € de plus qu'au chômage… Si en plus de cela tu comptais ton essence, cela ne valait pas vraiment la peine.

Entre temps, il y a eu quelques boîtes qui se sont cassé la figure …

Oui, et puis certaines boîtes se sont fait racheter par les mêmes qui se sont encore cassé la figure. Ce ne sont pas des œuvres de charité non plus, c'est du business quoi.

Tu pourrais aussi me parler de l'écriture, puisque je sais que tu travailles à cela avec ta femme.

Justement, avec Valérie Lemaître, ma chère compagne depuis 12 ans maintenant - on a pris une décision importante. Valérie écrivait déjà. Elle a écrit plusieurs pièces de théâtre [1] , elle a écrit des courts-métrages et co-écrit son propre long-métrage avec la réalisatrice Martine Doyen : Komma, avec Arno, et ce film a été sélectionné à la Semaine de la Critique à Cannes en 2006. [2]

Écrire est un désir que j'avais déjà depuis longtemps, mais moi qui suis plus théâtre, je me disais qu'il y a déjà tellement de choses écrites pour le théâtre… Maintenant la décision est prise et nous avons créé notre société de production.

Il y a un site ?

Non pas encore. Il y a d'abord une série qui s'appelle MOBILE et qui est inspirée de l'univers des Playmobil ® et là, en l'occurrence, on voit des personnages dans un univers un peu surréaliste, habillés et animés comme des Playmobil, des personnages avec des préoccupations actuelles de société, comme l'environnemental par exemple… On a déjà fait deux épisodes pilote de 3-4 minutes chacun, qu'on peut aller voir sur YouTube.

Et qui sont les comédiens ?

Valérie, Pierre Pigeolet et moi, avec l'idée – si le projet se développe – de faire rentrer dans la danse une grande partie des comédiens de ce qui fut la Compagnie Jean Bertoche : Pierre Pigeolet, Marie-Hélène Remacle, Aylin Yai, Philippe Résimont, Nicolas Buysse

C'est à ça que vous travaillez à présent ?

Non, nous avons laissé ce projet-là un peu de côté, parce qu'à présent, nous sommes passés à un projet d'une série-TV de 13 épisodes de 26 minutes qui s'appelle MOTEL. Grâce à la SACD qui nous a sélectionné pour présenter ce projet au FIPA [3] – le Cannes de la télévision – (4) nous avons eu l'occasion de présenter notre projet devant un parterre de producteurs. Deux producteurs français se sont montrés intéressés et nous leur avons remis un dossier complet avec description des personnages, note d'intention et 2 épisodes écrits : on attend des nouvelles. Jusqu'à maintenant on a 4 épisodes terminés.
Pour le pitch : toute l'action se passe dans un motel. C'est un thriller fantastique sur fond d'enquête policière, inspiré de séries que l'on connaît. Comme Twin Peaks, un peu par la situation – c'est un motel qui se trouve dans les Ardennes, dans une forêt de sapins, un peu éloigné de tout – ou encore comme Six Feet Under pour le lien qui se fait entre morts et vivants… L'ouverture du motel coïncide avec une fête ancestrale celte, où le royaume des morts, le royaume des ombres, s'ouvre au royaume des vivants, avec des morts qui reviennent chez les vivants, des vivants qui une fois au royaume des morts ont du mal à en revenir, et des vérités sur ces personnages qui seront révélées petit à petit

Une autre personne intéressée par notre écriture c'est Luc Wijns qui vient de Flandre ! Faut le faire, non ?
Luc Wijns est un BV [4], il a une carrière de 25 ans derrière lui : il écrit des one-man-show, il produit lui-même ses spectacles, il les joue – il est la voix néerlandophone d'Astérix ! –, il est aussi réalisateur, il fait de la pub radio et TV... En plus de tout cela, il a aussi envie de déborder de son environnement flamand, et par amitié, il nous a déjà aidé pour tourner chez lui les 2 épisodes de Mobile qui sont sur YouTube. Et notre nouveau projet l'intéresse beaucoup.

Après ce tour d'horizon, mise en scène, jeu, doublage, écriture… une dernière question peut-être : à partir de quand es-tu de nouveau sur le marché ?

Comme cela se dessine avec Andromaque, aux mois de novembre, décembre, janvier, je suis totalement libre. Il faudra que je m'investisse un peu dans mes projets personnels, mais cela ne m'empêche pas de travailler en même temps sur d'autres choses. Et dès avril 2009 je serai de nouveau totalement libre sur le marché du travail en Belgique pour jouer et peut-être mettre en scène s'il y a des projets qui se présentent… J'ai eu tendance jusqu'ici à attendre qu'on vienne me prendre par la peau des fesses et : Vas-y, fais-le ! mais bon, je dois changer mon fusil d'épaule et maintenant que je suis patron, chef d'entreprise (rires), il faudra que je démarche plus pour promouvoir ma propre personne car tant qu'indépendant je n'ai plus droit au chômage.

Maintenant vous avez aussi ce beau projet TV

Oui c'est un beau projet. Espérons qu'il aboutisse… si ce n'était pas le cas, ce serait d'autant plus blessant parce que c'est le nôtre, que c'est nous qui devons lui donner vie perpétuellement, non seulement dans l'écriture, mais aussi dans les contacts, la relance des gens… Et d'ailleurs c'est ce qu'on va faire maintenant vis-à-vis des producteurs.

Votre métier est difficile. Dans son interview, Marion me disait que les comédiens ne doivent jamais oublier qu'il ne s'agit pas que de simplement jouer, montrer son beau costume de scène, mais qu'il y a toute une dure partie du métier qu'on ne vous enseigne pas dans les écoles de théâtre.

C'est vrai qu'on n'est pas agent, qu'il y a une grande partie de ce boulot-là qu'on doit faire soi-même et qu'on n'y est pas spécialement préparé. On doit apprendre ça sur le tas. Et en tout cas quand on débute on entend des “Si ce n'est pas toi, ce sera quelqu'un d'autre” entre guillemets… sauf de la part des gens qui ont vraiment envie de travailler avec vous. C'est vrai aussi que du point de vue finances, ce ne sont pas des choses qu'on apprend. En tout cas, ce qui est clair et que doivent surtout retenir ceux qui sortent des écoles, c'est qu'on ne peut pas vivre que de ça !, Ils ne doivent surtout pas s'imaginer qu'ils ne seront QUE acteurs. Il est important d'élargir son horizon le plus possible pour avoir plusieurs cordes à son arc. C'est d'ailleurs en touchant à plusieurs choses qu'on peut tout à coup se dire : “Tiens, je ne pensais pas que ça me plairait autant”, comme pour l'instant avec cette chance inouïe qui m'a été donnée d'avoir pu faire l'assistanat de ce grand Monsieur, qui est l'un des 10 grands metteurs en scène actuels. Il se trouve que cela se passe bien et ce rapport au spectacle me plaît aussi. Ne pas être sur scène, c'est vrai que ça a été un peu dur au début : je vois ces acteurs-là avec une brute de metteur en scène, d'un côté c'est un peu rageant de ne pas être sur le plateau avec eux, mais tant qu'on est passionné et qu'on sait pourquoi on est là … Bon, là je me découvre un grand plaisir de suivre un spectacle de cette façon-là. Voir l'aspect technique des choses : je suis directement impliqué dans les décisions qui concernent l'éclairage, le son… Toucher de nouvelles choses peut révéler des envies nouvelles, même des talents nouveaux… Je reçois beaucoup de compliments

C'est de bon augure. Merci pour l'interview et m…

Propos recueillis par Nadine Pochez le 18 mars.

On retrouvera Michelangelo Marchese :
– Du 11 juillet au 9 Août 2008 dans Le Bossu produit à Villers-la-Ville par DEL Diffusion
– Tournée Andromaque à l'étranger

Et pour ses projets de séries télévisées :
MOBILE : Idée originale, écriture, conception, montage, jeu. 10 épisodes dont 2 pilotes d'une série télé d'un format de 3-4 minutes. Développement en Belgique et recherche de moyen de production et diffusion en France.
MOTEL en préparation : série de 13 épisodes de 26 minutes en cours d'écriture et développement en Belgique, recherche moyens de production et diffusion en France

[1] Kontainer Kats (1997) – Le Point Final (1996) – Emma (2000 éditée chez Lanzmann) – Quand les huîtres se cachent pour mourir (2001)

[2] Le long voyage co-scénarisé avec Philippe Blasband – L'insoupçonnable Univers de Josiane et Komma (co-scénarisés avec Martine Doyen)

[3] Festival International de Programmes Audiovisuels à Biarritz

[4] Bekende Vlaming

Marc De Roy

Joëlle Yana — 2008-03-10T20:34:35Z

C'est un petit moment de bonheur que nous vous proposons de partager avec le comédien Marc De Roy, interviewé à l'occasion de la création de "L'histoire des Ours Pandas racontée par un Saxophoniste qui a un Petite Amie à Francfort" de Matéï Visniec.

Marc, qu'est-ce qui t'a séduit particulièrement dans le projet ("des Ours Pandas") sur lequel tu travailles maintenant ?

C'est d'abord le texte ! Je ne le connaissais pas. C'est Xavier Campion qui m'a téléphoné en me disant « J'ai un truc à te proposer ». Et Xavier, c'est un gars que je croise depuis quelques années mais on n'a jamais travaillé ensemble. Puis, il m'a dit que ça faisait longtemps qu'il avait envie de travailler avec moi. Déjà il me flatte, ce qui est très bien (...rires...). C'est toujours bien de flatter un comédien... Il m'a dit qu'on allait monter cela avec Flore Vanhulst, que je connaissais, parce qu'elle avait été l'assistante de Philippe Vauchel dans un truc qu'on avait joué dans les administrations communales, dans les Ardennes : un truc de fou mais très agréable… Pour en revenir à Xavier, il m'a fait lire le texte de Matéi Visniec : un texte de malade qui parle de… je ne sais pas très bien … la mort, peut-être, aussi de tous des sujets légers qui échappent à la lourdeur de la terrestre vie malhonnête, malsaine,… Donc en résumé ce qui m'a décidé c'est le texte et un peu les flatteries de Xavier. Et aussi, j'essaie de dire non le moins souvent possible à un jeune projet hors grand théâtre.

Si tu devais résumer ta carrière en 5 lignes, ça donnerait quoi ?

J'ai fait énormément de jeunes compagnies qui m'ont appris le métier que j'aime et c'est une chance que j'ai eue même si cela m'a fait beaucoup ramé avant d'avoir un premier contrat professionnel. Dans l'absolu, je souhaite cela à tout le monde : apprendre son métier en jeunes compagnies plutôt que dans des trop grands théâtres.

Un nom de jeune compagnie où tu es passé dans tes débuts ?

Il y en a eu beaucoup. On en a créé une, d'ailleurs : la compagnie « Act-hours » avec Jacques Neefs, Pierre Hardy, Dominique Hermans, … des noms de mon âge. Mais toujours sans argent. Donc, on n'a jamais pu se reposer sur de la technique, du décor ou des costumes. On a toujours dû se reposer sur le texte, sur le jeu et je crois que c'est le meilleur apprentissage.

Tout cela c'était au début... et ensuite ?

Je suis sorti du Conservatoire en 87 et, pendant les quelques premières années, j'ai joué en jeunes compagnies jusqu'à ce qu'arrive mon premier contrat vraiment professionnel au Théâtre des Galeries avec la première Revue en 94.

Comment es-tu entré au Théâtre des Galeries ?

Par audition… Je connaissais 3 ou 4 personnes qui avaient fait la Revue avant moi - des filles surtout, qui à l'époque ne faisaient pas grand chose à la Revue, à part montrer leurs jambes. Et comme je chantais, ces filles m'ont dit : « Pourquoi ne viendrais-tu pas faire la Revue en tant que comédien ou chanteur ? ». Seulement à l'époque, la Revue c'était les comédiens connus qu'on venait voir dans autre chose : Georges Pirlet, Jean Hayet,… On venait les voir faire le pitre, chanter un petit peu. Et quand moi je suis arrivé, cela commençait doucement à changer. Ils ont commencé à chercher des artistes spécialisés : quelqu'un qui chante, quelqu'un qui fait le comique, on a laissé les filles s'exprimer davantage, …. Il y a eu un renouvellement. Quelqu'un aux Galeries à parlé de moi au Directeur, Jean-Pierre Rey à l'époque. Alors, j'ai fait une audition. J'ai été chanter mes petites chansons avec la pianiste… qui était entrée à la Revue comme accompagnatrice. C'est sûrement elle qui a parlé de moi au Directeur…

Depuis, tu participes à la Revue chaque année : quel y est ton registre artistique ?

Des Revues aux Galeries, j'ai dû en faire une quinzaine. Je chante, je fais un peu d'imitations, je danse (je veux dire : je bouge du mieux que je peux). Mais encore une fois, maintenant il y a de vrais danseurs à la Revue, de vrais chanteurs, de vrais comiques et parfois, on mélange ! Il y a d'ailleurs une chorégraphe qui fait des chorégraphies compliquées : ça fait un peu « émissions des années 80 » ou bien, les images qu'on voit à la TV actuellement avec des chorégraphies pour accompagner des chanteurs qui chantent sous de la musique qui bouge.

Qu'est-ce qui te plaît, toi, dans ces spectacles ?

Ce qui me plaît c'est que c'est une très longue série. Deux mois de représentations, c'est très rare dans notre pays... Ce qui me plaît également, c'est le changement de costume tout le temps, le changement de personnages. Et puis, j'adore chanter et je crois pouvoir dire que je chanterais le bottin que cela me plairait encore. Aussi, ce que j'aime énormément c'est de faire rire : j'adore une sale qui rit. C'est aussi le seul spectacle où on est tous partie prenante à un moment sur scène. Si on ne fait pas son boulot hors scène, on ne peut pas réussir son entrée sur scène après… Il y a quelqu'un qui avait cette définition de la Revue à l'époque : « On fait le tour du décor : quand on est sur scène, on chante un tout petit peu ou on joue, et puis on tourne, on se change,… » En fait, on est beaucoup plus longtemps en coulisses à se changer et à courir (se maquiller, se changer, se foutre une perruque, se coller des faux poils,…) que sur scène à faire des sketches. Donc si on rate la coulisse, la scène est ratée. C'est très difficile de tirer son épingle du jeu, de dire : « C'est moi la star ». Bien sûr, on prend une "star" à La Revue pour faire venir du monde- ça a été Steeman à l'époque, André Lamy. Maintenant c'est Richard Ruben. Mais à part cela, on forme vraiment une équipe.

Cette passion pour la chanson, comment t'est-elle venue ? En même temps que le théâtre ?

Non, j'ai toujours chanté. Il se fait que mon papa chantait lui aussi quand il était jeune. Il chantait dans les homes, par exemple. Il avait fondé une petite chorale, un petit groupe où ils reprenaient des chansons de leur époque qu'ils réadaptaient. Ils ont interprété Brel, Brassens,… Il y a donc toujours eu des guitares à la maison, il y a toujours eu de la chanson française : Brassens, Brel, Ferré, Ferrat, tous les québécois, … J'ai toujours eu ce plaisir-là, même avant de me rendre compte qu'il y avait des guitares à la maison. J'avais eu le premier prix de chant au jardin d'enfants. J'avais une voix claire. Je crois que c'est ça qu'on appelle un don ou un cadeau du ciel. C'est un petit secret mais je devais chanter pour m'endormir (nous étions trois garçons dans la même chambre, ils ont dû me supporter… ). Sur mon oreiller je chantais en faisant aller ma tête de gauche à droite pour battre le rythme.

Qu'est-ce qui fait alors que tu as voulu faire du théâtre ? Pourquoi ne pas avoir continué dans la chanson ?

Alors ça c'est parce que je suis un ancien bègue. Je suis devenu bègue vers 14, 15 ans : une perte de confiance, je ne sais pas quoi… J'ai été voir une logopède qui m'a fait prendre conscience du pourquoi et du comment. Le problème principal était que je voulais dire trop de choses à la fois. Alors, il a fallu apprendre à respirer, à sérier son langage, à analyser sa pensée. Et une des pistes pour prendre confiance, pour apprendre à respirer mieux : c'était de faire du théâtre. Alors j'ai fait un an de diction et de déclamation. C'est en déclamation que je me suis rendu compte que je devais dire les textes des autres. En fait, en tant que bègue, on se rend compte que lorsqu'on dit des textes d'autres, on arrive plus facilement à articuler sa pensée : à avoir confiance en son discours. Et puis, une chose qui a peut-être eu son importance, c'est qu'à la fin de mes humanités, on a monté une pièce à l'école : une pièce policière. Mes parents m'avaient poussé à y participer pour surmonter ma timidité… J'avais tenu un rôle assez conséquent et j'ai senti que j'aimais bien. Mais c'est vraiment suite à la déclamation que ça m'a pris, alors j'ai dit à mes parents : « Je veux faire du théâtre ! ». Ils m'ont répondu : « N'es-tu pas trop timide ? ». Mon père avait aussi, quand il était jeune, une troupe amateur, donc quelque part c'était déjà dans le sang…

Pour en revenir à la chanson : tu es aussi compositeur. Quel genre de chansons composes-tu ?

Ce sont des chansons qu'on appelle à texte mais ça ne se prend pas du tout au sérieux. Il y a des chansons pour faire rire et pour interpréter sur scène des personnages ou des états comiques. Sinon, beaucoup de balades mélancoliques. C'est de la chanson d'un autre temps, me dit-on, par rapport aux nouvelles chansons françaises, que j'adore, en général (Bénabar, Saint-André,…). Moi je fais autre chose : de la chanson « carrée », avec des strophes, pas nécessairement avec un refrain mais avec tout de même un texte bâti. Toujours sans se prendre au sérieux… Cela parle : ou d'un mal-être, ou d'un incident qui s'est passé, ou de quelqu'un que j'ai rencontré et que j'aime beaucoup, ou encore d'une situation que j'ai mal vécue ou qui m'a fait trop rire,… C'est la vie de tous les jours avec beaucoup d'amour : beaucoup chanter l'amour parce que c'est le plus beau thème qui existe.

Et tu as sorti un CD avec tout ça ?

Non… J'ai fait des maquettes et tout le bazar… Cela fait quelques années que j'ai tendance à dire que je ne mourrai pas sans avoir fait un CD. Maintenant, il y a un processus qui est en cours, je ne sais pas combien de temps cela va durer mais j'ai rencontré la personne idéale pour cela. Dans les 2 ans logiquement, il y a quelque chose qui va sortir. Juste pour voir si ça plaît à du monde ou pas.

Pour l'instant, on peut donc t'entendre dans les cafés-théâtres…

Oui. Ceci dit, j'ai eu la chance de chanter au théâtre des Galeries pour mes 40 ans. Pour ma 10ième Revue, le Directeur David Michiels m'a fait ce beau cadeau : un soir, une salle pleine, un lundi de relâche durant la Revue. Comme c'était bourré de lumières, bourré de sons, on en a profité, avec 3 ou 4 musiciens, des copains qui sont venus faire des duos et tout ça… Là, j'ai chanté devant 800 personnes. Sinon, je chante devant 40 ou 50 personnes, dans des salles comme la Samaritaine. J'essaie de faire cela, une fois par an. En fait, la chanson ne me fait pas vivre. Le théâtre me fait manger. Parfois plus, parfois moins… Cela ne m'empêche pas de faire, encore chaque année, des trucs en jeunes compagnies parce que j'adore ça, que c'est vraiment là qu'on ne s'use pas, qu'on ne se rouille pas. En continuant à se confronter à des jeunes, on continue à remettre en question sa manière de travailler.

D'ailleurs, tout récemment, on t'a vu à la Clarencière jouer pour une jeune compagnie…

Cette année-ci j'ai participé au projet de deux ou trois jeunes compagnies. Dernièrement dans deux pièces de Musset « Un Caprice » et « Il faut qu'une Porte soit ouverte ou fermée » sur lesquelles, j'ai travaillé avec Frédérique Panadero dont c'est la première vraie mise en scène professionnelle. Elle se tape Musset, qui n'est pas facile actuellement : ça n'attire pas beaucoup de monde. Mais je pense que si je dis non à cela, je rate quelque chose dans mon parcours. De mon côté, je peux lui apporter ce que j'ai comme expérience, même si ça ne veut pas dire grand-chose car c'est la 2ème fois de ma vie que je joue du Musset.
Il y a ce truc aussi de se découvrir humainement. J'aime bien les gens, les gens gentils…

Les jeunes compagnies, c'est visiblement très important pour toi…

Je pense que si je ne travaillais qu'aux Galeries ou au Parc, je me rouillerais dans un certain système de jeu, parce qu'on le sait bien : dans ces grands théâtres, il n'y a pas le choix, on ne peut pas travailler longtemps. On ne nous donne pas le temps et on ne se donne pas le temps de travailler à fond. Comme il y a 5 ou 6 pièces sur une saison, on ne peut répéter que 26, 27 fois. Alors, à force, cela devient de moins en moins difficile car on sait comment cela fonctionne et on ne nous prend plus que pour un type de rôles-là. Mais aux Galeries, j'ai eu 10 ans de bonheur où j'ai joué plusieurs rôles super intéressants. Maintenant de moins en moins, … Donc, oui, sur 26 fois, on n'a pas vraiment le temps d'entrer dans un texte. Aussi, c'est un théâtre basé sur l'apparence et sur l'humour. Ce n'est pas le théâtre qui est fait pour explorer le fond de l'âme humaine. Il y en a d'autres pour cela… Tous les théâtres sont complémentaires et ils doivent tous exister. Aux Galeries, on ne se prend pas trop la tête, mais j'aime dire, quand même, qu'on travaille beaucoup. Parce qu'on ironise beaucoup autour de la Revue, par exemple. Mais c'est une création chaque année, et qu'on vienne voir le travail que cela représente. Ce n'est peut-être pas l'humour à la mode : ironique ou que sais-je, c'est de l'humour bon enfant, et les gens y viennent en nombre.

Aux Galeries, tu as donc interprété un répertoire classique…

Les Galeries c'est un théâtre populaire : dans le grand, le beau sens du terme. Parfois, dans la saison, ils mettent un truc différent. Par exemple, j'ai joué un super rôle dans Pirandello « À Chacun sa Vérité ». Jamais, il y a 10 ans les Galeries n'auraient fait ça. Mais j'ai joué plus de classiques : Molière, Marivaux, Feydeau, Shakespeare un tout petit peu, bien que pas assez, ... J'ai joué aussi beaucoup de pièces policières : Agatha Christie ,…

Et que penses-tu du théâtre contemporain ?

J'aime tous les théâtres. Il y a des théâtres qui m'énervent comme le National. Avec tout l'argent qu'ils ont, ce qu'ils en font : cela me révulse… Le Varia, j'y vais quand il y a quelque chose qui me plaît. Là, j'ai été vexé (il y a un petit temps de cela) parce que, comme je jouais aux Galeries, je n'ai pas eu droit à l'audition. Je vais voir du théâtre contemporain en jeunes compagnies, chez les amateurs, pour découvrir des pièces… Je vais voir des auteurs de maintenant. J'ai joué dans des trucs que des gens ont écrits pour moi… Par exemple, Fabrice Gardin m'a écrit une pièce qui, j'espère, sera montée à Ittre. J'aime tous les théâtres pour autant qu'ils me racontent une histoire que je comprenne et qui me touche.

Des nouvelles tendances comme le « théâtre-physique » ou le « théâtre-mouvement » te plaisent-elles également ?

Pourquoi pas… D'abord, je suis assez sportif (rires). Au début même, je voulais être prof de gym et puis mon fémur a bougé. On a dû mettre des broches dans la jambe donc on m'a déconseillé de faire une licence en gym.

…Pour notre plus grand bonheur, sinon tu n'aurais jamais fait de théâtre !
Marc, dans quoi n'aimerais-tu surtout pas jouer ?

Dans un film porno, je suppose (rires)… Au théâtre, je refuserais de jouer Hitler dans une pièce qui fait l'apologie du nazisme. Si c'est jouer Hitler pour le ridiculiser ou dénoncer son fonctionnement : oui. Mais autrement, il est clair que je ne jouerais pas dans ce qui prône le contraire de mes valeurs. J'espère rester honnête dans cela jusqu'au bout. Je dois avouer que, comme tous les comédiens du monde, j'ai déjà accepté des trucs qui ne m'excitaient pas ou simplement, pour faire plaisir. Mais c'est un métier, et il faut vivre : donc je dis oui. Je n'en ai pas honte. De tout de façon, j'aime être sur scène…

Quels sont les comédiens, metteurs en scènes, … qui ont particulièrement enrichi ton parcours ?

Il y a eu d'abord mon premier prof de déclamation et d'art dramatique François Mairet qui joue, hélas, beaucoup moins maintenant mais qui fait beaucoup de doublages et de pubs. C'est lui qui a été mon premier guide. Et puis, il y a eu Dominique Haumont qui m'a permis de me dépasser, sortir de ma timidité. Par exemple, il m'a fait jouer dans un opéra rock sur le parvis de la cathédrale Saint-Michel. Il a aussi été co-directeur au théâtre des Galeries et grâce à lui on a pu vivre des choses insensées. Il y a eu Bernard Lefrancq, qui m'a beaucoup mis en scène. Il a un sale caractère, aussi sale que le mien… Avec lui, on a ri, on s'est engueulé. Il m'a donné la possibilité de jouer avec plein de gens, interpréter plein d'auteurs. Il m'a permis de prendre des risques, d'aller jouer en jeunes compagnies. Chaque année, depuis maintenant 12 ans, je fais la tournée d'été du théâtre des Galeries avec lui. Il m'a mis en scène dans des lieux impossibles où l'on doit changer la mise en place tous les jours selon qu'on joue dans une ferme, dans un château,… On joue dehors, dans des lieux qui ne sont pas faits du tout pour le théâtre, dans des lieux où il faut hurler de face parce qu'il y a 600 personnes. Bernard Lefrancq fait beaucoup de spectacles humoristiques au Koek's Théâtre, à la Bouch'rit à Liège, au Comic'art. Et puis, il y a eu Claude Enuset qui m'a permis de jouer Dr. Jekyll et Mr. Hyde, seul. J'ai eu la grande chance également de rencontrer Jean Hayet - Madame Chapeau - qui n'a peut-être rien fait pour moi professionnellement, et encore, je n'en suis même pas sûr. Un être humain magnifique, d'une culture exemplaire mais sans étalage. Jean Hayet était avant tout un grand humaniste ! Voilà, j'espère n'avoir oublié personne. Ce sont toutes des personnes qui ont été des repères pour moi.

Et toi, de la mise en scène, tu en as fait pas mal non plus…

Pas beaucoup. Pour ma toute première, j'ai remis en scène, 10 ans après, ce Feydeau que j'avais joué en début de carrière au Festival de Spa. Puis, avec Pierre Pigeolet, on a écrit et mis en scène un spectacle. Disons que j'ai mis en scène quelques pièces à 2, 3 ou 4 personnages dans des petits lieux. C'est tout ce que je sais faire… Je ne suis pas un vrai metteur en scène : je ne suis pas un faiseur d'images, je n'ai pas une vue d'ensemble immédiate de ce qu'on va faire. J'ai une vue d'ensemble mais au fur et à mesure. Je ne me sens pas non plus créateur d'options fulgurantes pour relire un ancien auteur ou même un nouveau. J'aime bien diriger des comédiens dans la pleine confiance mutuelle et ce doit être dans des thèmes où on parle de relations humaines, des trucs qui me collent de près.

Et le cinéma, ça t'intéresse ? Tu en as fait ?

(Rires). Mais non, je n'ai pas du tout envie de faire du cinéma !! Qu'est-ce que j'en ai à foutre du cinéma ! D'abord, je ne savais même pas qu'il y a du cinéma dans notre pays… Non, sans rire, évidemment que si je pouvais, j'en ferais et je crois même que je serais bien fait pour cela. Moi, je suis plus à l'aise dans les petits lieux que dans les grandes salles. Donc, je me dis que je serais peut-être plus à l'aise dans un petit cadre, une caméra. J'aime bien essayer de retrouver le parler vrai. Je ne suis pas un grand articulateur, je ne suis pas connu pour cela. Je suis plutôt connu pour… pour…au fait, je ne sais pas du tout pour quoi je suis connu…En fait, je ne suis pas connu mais disons que, au sein du milieu, on me reconnaît peut-être une certaine profondeur. Mais donc le cinéma, si on m'en propose, je dirais bien oui. Par contre, je ne pense pas être fait pour la publicité. Mais comme je n'ai pas mon CV dans des boîtes de casting, ni sur des sites internet, forcément les opportunités dans le cinéma n'arrivent pas. C'est un peu de la faute de tout le monde. Je trouve que les « casteurs » devraient venir au théâtre plutôt que de ne réaliser que des castings chez eux, à froid, devant la petite caméra.

J'en reviens encore à ton "impressionnante" carrière puisque tu as joué dans plus de 90 pièces (sans compter les mises en scène) qu'est-ce qui a changé chez le comédien que tu es devenu par rapport à tes débuts ?

90 pièces ! Mais où as-tu trouvé ça… ? 90 ! Ce qui a changé ? J'ai perdu beaucoup de cheveux. Pour être un peu sérieux, je pense que j'ai gagné en culture (à force de faire du théâtre, j'ai lu plein de pièces et parfois j'ai lu des informations complémentaires pour me documenter). Sinon, j'ai cru qu'avec le temps, j'allais gagner en confiance, qu'au fur et à mesure des spectacles, j'aurai de moins en moins de craintes… Mais en fait, c'est encore pire. Plus ça avance, et plus on se sent démuni par rapport à un début de répétition. Cela dit, je crois, quand même, que les choses se font plus vite, que je trouve plus vite le trajet de mon personnage. Et puis aussi, quoi que je dise, j'ai acquis volontairement ou non, une série de trucs qui m'aident dans le cas de metteurs en scène insuffisants. Des trucs qui me permettent dans une grande salle, par exemple, de faire croire que je suis très triste. J'ai gagné ça. C'est pas très beau, mais il n'y a parfois pas le choix. Sinon, je suis persuadé d'avoir gagné en relations humaines, en analyse de l'être humain… Et donc, j'ai moins d'amis qu'avant. Avant, j'aimais tout le monde, maintenant… je n'aime plus tout le monde. Avant je ne me méfiais de personne, maintenant... je me méfie un petit peu plus. Sinon, je ne suis pas meilleur comédien… Enfin, si : je sue moins à la première lecture, je suis moins trouillard. Je ne me dis plus : « Il faut que je prouve… ». Je suis arrivé, en tout cas en jeunes compagnies, à me dire que je n'ai plus rien à prouver, que c'est pour le plaisir et je donne le maximum. J'ai moins de barrières qu'avant, moins de timidité, je suis prêt à aller plus loin parce que je sais que ce n'est quand même que du théâtre et que j'ai moins d'importance que ce que je croyais quand j'avais 20 ans. Mais j'ai quand même bien fait mon chemin, je n'ai pas arrêté. Il faut que je sois sur scène : c'est une drogue qui ne fait pas trop de mal. Mais aujourd'hui, je joue de moins en moins dans les grands théâtres (les Galeries,.. ), par contre, je joue plus en jeunes compagnies. Pour les sous, cela change tout. Je me sers beaucoup plus la ceinture qu'il y a 5 ans, par exemple.

Et cela vient de quoi ?

Peut-être parce qu'aux Galeries, ils font des changements. Peut-être parce que mon caractère est devenu moins facile. Peut-être que je ne corresponds plus à la mode que le directeur veut imprimer à son théâtre. Mais bon, j'ai eu beaucoup de chance de travailler dans ce théâtre pendant 13 ans ; maintenant, c'est le tour des autres. Peut-être que c'est un passage de la quarantaine difficile, que je rejouerai mieux les vieux…

Un tout grand merci à toi, Marc. On te retrouve donc dans « L'Histoire des Ours Pandas racontée par un Saxophoniste qui a une Petite Amie à Francfort » de Matéj Visniec du 12 au 29 mars à l'Arrière-Scène. Ensuite au Koek's Théâtre avec Bernard Lefrancq, pour une création qui s'intitule "Les Faux-Frères", un spectacle d'imitations, de sketches du 21 au 24/5 et du 28 au 31/5. Et enfin, en été, en Avignon, avec les deux pièces de Musset qu'on a pu voir à la Clarencière et deux courtes pièces de Ghelderode.

Interview recueillie par Nathalie Lecocq le 28/02/08

Jules-Henri Marchant

Joëlle Yana — 2008-03-03T14:27:01Z

Jules-Henri Marchant a débuté sa carrière théâtrale au Rideau de Bruxelles en 1958 ; il en devient directeur artistique en 1992, et après 15 ans, passe le flambeau à Michaël Delaunoy.

Rosalia Cuevas

Nadine Pochez — 2008-02-13T16:20:51Z

Sa carrière de comédienne est déjà impressionante, mais elle avoue son désir de pouvoir interpréter un jour un rôle de tragédie classique, comme Phèdre ou Clytemnestre.

Elle sera Madame Duplay dans Robespierre [1] de Thierry Debroux, du 21 février au 22 mars 2008 au Théâtre Royal du Parc. En attendant, je rencontre cette grande comédienne dans sa loge, en plein essayage costume !

Rosalia Cuevas, qui êtes-vous ?

Rosalia Cuevas signifie « petite rose des grottes » Je suis espagnole mais je suis arrivée en Belgique à l'âge de 1 mois donc la culture espagnole m'a été transmise essentiellement par mes parents. J'ai commencé ma carrière de comédienne professionnelle par le Conservatoire Royal de Bruxelles dans la classe d'André Debaar. J'y suis sortie en 1978. J'ai directement été engagée au Théâtre des Galeries. J'y ai joué pendant dix ans. Au départ, j'étais « les soubrettes », puis, au fur et à mesure j'ai eu des rôles plus importants. J'y ai rencontré les monstres du
théâtre de l'époque : Christiane Lenain, Jean-Pierre Loriot et Serge Michel. C'étaient vraiment des comédiens magnifiques et j'ai eu une chance folle de pouvoir apprendre à leurs côtés. Ensuite, j'ai joué au Théâtre du Parc pendant quelques années. Puis, mon parcours est devenu plus free-lance : j'ai travaillé dans presque tous les théâtres de Belgique.

Tout récement, on vous a applaudi un peu partout en
Belgique avec Un Grand Cri d'Amour
de Josiane Balasko. Préférez-vous jouer les comédies ?

J'ai beaucoup joué la comédie. J'ai adoré ça. J'ai vraiment appris mon métier avec les comédies des Galeries. Mais c'est vrai, qu'au bout d'un moment, j'avais envie de diversité, de jouer un autre registre ; et je l'ai fait !

Vous êtes également directrice de plateau ?

Directrice plateau de doublage. J'entrevois ce métier de manière différente. Certes, il faut également être comédien pour pouvoir l'exercer : il faut savoir jouer et il faut également disposer d'une certaine technique propre au doublage (parler en place, gérer la respiration…). Le doublage me passionne : à la fois être la voix de quelqu'un au micro, et, diriger le comédien. Celui-ci doit être mis en situation rapidement car, lui, à la différence du directeur plateau, n'a pas vu le film. Il ne connait pas l'histoire ni la voix qu'il lui donnera.

Le Cinéma ?

Du cinéma : oui, j'en ai fait ; mais, j'avoue, sans honte que j'y suis rarement engagée ! Mon expérience dans le cinéma est donc très pauvre. Il m'attire moins que le théâtre parce que le comédien doit incarner directement le personnage. Le théâtre permet de faire une recherche plus longue sur le personnage. J'aime les répétitions ; ce qu'il n'y a pas au cinéma.
(n.d.l.r. :Son dernier rôle était celui d'une PDG pour Septième Ciel Belgique 2ème saison [2])

La mise en scène ?

Jamais je ne m'autoriserais la mise en scène et l'enseignement. Je crois qu'il faut être sûre de soi. Je m'en sens complètement incapable. J'aurais trop peur de me tromper tout le temps. Mon angoisse de comédienne me suffit !

Pourtant vous dirigez des comédiens pour le doublage.

Avec le doublage, j'ai l'impression que la prise de risque est moins grande car le film est déjà terminé. Il s'agit de ressentir les émotions des personnages et ensuite de demander aux comédiens de les interpréter vocalement.

Vous jouez très bientôt au Parc Mme Duplay dans Robespierre - la dernière création de Thierry Debroux.

La pièce est une description très bien faîte d'une période que l'on appelait La Terreur. Elle raconte les derniers jours de Robespierre avant sa décapitation. Il habite chez un couple : Monsieur et Madame Duplay. Cette dernière a beaucoup plus de caractère que son mari qui est … un nounours ! Ils ont une fille qui est amoureuse de Robespierre. Ils vont chercher à la marier avec lui. D'autre part, Mme Duplay et Robespierre nourrissent l'un pour l'autre une grande tendresse.
La distribution est excellente et le texte est vraiment superbe !

Quelle est la pièce que vous avez préféré jouer ?

C'est une question difficile car l'on se souvient plus volontiers des pièces récentes.
Je pense que Mathilde de Véronique Olmi, avec Patrick Descamps, mis en scène par Michel Kacenelenbogen est une des pièces que j'ai préféré jouer. C'était au Public en 2006. C'est l'histoire d'un couple bourgeois. Elle sort de prison parce qu'elle a eu une aventure sexuelle avec un mineur … elle rentre chez elle et assume complètement ce qu'elle a fait. Elle n'a aucun regret et ne compte pas faire sa vie avec ce jeune homme. Elle a juste vécu un moment extraordinaire dans sa vie. Son mari ne comprend pas du tout la situation.

Un rôle que vous rêveriez de jouer ?

Phèdre ou Clytemnestre. Mon seul regret est de n'avoir jamais pu jouer de tragédie. Mais ma carrière n'est pas terminée !

Écrivez- vous ?

Non

Qu'aimez-vous dans votre métier ?

J'ai toujours voulu faire ce métier et je serais bien incapable de faire autre chose !
Ce qui m'intéresse c'est d'être un personnage que je ne suis pas. J'aime les répétitions : chercher, se tromper, être vrai, sentir l'étincelle dans l'œil du partenaire au point d'en oublier les spectateurs…

Qu'est-ce qu'on peut vous souhaiter ?

Que ma fille réussisse ses examens ! Ça c'est très important pour moi !

On croise les doigts pour elle, mais permettez-nous de vous souhaiter en plus un franc succès avec ce nouveau rôle de Madame Duplay

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Propos recueillis par France Pinson le 8 février 2008

À l'affiche au Théâtre Royal du Parc 21 février - 22 mars 2008 : Robespierre écrit et mis en scène pat Thierry Debroux - création

Crédits : Photo N/B Mathilde : Cassandre Sturbois – Photos Un grand cri d'Amour : Luc Tourlouse Affiche Robespierre : Serge Daems

[1] Paru chez Lansman N°621

[2] La RTBF vient de sortir ce 2d DVD

Marie-Paule Kumps

Nadine Pochez — 2008-01-21T10:47:34Z

Cette saison, Marie-Paule Kumps était la Reine dans L'Oiseau Vert, elle a co-écrit et joue Tout au Bord avec Bernard Cogniaux et met en scène Le Fait d'habiter Bagnolet.

Voilà, j'ai au moins 3 bonnes raisons pour parler à nos lecteurs de ces 3 talents puisque tu es tout à la fois auteure, interprète et metteuse en scène.
Pour coller à l'actualité, je commencerai par l'écriture avec Tout au Bord, à l'affiche en ce moment au Public. Parmi la petite vingtaine de pièces que j'ai comptées à ton actif, celle-ci est ta 5ème collaboration en écriture avec ton compagnon de vie Bernard Cogniaux. Peut-on parler d'une institution quand on évoque le couple Cogniaux-Kumps au théâtre ?

Eh bien j'ai déjà envie de dire NON ! (rires)
C'est-à-dire que j'avais déjà écrit un seule en scène (Mado), avec l'aide de Sylvie de Braekeleer et le premier spectacle qu'on a écrit et créé Bernard et moi, c'était Orage sur un Dictionnaire, un spectacle ludique autour du thème du théâtre. Puis le second spectacle qu'on a écrit ensemble, c'était Pour qui sont ces enfants qui hurlent sur nos têtes ? [1], c'est vrai que c'était un thème tout à fait familial et c'est vrai qu'on était absolument dedans puisqu'on avait 2 jeunes enfants. Ça racontait l'histoire d'un jeune couple depuis la conception du premier enfant jusqu'aux 5-6 ans du second. Et ce couple se disait qu'avec les enfants, ils vivent à rythme fou : on travaille, il faut faire à manger, la lessive, les courses… et ce monde va tellement vite que parfois ce couple avait des réflexions absurdes parce qu'il n'avait plus le temps de réfléchir ni à ce qu'on fait, ni au pourquoi de ce qu'on fait, comme si leur quotidien s'était mis à s'accélérer autour d'eux. Et c'est vrai que c'est une question que nous nous posions. On nous a dit souvent “Ah c'est autobiographique” et on laissait dire en souriant, mais bien sûr que ce ne l'est pas complètement parce que justement nous nous sommes posé beaucoup de questions par rapport à l'éducation, par rapport aux choix de vie. Je pense que nous, dans notre vie, nous avions une certaine distance justement par rapport à ça. C'est vrai qu'on courait : on jouait le soir, on rentrait tard, le matin, on se levait, on faisait des tartines, on conduisait un là et l'autre là, on répétait vite car il fallait être revenu à 4 heures pour les enfants ! Mais nous n'étions pas dans le cas de ce couple qui, à un moment donné, ne réfléchit plus ; par exemple, dans la dernière scène, ils avaient décidé de divorcer parce que tous les enfants de la classe des leurs avaient des parents séparés, donc ils trouvaient que – alors qu'ils s'aimaient - c'était peut-être mieux pour préparer l'avenir des enfants dans le monde actuel ! Donc voilà : ce n'est pas complètement autobiographique ! Pas plus que pour ce cinquième spectacle co-écrit – Tout au bord - qui traite à nouveau du thème de la famille. C'est encore une fois un prétexte et ça nous a beaucoup plu de retrouver le même couple bien plus tard, au moment où les deux enfants ont quitté le nid familial, ce qui crée une espèce de vide, parce qu'on a un changement complet d'horaire et de rythme, qu'il ne faut plus se dépêcher de faire la lessive, il ne faut plus nécessairement faire à manger pour les gamins etc. Et sans même s'en rendre compte au début, ces mêmes parents remettent en question toute leur façon de vivre et le mode de vie que nous impose de plus souvent la société. En plus Bernard et moi on se posait la question, une question qui nous intéresse pour le moment « Qu'est-ce qu'on fait dans cette société de consommation ? Comment peut-on avoir une responsabilité civique participative dans la société actuelle »

Oui, vous avez ajouté une dimension sociale à ce spectacle-ci qui colle assez bien avec les préoccupations de paupérisation, de notre société (SDF, sans papiers)

Oui, c'est plutôt ça, tous nos questionnements. Et l'on s'est dit qu'en prenant ce couple-là au moment où les enfants partent, c'était l'occasion de leur faire faire des remises en question comme d'avoir envie de changer de cap. Mais il y aurait pu avoir un autre déclencheur que le départ des enfants, pour que ce couple ne soit plus heureux de vivre comme avant.Moi ça m'est déjà arrivé de retour après un voyage de prendre du recul en me disant “Mais qu'est-ce que je fous à vivre ainsi ?!.” Donc pour répondre plus précisément à ta question, ce n'est pas que lié à la famille et j'ai d'ailleurs écrit plein d'autres choses sur des thèmes assez différents.

En effet. Tu écris aussi pour toi ou pour vous et j'aimerais savoir si en Belgique c'est une nécessité pour avoir plus l'occasion de jouer d'écrire pour soi ?

Je ne sais pas si c'est une nécessité, parce que c'est toujours une démarche très personnelle, mais c'est vrai que quand j'étais plus jeune, je n'avais pas toujours tout le temps mes saisons pleines dans de grands théâtres institutionnalisés qui me proposaient des contrats salariés. Et donc je ne me suis jamais posé trop de problème avec ça. Je ne me suis jamais retrouvée à attendre près de mon téléphone, et déjà jeune, j'avais plein d'envies personnelles. J'avais un contrat là et puis un projet avec des ami(e)s, avec des gens de la Ligue d'Impro et on trouvait une salle, ou une co-production, on faisait son projet et puis j'avais un autre contrat que ce soit à Vilar, au National, au Poche ou au Rideau. Je ne me suis jamais dit “je n'ai pas de travail, il faut que j'en trouve” et ça c'est mon caractère. J'ai eu beaucoup d'idées, pas toutes très bonnes d'ailleurs (rires)… des envies “Oh j'aimerais bien travailler avec untel, oh j'ai envie d'écrire sur thème-là, oh ça serait chouette d'adapter cette pièce” Alors ça se mettait un peu tout seul entre tes contrats. Et c'est vrai que si tu te montes des projets personnels et qu'à l'intérieur de ça tu te crées un rôle, évidemment que tu te crées de l'emploi… mais pas toujours du revenu !

Il y a des auteurs qui n'écrivent que pour les autres

Bien sûr. Mais moi je me suis toujours sentie – je crois Bernard aussi – d'abord comédienne et donc l'écriture est venue dans cette ligne de démarche-là. Donc lorsque j'écrivais, je voyais déjà le spectacle et ce que j'avais envie de jouer, comment j'avais envie de le jouer… Mais assez rapidement quand même, j'ai écrit pour d'autres, ainsi Laurence Bibot m'avait demandé ainsi qu'à 3 autres auteurs d'écrire pour son spectacle : Laurence Micro. J'ai fait la même chose pour les spectacles Oups ! et Black & White de Lorette Goose. J'ai écrit aussi Il suffit d'un battement d'aile pour Gudule, Martine Willequet et Monia Douieb qui m'en avaient fait la commande (mis en scène par Patrice Mincke). Et j'écris avec beaucoup de plaisir pour les autres. La première fois que j'ai ressenti un grand plaisir à faire ça, c'est avec Christine Delmotte et 4 de ses étudiantes du Conservatoire de Liège qui venaient de sortir de l'école et avaient envie de se créer un spectacle. Elles avaient demandé à 4 femmes auteures d'écrire une petite pièce et elles avaient fait un spectacle à partir de cela qui s'appelait Les Tricheuses. Je crois que c'est bien la première fois qu'on m'a passé une commande. Et j'ai adoré le spectacle. Et je me suis dit « ah que c'est gai ! » parce que je voyais les choses d'une certaine façon et elles en avaient fait autre chose, mais c'est comme si elles l'avaient transcendée, elles avaient été plus loin que ce que j'avais imaginé. C'était gai parce que ça ne m'appartenait plus et j'ai vu le spectacle comme une spectatrice. J'ai aussi écrit avec Bernard pour nous et d'autres, comme À Table ou plus récemment Saison One.

Et le talent mis à part, à quoi peux-tu attribuer le succès de tes pièces ?

(Long silence) Je ne sais pas, parce que ça pourrait paraître prétentieux. J'essaye toujours d'écrire avec beaucoup de sincérité. Personnellement j'aime bien – et je crois que Bernard aussi, en tout cas quand on co-écrit – on aime bien partir des petites choses de la vie, parce qu'on trouve que la vie n'est pas faite de grandes théories, de grands discours. La vie c'est aussi le quotidien : c'est “Y a pas de café ce matin” ... ça te met déjà de mauvaise humeur ! Ce qui nous intéresse c'est de parler de l'humain et du cœur. Nous on n'est pas des gens de la tête. J'aime bien les théories, j'aime beaucoup réfléchir au sens, j'aime beaucoup réfléchir dans mon écriture comment j'équilibre une phrase, mais je trouve que le centre de la chose c'est l'humain, c'est le cœur et la chair.

Quand vous écrivez à deux, ça se passe comment ? Chacun de son côté ?

En général on essaye de trouver une histoire ou un début d'histoire qui nous accroche tous les deux

Comme quand vous faisiez de l'impro tous les deux, puisque c'est comme cela que vous vous êtes connus ?

Oui, c'est vrai. Parce que l'impro c'est ça…

Vous écrivez en parlant ?

Non, pas du tout. Pour la technique, c'est vrai que l'un dit quelque chose et l'autre part de ça pour apporter sa pierre et ainsi de suite pour former un dialogue. Et notre écriture c'est un dialogue, mais pas comme ça. Par exemple pour Tout au Bord on a beaucoup chipoté. Et c'est le premier spectacle où l'on chipote comme ça. On avait l'idée de vers où l'on voulait aller et l'on avait commencé à écrire et en général ce qu'on fait : l'un écrit plus ou moins une scène et puis l'autre la lit et puis continue et quand on est plus loin et qu'on voit mieux où ça va. Parfois on se dit qu'il faudrait qu'il lui arrive ça et l'on écrit une scène plus loin. Donc c'est un peu comme en impro, on construit chaque fois sur ce que l'autre a apporté. Mais ici, on n'était pas satisfait de l'histoire et l'on avait beau faire tout ce qu'on pouvait, ça ne fonctionnait jamais… Et chaque fois on discute : pourquoi on n'aime pas, pourquoi on aime bien, c'est trop anecdotique, c'est trop quotidien, c'est trop petit. Et, au fur et à mesure, on se rend mieux compte de ce qu'on a envie de raconter… Et un jour Bernard m'a dit : “J'ai tout mis au bac et j'ai une autre idée !” mais quelque part c'était lié à tout ce qu'on avait déjà écrit, mais ça démarrait autrement “Tu verras. Je ne sais pas si c'est bien… j'ai écrit toute une scène”. Et j'ai lu et j'ai dit “Ah.. génial… ça y est, je vois… bravo, bravo, magnifique”. Et j'ai écrit la 2ème, et lui la 3éme “Je sais ce qu'elle va faire” ... Et puis le camping ... et hop hop hop c'était parti. Et alors on ne calcule même pas, ce n'est pas très organisé. Ce n'est pas nécessairement juste la scène qui suit. Tu vois ? Mais on se parle toujours et à un moment donné quand ça marche bien, ce qui fut le cas de Tout au Bord, on ne sait plus très bien qui a écrit quoi parce qu'alors on se met à corriger. C“ette scène est beaucoup trop longue, j'ai coupé, j'ai arrangé” Tout se retravaille et c'est très gai.

Dans tout ce que vous écrivez l'humour est toujours présent

C'est vrai. Pourtant parfois on se dit qu'on ne doit pas écrire un truc drôle et c'est quand même drôle (rires)
C'est énervant…

C'est un excellent moteur pour faire passer des idées

Oui, j'aime assez bien quand, même dans la vie, on arrive à prendre une petite distance sur les choses, quand on peut arriver à rire de choses difficiles en les regardant par un autre angle. Par exemple on ne voulait pas que Tout au Bord soit une comédie. Pas du tout ; c'est un couple qui bascule, qui perd le Nord, mais nous les auteurs, on ira plus vite qu'eux pour comprendre pourquoi, mais eux, ils mettent toute la durée de la pièce pour comprendre ce qui leur arrive. Donc on était parti pour écrire un drame. Mais je ne sais pas… je crois que c'est notre façon d'écrire …

C'est aussi votre façon d'être !

Sans doute, oui tu as raison. Et aussi notre regard sur les choses qui fait qu'on aime bien quand il y a une distance. Mais c'était périlleux car nos personnages s'enfoncent inéluctablement. Et donc il y a un virage dans le spectacle où l'on peut rire pendant une scène ou deux et puis, il n'y a plus de raison de rire. Et puis à la fin, il y a de nouveau des choses drôles et je pense que cela se termine quand même sur une note optimiste et positive. A contrario, quand on avait écrit À Table, on savait qu'on allait le jouer à la Toison d'Or, donc on s'est dit “Ça doit être une comédie”… et malgré ça, il y a des scènes un peu grinçantes…

Il y a 3 pièces qui ont été jouées au Rideau et pour lesquelles tu as chaque fois écrit une version racontée aux enfants

Ouiii c'était très gai aussi ça. Je trouvais intellectuellement l'ensemble de la démarche excitante. Moi j'aime toujours beaucoup les défis. J'ai donc lu et relu L'Odyssée et Don Quichotte qui étaient de grandes pièces – je veux dire en volume littéraire, de gros bazars… L'exercice était très intéressant : il consistait à se demander “Comment faire pour raconter tout cela à des jeunes, tout en gardant la poésie, l'énergie ?”. J'ai donc écrit 3 adaptations - la 3e étant Le Château - qui duraient environ 55 minutes. Je partais respectivement des textes d'Homère, Cervantès ou Kafka tout en essayant chaque fois de coller au style des adaptations faites par Paul Emond, pour que ce soit le petit frère du grand frère joué le soir. Donc pas du tout comme moi je l'aurais adapté. Donc on n'a pas du tout simplifié, on a laissé la poésie telle quelle, parce qu'il existe un grand nombre d'adaptations édulcorées pour les enfants, pire les unes que les autres… Et j'ai donc fait toute une réflexion sur ces spectacles-là parce que j'avais vraiment envie que ce soit très simple et qu'on retrouve l'action, la philosophie de l'histoire et le style de l'écriture. Je jouais tous les personnages en alternance avec Delphine Charlier parce qu'il y avait une telle demande, avant même que ce ne soit créé, que cela aurait été trop lourd pour moi seule, vu qu'on jouait encore le soir la pièce principale. On a tout fait ensemble.

Après, il y avait une partie animation, avec je suppose des questions-réponses…

Oui, c'est cela. Et aussi ce qui est très original c'est que nous avions fait le pari de le faire en costume et dans le décor. On faisait entrer des groupes pas trop nombreux et on les accueillait en expliquant qu'il y avait la pièce le soir et que nous, on allait la leur raconter. Et après il y avait des questions qui fusaient mais de tous ordres et l'on en profitait pour se balader dans le décor, les coulisses, et toutes sortes de choses comme les éclairages autour de la pièce en question et du théâtre en général.

C'est un peu dommage qu'on ne reprenne plus ce genre d'initiatives.

Oui. Et ça marchait tellement bien qu'on jouait pour les enfants le matin et l'après-midi !

Avant de parler de ta prochaine mise en scène, je voudrais faire un petit retour en arrière sur ta dernière interprétation, en tant que comédienne, dans L'Oiseau Vert de Gozzi où tu nous offres encore une fois de beaux moments en grommelot [2] une technique que tu maîtrises parfaitement. Pour moi tu es LA championne du grommelot… J'adore !

Oui j'aime bien faire cela et cela se prête bien dans la Commedia dell'Arte qui est très codée. C'est très gai et c'est le genre de personnage qui me convient bien. Mais moi je passe mon temps, en tant qu'actrice, à essayer d'en faire moins, parce que je suis – déjà dans la vie - quelqu'un de très expressif avec les mains et tout ça et donc, sur le plateau, on me dit d'en faire moins et je dois me retenir... alors si je fais une comédie, j'ai vite fais d'en faire des kilos et contrer cette tendance, c'est pour moi un vrai travail ! Alors qu'il y a des acteurs pour lesquels on se dit “Je sens que c'est juste à l'intérieur, mais on ne le voit pas… Il faut qu'on sente la colère, il faut qu'on sente le bonheur.” Il y a des metteurs en scène qui demandent à leurs étudiants ou même à des comédiens qu'ils s'expriment plus, qu'ils bougent un peu plus … Et moi c'est toujours l'inverse ! Rarement on me dit que je ne joue pas sincèrement, mais « ramène tout cela » et donc je me dis “Attention, Marie-Paule, attention ! Moins, moins, moins !” Alors pour moi, dans L'Oiseau Vert, pour une fois Carlo Boso [3] me disait “Oui, très bien, tu peux y aller, c'est Cruella, c'est Walt Disney contemporain ce qu'on fait… Vas-y !” Et quand je faisais une sortie bien propre, il me disait : “Tu peux en rajouter” ... “HA ! ah, chouette”. Donc c'était une vraie récréation.

On va terminer en parlant de la mise en scène sur laquelle tu travailles pour l'instant.

Oui, Le Fait d'habiter Bagnolet c'est une petite pièce qu'on monte pour l'Atelier 210. Tu sais, j'avais travaillé une saison à Paris avec Les uns chez les autres d'Alan Ayckbourn, il y a 3-4 ans, et on est parti Philippe Résimont, Isabelle Paternotte et moi et il y avait 3 comédiens français. Finalement je suis restée 2 fois plus ou moins 4 mois à Paris. J'étais là, célibataire, errant dans Paris, allant beaucoup dans les bibliothèques puisque j'avais beaucoup de temps pour moi, et c'est ainsi que j'ai lu des tas de pièces… Bref j'avais découvert cette pièce de Vincent Delerm qui n'en a écrit qu'une (puisqu'il a surtout écrit des chansons) et je l'avais trouvée très chouette « c'est trop mignon, j'aimerais bien monter ça, j'adorais ». Et ce projet a un peu dormi, je l'ai proposé dans quelques théâtres qui n'ont pas donné de suite et puis par hasard, j'apprends qu'à l'Atelier 210, ils veulent monter cette pièce et qu'ils avaient déjà les 2 comédiens : Fanny Duroisin et Laurent Renard. Et puis, je crois que c'est Bernard qui leur a dit : “Oh c'est marrant, Marie-Paule adore cette pièce, elle rêverait de la monter”. Et un mois après, on me téléphone : “Écoute, on n'a pas de metteur en scène, est-ce que cela te dirait qu'on travaille ensemble ?” Et j'ai dit OUI ! bien sûr et puis les dates ont été reportées.

Comment ça se passe ?

Voilà, je viens de commencer, il y a 2 jours. On a refait des lectures en tous sens. C'est une pièce qui est très écrite, comme ses chansons d'ailleurs : de vrais petits bijoux. Ces textes sont mignons, ils sont marrants, tu ne hurles pas de rire, mais tu souris tout le temps et c'est ce que j'aime. C'est très référentiel et ce sont toutes des petites choses du quotidien, mais dans la douceur du sentiment, de la relation, de l'émotion… c'est très poétique. Voilà, on fait un travail à la table assez important et l'on va encore y rester un bout de temps. C'est tout simple, mais il y a une certaine originalité. Maintenant on va voir ce que cela va donner parce que c'est en même temps difficile. C'est un jeune couple au restaurant… et il y a un narrateur qui nous dit avant : “Ils sont à ce moment où on se dit que tout est possible… Tu as pris rendez-vous avec ce type et tu sais que vous allez sortir ensemble, enfin tu le penses, tu l'espères, tu as l'impression que … Ils vont manger et à la fin, ils vont s'embrasser, elle ira chez lui ; ils vont même s'installer ensemble, ils vont vivre 7 ans ensemble et puis ils se quitteront”. La pièce met en scène des moments qu'on a tous connus où l'on a chaud, où l'on se dit : “Je n'aurais pas dû faire ça, pourquoi je ne mange pas, il va se dire que je suis anorexique, pourquoi j'ai parlé de ça ?” et l'originalité provient du fait que ce narrateur a déjà éliminé tout suspense dès le début ; puis toute la pièce se passe au restaurant mais il n'y a pas de dialogue, ce ne sont que les pensées. Il y a un ou deux petits moments où l'on comprend que c'est vraiment la chose qui a été dite. Et les pensées - c'est beaucoup l'observation de soi - vont dans tous les sens. Le défi est que ce n'est pas du dialogue, donc c'est peu vivant et il va falloir trouver la vie dans le jeu… J'espère que ça va être bien !

Tes sources d'inspiration ?

Les gens !

La nature ?

Non, j'aime beaucoup la nature et j'en ai besoin pour me ressourcer. J'essaye au moins une fois par an d'avoir un bain de nature, j'aime me promener, mais ma source d'inspiration c'est encore et toujours les gens. Je trouve toujours que les gens sont beaux. Souvent je pleure en regardant les gens – j'entends un truc grave au GB et je pleure déjà… Je trouve que la nature humaine est tellement belle… Tout ce qu'on peut dire, tout ce qu'on peut faire… Il y a parfois des regards qui parlent. Je suis toujours émerveillée par la nature humaine et assez amoureuse des gens. Pour moi c'est essentiel et c'est là que je trouve mon inspiration.

Ta philosophie de vie, comment vivre plus heureuse ?

Ce qui est très important pour moi, et de plus en plus en vieillissant : j'essaye toujours de me sentir bien dans ma peau, d'avoir mon extérieur en harmonie avec mon intérieur. J'essaye, et ce n'est pas toujours facile. S'il y a des choses que j'ai envie de faire, j'essaye de trouver le moyen de les faire. S'il y a des choses que j'ai envie de dire, de trouver le moyen de les dire. Essayer d'être en harmonie, en transparence. Mais il y a toujours des choses que tu n'as pas envie de faire et que tu DOIS faire, et là j'essaye de regarder par le côté qui permet de voir les choses plus agréablement et de façon plus positive. Je n'y arrive pas toujours, mais en tout cas j'essaye. Et même dans une journée qui est pleine et où je dois faire quantité de choses comme aujourd'hui, et bien j'essaye de prendre le temps : “Tu arrives ? Eh bien, on va d'abord prendre le temps de se boire un petit café !”

Merci pour l'accueil et le café, et merci d'avoir pris le temps de nous parler de ton travail.
En tout cas, on se réjouit d'aller voir comment tu auras pu relever ce défi à l'Atelier 210.

Tout au Bord au Théâtre Le Public du 15 janvier au 8 mars 2008.

Le fait d'habiter Bagnolet de Vincent Delerm – Atelier 210 : du 27 février au 22 mars 2008

[1] Lansman « Nocturnes » N° 39

[2] Grommelot, sorte de langage imaginaire. C'est un truc de théâtre, où tu fais comme si tu parlais, mais tu ne dis rien et malgré tout on te comprend (Dario Fo en est expert !)

[3] César d'honneur en 1990 !

GUDULE

Nadine Pochez — 2007-12-10T16:35:28Z

Tantôt fée, tantôt sorcière, on retrouve Gudule sur les plateaux des plus grandes scènes belges dans des productions à grand spectacle. On la voit dans des séries télévisées, à la LIB, mais elle a quelques autres activités qui lui tiennent beaucoup à cœur…

Pas moyen de découvrir qui tu es et quel a été ton passé de comédienne en surfant avec Google, alors on va y remédier si tu veux bien ?

J'ai un parcours assez classique. Je traînais un petit peu dans mes études et j'étais déjà bien prise par le virus puisque j'avais déjà commencé l'Académie, d'abord en diction sous l'impulsion de ma maman, puis j'ai continué en déclamation et art dramatique, toujours à l'Académie d'Uccle avec cet excellent professeur qu'est Francis Besson et qui m'a vraiment bien préparée pour le Conservatoire (Bruxelles). En humanités, j'étais en section art d'expression, donc la voie était déjà bien ouverte… Et comme à l'époque, un diplôme d'humanités n'était pas encore requis, j'ai passé et réussi l'examen d'entrée au Conservatoire à 18 ans. J'étais dans la classe de Claude Etienne que j'ai eu pendant ses 2 dernières années de professorat, et puis j'ai fait ma 3e année chez Pierre Laroche. Je n'ai pas travaillé tout de suite. Je trouve que c'est difficile quand on sort d'une école. J'étais la première fille de ma promotion, donc ou pouvais se dire que j'étais un bon élément bercé de quelque espérance, mais peut-être un physique un peu particulier… plus grande que ce qu'il aurait fallu, pas le prototype de la jeune première… et j'étais très jeune … et je n'avais pas encore l'âge de mes emplois selon les critères de l'époque. Donc pendant 2 ans et ½ je n'ai pas eu d'engagements au théâtre. Et puis ça a commencé avec Les Enfants du Soleil de Maxime Gorki, mis en scène par Jacky Franquin au Théâtron. Un petit théâtre près du Cinquantenaire. Mais au cours de ces premières années je n'ai jamais été prise dans un théâtre confirmé. Je n'étais pas quelqu'un de demandé. Je vivais avec Yves Claessens, le père de mes enfants. Je l'avais rencontré au Conservatoire, il était plus âgé que moi et il jouait déjà, donc je connaissais très bien les gens du métier. On était toute une bande de copains, mais on ne pensait pas à m'engager, donc j'ai vraiment eu du mal à débuter.

Ça a démarré comment ?

Jacky Franquin m'avait engagée parce qu'il connaissait Yves. C'était plus par amitié, avec des amis plus proches. Le 2e spectacle que j'ai fait, c'était avec France Gilmont que j'avais connue au Conservatoire et qui aimait beaucoup ce qu'elle y avait vu de mon travail de comédienne. Et j'ai joué 2 de ses spectacles. Donc je jouais vraiment plic ploc, occasionnellement, en me débrouillant avec des petits boulots en dehors. Je crois que c'est la Ligue d'Impro qui m'a aidée à rayonner un peu plus, mais bizarrement, je ne suis toujours pas beaucoup demandée dans les grands théâtres.

Pourtant tu travailles pas mal pour certaines productions à grand spectacle de DEL Diffusion. On a ainsi pu te voir dans Quasimodo et Angelo, Tyran de Padoue à Villers-la-Ville, mais surtout dans de grosses productions tous publics et les contes musicaux pour enfants comme : La Fugue du Petit Poucet, Peter Pan, Pinocchio où tu es une fée … et puis tu es la sorcière dans la nouvelle version d' Emilie Jolie qu'on reprend en tournée pour les fêtes de fin d'année !

Oui, à force de travailler pour eux, Patrick de Longrée et Rinus Vanelslander sont devenus des amis très fidèles…

J'ai vu sur le CD de la Fugue du Petit Poucet que tu as participé à l'adaptation du texte et au Livret. Tu as donc des talents cachés !

Oui, ça c'est un projet que j'ai amené à Patrick. À l'époque du premier spectacle d'Emilie Jolie au Cirque Royal - une co-production DEL Diffusion et l'ADAC - mes enfants étaient petits et j'avais une cassette audio de La Fugue du Petit Poucet qui avait été éditée au profit de la Croix Rouge en France. Une productrice avait eu l'idée d'organiser un concours d'écriture de chansons dans les écoles et de faire chanter les meilleures par des chanteurs français connus. Lorsqu'elle a repris cette initiative pour une 2de édition, elle a eu l'idée de contacter un auteur en lui demandant de choisir les textes qui l'inspirait et d'en faire une histoire pour qu'il y ait un lien entre les chansons. C'est ainsi qu'elle a contacté Michel Tournier et parmi les textes primés, certains lui faisaient penser à un conte qu'il avait déjà écrit dans Le Coq de Bruyère : La Fugue du Petit Poucet, une version moderne du Petit Poucet de Charles Perrault. Donc ils ont choisi et adapté certaines chansons qui ont été chantées par des chanteurs comme Jacques Higelin, Renaud, Souchon, Gotainer… il y avait aussi un conteur qui était Michel Drucker … le musicien de Gotainer a composé la musique, et le disque est sorti. Comme la cassette de mes enfants me semblait être de la même veine que le conte musical d'Emilie Jolie, j'en ai parlé à Patrick de Longrée.

Ce dernier m'a rappelé après quelques jours, en me disant : “Ce n'est pas mal, les chansons restent en tête, est c'est intéressant. Voyons-nous et travaillons là-dessus”. C'est ainsi qu'on a travaillé ensemble sur ce projet pour en faire une adaptation scénique. On a fait un livret, on a écrit des textes et puis on s'est rendu compte qu'il manquait des charnières dramaturgiques au niveau des chansons, alors Patrick m'a demandé d'écrire les chansons manquantes. Je n'avais jamais fait cela auparavant et ça m'a vraiment amusée. Ma collaboration avec Grégoire Dune - qui est aussi le responsable musical pour Emilie Jolie - a été une très belle rencontre, et c'était assez magique d'entendre pour la première fois une mélodie sur les textes que j'avais écrits.De temps en temps, il me renvoyait à l'écriture parce qu'il y a évidemment des règles spécifiques pour l'écriture de la musique, que bien sûr je ne connaissais pas. J'ai dû retravailler certaines choses et Grégoire m'a initiée à cela, mais moi à l'inverse, avec toute ma candeur et mon inexpérience en musique, je l'ai parfois poussé à bousculer certaines règles musicales établies. C'était vraiment une belle collaboration et un beau projet. On a quand même mis 5 ans à le réaliser car c'était une grosse production et l'on a bien exploité le travail puisque ce spectacle a été repris 2 fois après la création !

La première version d'Emilie Jolie datait de 1996. Dix ans plus tard, elle a subi un lifting [1]
et vous reprenez maintenant cette nouvelle version en tournée pour les fêtes de fin d'année. Comment expliquer cette longue interruption ?

Chaque année, Delhaize organise un grand spectacle pour la Saint-Nicolas et en 2005, ils avaient déjà rempli Forest National avec La Fugue du Petit Poucet. Alors, ils ont demandé si on n'avait pas un autre spectacle familial à leur proposer pour l'année suivante.
C'est ainsi que Patrick a eu l'idée de recréer Emilie Jolie. Et dans la foulée on a joué quelques représentations à l'Aula Magna, mais il y avait encore un potentiel public à Bruxelles, Charleroi, Liège et Louvain-La-Neuve : On s'est dit « le spectacle vaut la peine, tout est là, pourquoi ne pas l'offrir à d'autres spectateurs ? » et c'est ainsi que cette tournée-ci a été planifiée.

Si on ne te voit pas beaucoup dans les théâtres à proprement parler, un grand nombre de spectateurs ont pu te voir dans ces grandes productions, mais ta popularité doit aussi beaucoup à la télévision.

En télé, j'ai un peu de pratique ! 13 ans de BLA BLA, les 24 épisodes de 7ème Ciel Belgique, dont la 2ème saison vient de se terminer sur RTBF 1. J'ai aussi participé à un épisode de la série Sauveur Giordano et à un épisode de la série. Crimes en Série (Antenne 2).

À propos de BLA BLA, est-ce un amour particulier pour les spectacles d'enfants ?

Pas particulièrement, c'est plutôt dû au hasard, à un concours de circonstances. Pour Bla Bla, au départ quand le produit a été créé, la productrice Marianne Nihon cherchait des comédiens pour les différents rôles et elle avait approché Bernard Cognaux qu'elle connaissait bien. Le principe était qu'on fasse une tournante. À l'époque, il y avait 2 enregistrements par jour et on était 6 comédiens de la Ligue d'Impro. Certains sont partis, certains comme moi y sont toujours, d'autres nous ont rejoints…

Et tu fais quoi comme rôle ?

Je n'ai pas de rôle récurrent, même si au tout début certains revenaient de temps en temps. Maintenant je suis chaque fois dans des personnages différents et c'est un grand plaisir, ça me fait une galerie énorme de personnages… évidemment en 13 ans… c'est le plaisir du déguisement et de la transformation. Chaque fois c'est une création différente et ça m'amuse follement. L'émission est vraiment intéressante : même si elle s'adresse aux enfants, elle plait aussi aux adultes, il y a différents degrés de lecture. C'est une équipe au sein de la RTBF que j'aime beaucoup. La base est toujours la même et c'est assez rare de pouvoir travailler dans la continuité avec les mêmes personnes et sur un même produit, donc il y a une histoire, une évolution… ce sont des amitiés et une belle intimité dans le travail. C'est très agréable. Je tiens beaucoup à Bla Bla. J'espère qu'il a encore de beaux jours devant lui. On est passé en décors numériques, donc aussi au niveau technique, ce sont des découvertes, de nouvelles expériences. C'est un très beau parcours pour une émission comme celle-là. Il y a un peu cet esprit de troupe, comme à la Ligue d'Impro. Mais le théâtre me manque… Ce que tu évoquais au sujet de la popularité est exact. C'est par la télévision ou le cinéma qu'on est connu du grand public, mais ce n'est pas nécessairement synonyme d'embauche au théâtre. La Ligue d'Impro génère beaucoup de public : ça fait quand même pas mal d'années aussi que j'y collabore. Bla Bla c'est une émission qui est fort regardée, 7e Ciel c'est aussi la télé, on sait bien que cela génère toujours plus de public qu'au théâtre… Donc cela peut paraître un peu paradoxal quand je dis que je ne croule pas sous les demandes, parce que je peux donner l'air d'être quelqu'un de connu, de populaire, ce que je fais étant vu par un grand nombre de spectateurs par rapport à ce que d'autres comédiens peuvent vivre à travers leur carrière. Bizarrement, il y a des gens qui sont depuis 30-40 ans dans le métier, qui ont interprété les plus grands rôles du répertoire,, qui jouent tout le temps … et qui sont absolument méconnus du grand public. En Belgique, le théâtre est quelque chose d'assez confidentiel, il n'y a pas de star-system et nos médias - presse, radio, télévision - font trop rarement une vraie place aux comédiens. Finalement, le grand public connaît assez mal les comédiens de théâtre.

C'est pour ça qu'il y a comedien.be ☺
Tu me parles de La Ligue d'Improvisation Belge où tu es une comédienne très étoilée, d'ailleurs tu as souvent défendu brillamment nos couleurs au Québec en tant que jouteuse. Te voilà depuis quelques années maîtresse de cérémonie. Tu reprends cette année-ci ?

Oui, la saison reprend de la mi-janvier à la fin mars au Marni et j'officierai principalement comme maîtresse de cérémonie, mais je participerai aussi en tant que jouteuse pour des matches hors championnat.

Et puis il y a Impro à la Carte qui, si je ne m'abuse, ne se joue pas seulement dans les théâtres ou les centres culturels ?

En effet. Jean-Marc Cuvelier a développé le concept d'un spectacle qui s'appelle Impro à la Carte, mais c'est un spectacle indépendant de la Ligue d'Impro, et cela n'a rien à voir avec les matches. On intervient dans le privé comme dans l'événementiel. C'est un spectacle entièrement modulable. On peut s'adapter à n'importe quelle structure de salle, de lieu. On joue aussi parfois au cours de dîners. Du moment qu'on puisse disposer d'un petit espace scénique et de quelques spots, c'est bon. Grâce à cette souplesse, c'est facilement vendable, exportable. Le match d'impro ne l'est pas : il est trop lourd, il est trop cher. Par contre pour Impro à la Carte, on a beaucoup de demandes dans le milieu associatif depuis qu'on a pu développer une spécificité de thématiques sensibles. Le principe d'Impro à la Carte est celui-ci : nous avons un menu d'improvisations qu'on propose aux participants avant le spectacle qui se compose de 9 catégories à compléter : La pire manière de … ou La visite de… Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur … Que ce soit à table ou dans la salle, les groupes vont discuter entre eux et déjà s'amuser à nous concocter des thèmes d'improvisation. Et avant chaque improvisation, nous allons chercher un thème - au plus offrant - ce qui met déjà une sacrée ambiance parce que chaque groupe a envie de remettre son menu pour voir un de ses thèmes joués. Puis après un petit conciliabule de 30 secondes, on se lance dans une improvisation. On gère nous-mêmes le temps de chaque impro. Ce n'est pas du tout comme dans un match puisqu'il il n'y a ni règles ni fautes.
Dans les milieux associatifs, nous sommes amenés à traiter d'une thématique générale propre à l'association qui nous invite. Par exemple, cela fait un petit temps que nous intervenons régulièrement pour la plate-forme des soins palliatifs, un petit peu partout en Wallonie. Le principe de base reste le même, mais nous, nous savons qu'en jouant les thèmes, nous devrons traiter des soins palliatifs. Nous avons aussi traité les droits de l'homme, le suicide, le sida, le handicap, la maltraitance envers les enfants ou envers les personnes âgées… Donc on est maintenant reconnu pour faire des spectacles qualitatifs et sensibles tout en étant humoristiques, pertinents et légèrement impertinents. Et ça me tient à cœur de travailler dans ce domaine-là, parce qu'on est toujours à la limite entre l'humour et la gravité du sujet.

On m'a dit que dans le cadre de l'improvisation tu vas aussi parfois au Bénin ?

J'y donne une formation aux techniques d'improvisation avec Jean-Marc Cuvelier.
C'est un projet de coopération culturelle, initié par le CGRI [2] et qui est né suite à un spectacle qu'on a donné à l'occasion du Festival africain Alafia à l'Espace Delvaux. Mirko Popovitch - directeur à l'époque - cherchait à créer un événement théâtral autour de l'improvisation entre des comédiens béninois qui avaient un spectacle de contes traditionnels africains et des comédiens belges. Il s'était d'abord adressé à Jonathan Fox. Ça n'avait rien à voir avec la Ligue d'Impro car depuis bien longtemps Jonathan n'en faisait plus partie. Et comme en dernière minute John a dû décliner l'offre, Mirko s'est tourné vers Jean-Marc qui m'a demandé si cela m'intéressait ? J'ai dit oui… et c'est ainsi qu'on a monté un spectacle improvisé, avec à la fois un peu de la structure d'Impro à la Carte et avec les techniques de conte traditionnel béninois. On a fait 2-3 séances de travail avec ces comédiens béninois, et puis ensemble, on a joué le spectacle à Anvers et à l'Espace Delvaux à Bruxelles. C'est alors que les responsables de la CGRI et d'Alafia nous ont dit : “C'est génial, il y a quelque chose de magique qui s'est passé autour de cette rencontre. Ce serait dommage d'en rester là !” Le CGRI nous a demandé de constituer un dossier de projet de coopération culturelle avec le Bénin. Ce qui fait que pendant 3 ans nous sommes allés régulièrement au Bénin donner des formations. Il faut bien admettre que les projets dans la continuité sont assez difficiles à faire aboutir en Afrique, mais ils sont assez étonnés du résultat. Notre but n'était pas d'exporter le « match » qui est un concept qui nous vient d'Amérique du Nord, basé sur la structure du hockey sur glace : c'est déjà une autre culture que la nôtre, alors pour un Africain, c'est encore bien plus éloigné. Et puis, il y a ce côté compétition, participation du public. Exporter cela en Afrique, c'est pas évident. C'est pourquoi – et on a bien insisté sur ce fait-là - il s'agissait simplement de leur apprendre les techniques d'improvisation pour qu'ils puissent les mettre au service de la création d'un spectacle bien à eux, à leur sauce… Il faut qu'ils trouvent eux-mêmes une forme de spectacle ! Et on n'en est pas là, on a péniblement maintenu une structure sur 3 ans, dans une sorte de pérennité, pour qu'il y ait toujours un même noyau de comédiens afin de pouvoir avancer.
On plantait des bases, et il fallait que chaque fois on puisse aller plus loin, et puis le travail
devait continuer en dehors de nos séjours là-bas. Tout cela a été fait. Cela s'est mis en place petit à petit et on est très contents de la collaboration. Le but est aussi que cela puisse se transmettre de proche en proche dans les régions, et qu'il y ait aussi des échanges avec les pays avoisinants. En ce moment, on est en fin de projet, et ils nous demandent de le reconduire… Malheureusement, on n'a pas pu aborder l'autre pan du projet, de faire venir les Béninois en Belgique pour qu'ils puissent nous donner une formation de contes traditionnels, mais on ne désespère pas de pouvoir l'obtenir un jour.

Je pense que tout jeune comédien qui fait une école de théâtre rêve d'abord de monter sur les planches, peut-être s'imagine-t-il sur un grand écran. Il y a le rêve et puis les réalités… Alors quand on n'est pas beaucoup sollicité par les théâtres, il reste d'autres débouchés …

En fait c'est un métier multiple. Il y a des comédiens qui trouvent du travail dans les théâtres ou dans une compagnie, mais ils ne sont pas nombreux. La plupart d'entre nous sommes obligés de faire beaucoup de choses et c'est assez varié finalement. Un comédien peut vivre de beaucoup de choses en dehors du théâtre, et heureusement ! Il y a le doublage, bien sûr – moi je n'en fais pas – mais les doublages en Belgique sont reconnus, sont de qualité. Il y a la publicité, la radio - ça j'en vis aussi, je fais de temps en temps des spots radio - il y en a qui donnent des cours ou des stages, il y a l'événementiel, les animations… Bref, on est amené à faire des choses parfois étonnantes et je crois surtout qu'il faut s'ouvrir et se mélanger à un maximum de gens, parce qu'on n'a pas toujours idée, quand on sort de l'école de quoi est fait ce métier… Or on doit, malheureusement (ou heureusement !) survivre grâce à tout ce qu'il y a autour. Il y a des petits films en entreprise, des formations… Moi j'ai travaillé par exemple pour le Call Center de Proximus. On appelle cela des mises en situation, des jeux de rôles. C'est destiné à des gens en formation dans tel ou tel domaine et qui nécessitent un entraînement avant d'être confrontés à la pratique dans le contexte réel de leur profession. Ils pourraient faire des exercices entre eux, mais ce ne serait pas poussé très loin, donc on fait appel à des comédiens soigneusement briefés pour leur donner la réplique. Cela existe dans le domaine commercial, moi je l'ai plutôt fait dans le domaine médical ou psy. Pendant plus de 10 ans, avec le CAM [3], j'ai joué des simulations, pas très comiques évidemment, puisque c'étaient des annonces de diagnostic de cancer, des jeux de rôle qui duraient 20 minutes. C'est ce que j'appelle du jeu à haute intensité émotionnelle. C'est très intense par ce que cela permet de confronter le médecin ou l'infirmière à une situation la plus concrète possible. Il faut pour cela que l'implication émotionnelle du comédien soit la plus réelle possible. Et en général, quand on est bien incarné dans son personnage, la personne en face oublie qu'on est dans un contexte d'exercice. Avec l'EDEP [4], je joue une personne à qui l'on annonce la mort d'un conjoint. Le jeu de rôle se passe en 2 étapes : il y a d'abord l'annonce de la mort et ensuite la demande de prélèvement d'organes. Le but est évidemment de maximaliser l'écoute dans les deux sens. On travaille sur du tissu humain, on a une personne en face de soi qui doit en retirer quelque chose, qu'on doit ménager aussi dans la critique ou dans les remarques qu'on peut faire après la séance, car on fait partie du débriefing… et comme ça, on a aussi un retour direct de ce qui a été fait…

Ce retour direct est sûrement plus gratifiant que le message – si message il y a - qu'un comédien peut tenter de faire passer sur scène et pis encore en télévision où là, vous n'avez aucun retour, mais à côté de cela, j'imagine que c'est fort lourd du point de vue émotionnel, non ?

OUI c'est gratifiant et en même temps responsabilisant parce qu'on se doit d'être juste et entier au moment même et OUI c'est lourd, mais moi j'aime beaucoup, d'abord parce que ça me donne l'impression de participer à quelque chose d'important pour la société : l'évolution des mentalités dans les rapports patients-médecins dans le domaine médical… et il reste encore beaucoup à faire parce que le corps médical manque de formation dans les domaines psychologique, communicationnel et d'écoute. Et puis je me fais plaisir aussi.
Cela a l'air bizarre, parce que je suis plutôt dans le domaine du divertissement. On fait appel à moi plutôt pour la case humour, mais en fait, je me sens plutôt une âme de tragédienne ! J'aime ça aussi. Alors comme professionnellement je n'ai pas l'occasion de montrer cette face-là de mes talents, je m'exprime en tant que tragédienne dans ces jeux de rôles ! Ce n'est peut-être pas vu d'un grand public, mais peu m'importe puisque j'y trouve de la satisfaction. Ce travail-là me tient vraiment à cœur comme ce que je fais en participant à des séminaires de développement personnel.

Je suis par exemple dans la mouvance de l'asbl Productions Cœur.com, fondée par Guy Corneau relayée en Belgique par Louis Paré, thérapeute, et je suis aussi dans l'entourage de Marie Lise Labonté qui a développé la Méthode de Libération des Cuirasses une méthode qui s'inspire de son expérience personnelle d'autoguérison d'une maladie dite incurable. Donc je collabore avec eux par des jeux de rôles au cours de leurs séminaires. C'est encore une fois du jeu à haute intensité émotionnelle et c'est de nouveau devant un public restreint. Les plus grands séminaires font une 60aine de personnes. Dans le cadre de ces séminaires, on a des gens qui sont là pour mieux se connaître, dépasser des blocages ou un passé douloureux. Moi je ne suis qu'un des outils parmi d'autres, pour faciliter un déblocage ou une prise de conscience qui permettra à la personne de dépasser certaines douleurs ou certaines incompréhensions. Et je ressens une très grande humilité quand je fais cela parce que j'ai devant moi une assemblée de personnes très courageuses qui sont là pour évoluer et se remettre en question. C'est vraiment très touchant de voir ces gens-là qui prennent 5 jours de leur vie pour aller trouver des solutions au fond d'eux-mêmes.
À nouveau, ce travail, lui aussi, me tient énormément à cœur parce qu'il participe à l'éveil des consciences qui conduit à un mieux-être global. Moi en tout cas, j'en ai besoin pour reprendre contact le plus régulièrement possible avec ma propre humanité, ma propre fragilité. C'est un effet miroir qui s'opère : à travers ce que je joue, je suis le miroir pour ces personnes-là de certaines choses, mais eux sont un miroir pour moi aussi dans leur humanité. Ce n'est pas que je dénigre tout ce que je fais en dehors : j'aime le divertissement, j'aime les spectacles pour enfants, j'aime tout ce que je fais et je m'amuse énormément, mais cette partie-là de mon activité est très importante pour moi : elle nourrit mon âme ! Et j'ai besoin des deux.

Donc tu es une vraie sorcière dans tous les sens du terme !

Peut-être, (rires) mais une sorcière blanche alors ?
Au Bénin, il y a d'ailleurs un jeune comédien béninois qui m'appelle la sorcière blanche.

Et si d'une baguette magique je pouvais exaucer un vœu ?

Le rêve serait de pouvoir continuer tout ce que je fais en y ajoutant quelques rôles intéressants au théâtre, élargir ma palette d'interprétation.
Il y a encore beaucoup de rencontres à faire, de gens avec qui j'aimerais collaborer, des metteurs en scène confirmés ou des plus jeunes dont l'énergie et l'audace m'inspirent.
Et puis une bonne tragédie, un grand classique, j'adorerais !!

Merci Gudule. Continue à faire rêver grands et petits. De notre côté, nous espérons que ton rêve se réalisera bientôt.

Propos recueillis par Nadine Pochez le 4 décembre 2007

[1] Emilie Jolie
1996 : 24 représentations 24000 spectateurs
2006 : 2 représentations (Delhaize) à Forest National 11000 spectateurs
12 représentations à l'Aula Magna à LLN , 10000 spectateurs

[2] Commissariat Général aux Relations Internationales de la Communauté Française

[3] Centre d'Aide aux Mourants

[4] L'EDEP dépend de l'Hôpital Saint-Luc

Isabella Soupart

2007-11-29T14:11:21Z

Actrice, danseuse, metteur en scène, chorégraphe. Inutile d'essayer de résumer les talents d'Isabella Soupart en un mot ! C'est pourtant son souhait mais elle n'a pas encore trouvé ce mot unique, elle qui veut faire passer le sens dans tous les sens.

Isabella, vos formations principales sont la danse classique et contemporaine (Sana Dolsky) et l'art du mouvement et de la parole (Kleine Academie) mais vous êtes aussi metteur en scène et chorégraphe. Parlez-moi de vos multiples talents…

Très petite, je ne parlais pas beaucoup, j'ai commencé par la danse. C'est ce qui m'intéressait le plus (à quatre ans). Mon beau-père a été cinéaste ; j'ai donc très vite été confrontée au tournage et au montage de films. Le cinéma, le jeu et la danse sont devenus pour moi incontournables. Je vivais dans ce monde-là et je fonctionnais avec ces paramètres, c'était pour moi comme une évidence.

Quand j'ai dû choisir une école, je n'ai pas voulu faire le Conservatoire car j'avais l'impression que cela allait m'enfermer en tant qu'actrice dans un style, dans une forme assez traditionnelle et classique alors que j'étais déjà sur un langage où j'essayais de faire parler la « physicalité » et la danse et la théâtralité et le jeu. Donc j'ai cherché une école qui me permette de travailler sur les différents plans et la Kleine Academie aborde le théâtre par la « physicalité » avant tout, puis seulement par le texte. C'est ce qui correspondait le mieux à mes recherches.

Si, petit à petit, je suis devenue metteur en scène, chorégraphe, c'est parce que je ne trouvais pas moi en tant qu'actrice et danseuse cette connexion que je cherchais. Même si le chorégraphe fait parler le danseur, ce n'est pas encore pour moi le jeu de l'acteur. Et même si dans la théâtralité on aborde un peu la physicalité, il n'existe pas encore dans le théâtre actuel un vrai langage gestuel.

Durant toutes mes recherches personnelles pour arriver à une connexion, j'ai continué à jouer au cinéma. Le cinéma pour le jeu m'intéressait plus que le théâtre, puisque celui-ci était pour moi trop traditionnel et trop basé sur le texte ; alors qu'au cinéma, j'abordais un jeu plus intériorisé, plus subtil. C'est comme ça que j'ai rencontré les frères Dardenne et que j'ai joué dans Le Fils. J'ai aussi travaillé avec Olivier Gourmet dans le film Madonnen qui va sortir maintenant.

Après votre formation en danse, qu'est ce que la Kleine Academie pouvait vous apporter ?

La danse m'a apporté une technique importante pour pouvoir gérer le mouvement, mobiliser le corps dans un certain rythme et en gardant un équilibre. Mais je n'étais pas tout à fait heureuse, car la danse c'était de l'abstraction, du mouvement uniquement, de la chorégraphie. Il me manquait toujours l'idée de jeu et de texte, c'est pourquoi j'ai fait la Kleine Academie. Dans le fond, je me sentais très actrice, je cherchais à jouer et comment jouer ? Avec quels matériaux ? J'ai trouvé ce complément à la Kleine. J'ai pu développer ce que j'avais déjà en moi en tant qu'actrice mais de manière beaucoup plus large, on a abordé tous les styles différents du théâtre ce qui m'a permis d'élargir mes couleurs théâtrales et mes personnages.

Fondamentalement, cela m'a permis de découvrir mon langage parce que la Kleine permet un langage propre, d'élaborer son univers personnel en travaillant avec d'autres gens et en faisant travailler les autres à travers des ateliers. Cela m'a apporté des matériaux que j'utilise encore maintenant et que j'ai transformés à ma sauce.

Vous avez fondé votre compagnie en 2000. Comment cela s'est-il passé et comment évolue votre travail depuis ?

Au départ, en plus de la création, je devais aussi travailler sur la production, je devais tout gérer. C'était compliqué, mais ça m'a donné beaucoup d'armes pour la suite.

J'ai voulu faire une première création d'après « Les trois sœurs » de Tchekov qui s'appelle Al-dente. J'avais des objectifs très clairs, je voulais inscrire mon travail dans des lieux qui proposent une ouverture au théâtre. J'ai donc proposé un projet, je me suis beaucoup battue pour qu'il soit accepté car je n'avais encore rien fait. Puis j'ai fait cinq mois de recherches avec les comédiens sur le langage que je voulais faire passer. Pour cette première expérience, je suis allée dans les écoles pour voir les élèves sortants, comme ça ils étaient disponibles, pas encore formatés.

Ma deuxième création à été faite pour les Tanneurs qui voulaient la produire : Boiling Point, avec laquelle on a commencé à beaucoup voyager. Puis j'ai fait une création avec Anne Teresa De Keersmaeker qui s'appelle Erase-E(x) et qui voyage partout dans le monde. Ensuite j'ai fait In the Wind of Time que le KunstenFestivaldesArts a produit en 2005. Depuis j'ai continué à travailler avec ce festival car je rentre dans des nouvelles formes qui les intéressent et aussi avec le théâtre national flamand, le KVS. À ce niveau les gens les plus frileux ce sont les francophones. Ça commence à changer un peu, mais ça a été très difficile car ils sont très conservateurs.

Vous travaillez toujours avec les mêmes personnes ?

Il y a un petit noyau de trois personnes, mais, à chaque nouvelle production, j'essaie de rencontrer de nouveaux artistes. En ce moment, je travaille plus avec des danseurs, parfois plus avec les comédiens. Je ne travaille pas qu'avec des Bruxellois parce qu'il y a d'autres artistes qui viennent de l'étranger et qui se présentent aux auditions.

Dans l'ensemble, vos spectacles sont donc plutôt bien accueillis.

Oui. Que ce soit en Belgique ou à l'étranger. Mes spectacles se jouent dans différentes langues en même temps, mais aujourd'hui ils sont sur-titrés donc ça ne pose plus de problème.

Pour vos mises en scène, vos points de départ sont des grands classiques : Les Trois Sœurs de Tchekov, Andromaque de Racine et Hamlet de Shakespeare . Pourquoi avoir choisi ces pièces ?

J'avais besoin de partir d'un matériau très concret. Comme ces textes sont forts, tout comme l'univers de ces situations. Ils sont donc une base de laquelle je peux m'éloigner, me rapprocher, trouver l'essence même de ce qui se dit.

Ces textes m'apportent des matériaux très denses, un contexte dans lequel nous on vit mais j'ai besoin d'une base solide pour faire des liens avec ce qu'on vit actuellement.

Dans Les Trois Sœurs (Al Dente), je voulais parler de la famille, d'un trio de frères et sœurs à la mort de leur père donc cette pièce était tout indiquée, c'était vraiment une source importante d'inspiration et d'atmosphère. Que va-t-il se passer finalement entre ces trois filles ? Je n'ai pas du tout utilisé le texte initial, j'ai réécrit, mais j'avais besoin d'un fond.

Pour Andromaque (Boiling Point), j'avais envie de me confronter à un texte classique français du 17e, qui a sa rythmique particulière, mais dans une dynamique actuelle. Avec le vrai sens du texte, mais avec d'autres moyens. Le sujet en lui-même m'intéressait beaucoup : la guerre, l'extinction d'un peuple, le conflit, la violence et l'amour tellement passionnel qu'il va jusqu'à la mort. J'ai fait des comparaisons à ce moment-là entre le texte de Racine et le Rap. J'ai créé une tension entre ces deux résonances et cherché avec les acteurs comment transmettre ce texte qui est magnifique et finalement tellement rythmique qu'il en devient percussif. Mais pour me confronter au texte, j'ai vraiment monté le texte de Racine.

Pour Hamlet (K.O.D.) [1], la situation m'intéressait aussi par rapport à ce qu'on vit et je voulais chercher comment moi, dans mon langage, je pouvais aborder cette pièce-là.

Vous cherchez donc à montrer que ces textes sont toujours d'actualité, que les situations existent encore aujourd'hui.

Oui et pour moi le fait de partir d'une écriture qui n'est plus du tellement la nôtre aujourd'hui sert à montrer que nous n'en sommes pas si loin dans notre rythme de langage. On peut donc chercher comment acquérir ce langage et cette manière de parler qui est très riche : rythmique, poétique et littéralité y sont très bruts par moments alors qu'aujourd'hui on parle d'une manière très neutralisée. J'avais envie de refaire parvenir le mot, le sens du mot et la percussif des sons.

Avez-vous été confrontée à des critiques émanant de fervents partisans du théâtre classique ?

On m'a reproché qu'il n'y avait pas de propos, que le propos était trop fragile et que mon travail était plutôt formel. Mais pour moi cela n'avait pas de sens car je ne parviens jamais à la forme sans passer par le fond.

Je n'ai jamais entendu des critiques sur le texte lui-même car dans mes spectacles, il n'y a pas beaucoup de texte, ce sont plutôt des acteurs qui bougent. Dès lors, il s'agissait de critiques sur le fond, sur le propos par les puristes du théâtre.

Je veux faire passer le sens dans tous les sens et pas uniquement dans le texte. Il ne faut pas seulement s'attacher au texte mais aussi à tous les autres éléments qui font les connexions et le sens.

Il y en a peut-être eu d'autres, mais je ne les ai pas entendues.

Quand vous mettez en scène, que vous chorégraphiez, le jeu vous manque-t-il ?

Le jeu me manque par moments mais c'est un choix. Je me suis vraiment dit que si je dirigeais des gens, je leur donnais tout ce que je pouvais ; donc je n'ai vraiment aucune frustration en tant qu'actrice. Et même vis-à-vis des femmes car c'est très difficile de donner tout ce qu'on peut à une actrice qui a le même âge. Je veux vraiment tout donner à l'acteur pour le faire grandir et puiser chez lui tout ce qu'il y a de plus fort, de meilleur et de plus beau.

J'ai envie de jouer, mais je m'y retrouve avec les films et d'autres projets que j'ai en tant qu'actrice. J'ai besoin de passer aussi par le jeu pour nourrir les acteurs avec lesquels je travaille.

Y a-t-il une discipline que vous préfèrez ?

Non, car même quand je dirige, j'ai besoin de passer par mon travail d'actrice pour donner certaines choses. Tout est entremêlé. Même dans le film des frères Dardenne dans le petit appartement, c'était un travail extrêmement physique car on était dans un petit espace. Mais je fais en sorte que ma nuque, mes épaules… deviennent un avec la voix. Je suis tout le temps à la recherche de connexion entre l'esprit et le corps ; même en dirigeant les autres.

J'aimerais d'ailleurs trouver un mot qui réunisse toutes ces notions, la danse, le jeu, la mise en scène et la chorégraphie car c'est une seule chose.

Qu'a représenté pour vous le fait d'être lauréate au Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative ? (2006-2007)

C'est une reconnaissance mondiale ou internationale sur les cinq continents. Ils sont à la recherche de créateurs, d'une poésie, d'une manière nouvelle d'aborder la théâtralité. Ils s'intéressent aux personnes qui sont dans les nouvelles formes, les nouvelles recherches. Tout à coup ça m'est tombé dessus, on m'a demandé de présenter mon travail, tout ce que j'ai fait. Je crois qu'il y a vingt-cinq personnes dans le monde entier qui sont repérés et sur ces personnes il y a trois lauréats. Dans certains pays cela a beaucoup d'impact.

Cela amène une écoute de la part des autres quand on a été Lauréat. À un moment cela a amené un peu d'argent, j'ai fait un voyage à New York qui m'a permis de rencontrer des gens importants dans le cinéma (par exemple Julie Taylor, la réalisatrice du film FRIDA sur Frida Kahlo). J'ai aussi eu l'occasion d'aller jouer au Japon. Cela m'a mené à des rencontres.

Cela vous a-t-il aidé à exporter vos créations ?

Je ne suis pas fort au courant, mais il y a eu beaucoup de stimulation d'autres pays et comme tout ça reste très secret j'imagine que cela vient de Rolex. Il y a des choses que je ne peux pas savoir mais cela a sans doute amené une ouverture sur d'autres pays.

Que diriez-vous aux jeunes comédiens, danseurs, metteurs en scène, artistes en général qui veulent se lancer ? Et est-ce que vous croyez votre propre compagnie vous a aidée ?

Oui mais il faut être très costaud, il faut se battre mais c'est très intéressant à expérimenter. Il faut le faire, il faut à tout prix rester authentique. Si on a quelque chose à dire, si on a envie de défendre quelque chose, il faut le faire et prendre tous les risques nécessaires et se battre pour le faire, sortir des sentiers battus, sortir du formatage et chercher, s'imprégner de tout ce que l'on vit, de l'actualité. Beaucoup lire, regarder les films, écouter beaucoup de musique pour essayer de sortir des conventions théâtrales car le texte n'est pas tout. S'ouvrir au maximum et essayer de créer des formes nouvelles, des choses qui permettent de découvrir.

Il faut y aller à fond, se battre, à un moment donné, si on a vraiment quelque chose à dire, ce sera entendu et ce sera vu, quelle que soit la façon dont c'est dit... C'est ce que je conseille à tous les mordus. Moi c'est comme ça que j'ai fonctionné.

Propos recueillis par Sophie Didier le 6 octobre 2007

À noter qu'un workshop sera bientôt donné par Isabella Soupart, vous trouverez les détails sur la page des stages

[1] (Kiss Of Death)