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LA BELLE ET LA BÊTE, spectacle magique pour petits et grands

Palmina Di Meo — 2022-11-28T16:22:57Z

Le Théâtre des Galeries brillait de mille feux samedi dernier pour accueillir la troupe 100% belge de Art Fantesies venue émerveiller petits et grands avec la comédie musicale "La Belle et la Bête".

"Jekyll & Hyde", "Anastasia", "Alice et la pierre d'Opaze", "Cendrillon", "Peter Pan", autant de succès que ces artistes ont accumulés au cours des dix dernières années. Sans se laisser abattre par la pandémie, ils ont créé en français à partir des musiques originales du dessin animé "La Belle et la Bête", une féerie pour les yeux et un enchantement pour les cœurs.

Changements de décors grandioses, costumes éblouissants, chorégraphies endiablées ont maintenu le public en haleine. Alors que de tout petits faisaient partie du public, le spectacle a maintenu la salle en haleine. Une salle enthousiaste qui a chaleureusement applaudi les tableaux animés de ce conte fantastique avec Big Ben et Lumière en maîtres de cérémonie, sans oublier Mme Samovar, la théière gouvernante du gigantesque château où la Bête retient prisonnier le père de Belle.

Les artistes ont ravi les enfants par une sympathique séance photo à l'issue du spectacle devant l'arbre de Noël du théâtre déjà en habits de fête.

A l'origine du projet, Béatrice Fante, ancienne chanteuse lyrique de l'Opéra Royal de Wallonie, qui en 2006 propose des cours de chant, de danse et de comédie accessibles à tous et met sur pied l'A.S.B.L. Art Fantesies dans le but de produire des spectacles enchanteurs. Elle s'entoure d'un cinquantaine de jeunes artistes, chanteurs, danseurs et comédiens. Implantée en région carolo, la compagnie travaille en collaboration avec le Palais des Beaux-Arts de Charleroi et a déjà conquis toutes les grandes villes de Wallonie. Les dernières représentations de cette comédie romantique féerique auront d'ailleurs lieu les 10 et 11 décembre au Palais des Beaux-Arts de Charleroi.

Très bien reçu par le Théâtre des Galeries, Art Fantesies y sera de retour le 8 avril pour une adaptation de "Oliver Twist" de Charles Dickens. D'après la partition de Lionel Bart, l'histoire déchirante d'un gamin en quête d'une famille aimante, portée par une nuée de très jeunes artistes dans le milieu des petits voleurs et pickpockets londoniens de l'Angleterre victorienne.

L'A.S.B.L. propose des cours d'été pour les jeunes désireux de s'initier à la comédie musicale et qui débouchent sur un spectacle présenté à la Ruche Théâtre. En septembre prochain, une école de comédie musicale devrait même ouvrir ses portes à Chatelet. Elle se propose de former des jeunes dès l'âge de 5 ans.

La billetterie est déjà ouverte pour "Oliver !" aux Galeries.

Palmina Di Meo

Landfall : Un « nous » fait de toutes nos singularités

Didier Béclard — 2022-11-28T14:27:41Z

Pour sa dernière création, « Landfall », Erika Zueneli réunit dix interprètes dont tous ne viennent pas de l'univers de la danse. Partant de l'espace qui constitue une zone à défendre face aux rétrécissements du réel, ils inventent une gestuelle pour exprimer le désir et l'impatience que la chorégraphe retrouve dans cette nouvelle génération

Après de récentes créations plutôt intimes comme « Para Bellum » (2021), un solo à l'énergie trouble comme une préparation au combat, « Mozaïco » (2021), une pièce originale composée d'une multitude de fragments d'autres pièces, ou « Allein » (2018) un trio corps, voix et musique en collaboration avec Jean Fürst et Rodolphe Coster, Erika Zueneli souhaite renouer avec une pièce empreinte de la notion de groupe et de cohabitation sur le plateau. « Le groupe permet de révéler la relation aux autres, explique-t-elle, mais aussi la relation à soi. Ce n'est possible qu'avec un certain nombre d'interprètes qui révèle de façon moins abstraite l'aspect humain ».

Partant de la question du nombre d'interprètes dans une grande forme, la chorégraphe a constaté qu'elle travaille en général avec des équipes fidèles, « on a grandi ensemble, comme dans la vie », sourit-elle. Évoquant la notion de génération, elle tient à faire la distinction avec une forme de « jeunisme », l'idée étant non pas de se focaliser sur la jeunesse mais de créer une équipe d'une autre génération (que la sienne). Mais toujours avec le désir d'observer l'humain et son comportement, de raconter le monde à travers l'humain. « Il s'agit de regarder les mêmes choses mais à partir d'un autre angle de vue ».

A partir de cette envie, il fallait trouver comment concrètement former une telle équipe. L'idée de faire appel à des personnes en formation, par définition « entre deux », a été rapidement abandonnée au profit de personnes sortant de formation et donc âgées de 18 à 28 ans. Un second critère de sélection visait à ne pas se limiter au monde de la danse mais de s'ouvrir à des interprètes qui ont une grande corporalité issus d'autres disciplines, comme le théâtre et même le cirque.

Erika Zueneli s'est donc tournée vers le Centre des Arts Scéniques, une ASBL dont le but est de faciliter l'entrée dans la vie professionnelle des diplômé·e·s d'une des cinq écoles supérieures d'Art dramatique de la Communauté française. Résultat, la moitié des candidats retenus sortent d'une formation en théâtre même s'ils ont eu beaucoup de contacts avec la danse. S'y ajoutent des candidats libres retenus après audition pour constituer un groupe de dix personnes de formations différentes.

La chorégraphe souhaitait explorer les notions du désir, de la découverte et de l'impatience, d'agir, d'être, en observant une génération différente en ayant à cœur d'éviter les clichés. L'impatience, l'urgence, ne se traduit pas nécessairement par la rapidité des mouvements. Le travail s'est articulé autour d'une construction chorégraphique en fonction de l'espace et de jeux d'écriture faisant naître des mots à traduire dans le mouvement.

Il s'agissait de trouver un langage, une métaphore qui rapproche les composantes du groupe. L'espace est organisé de manière telle que les singularités apparaissent dans une grande coexistence, révèle qui ils sont, leur âge, leur corps, les questions sociétales qui les habitent. « De manière sous-jacente, explique Erika Zueneli, cela fait apparaître les questions sur l'humain qui change avec la génération. Ils questionnent ce qui est devant eux de manière métaphorique mais aussi concrète, ensemble, selon des règles que le public ne connaît mais perçoit au cours du spectacle ».

Le terme « Landfall » qui donne son nom à la pièce n'a pas d'équivalent en français. Littéralement, cela signifie toucher terre, ce qui vaut pour un avion comme pour un bateau, par exemple. La chorégraphe l'envisage par rapport à l'âge, atterrir pouvant être assimilé à réinventer puisque « le décollage est obligatoire avant de pouvoir atterrir ».

Entourée de jeunes personnes comme la metteuse en scène Louise de Bastier et le danseur Corentin Stevens, Erika Zueneli a travaillé sur des jeux d'écriture avec les interprètes sur « une jeunesse » enfermée dans des clichés. Cela a permis de dresser une cartographie d'assemblages de mots – comme, par exemple, « le printemps éphémère » ou « le fugace qui transpire » - à mettre en mouvement. L'objectif de cet exercice était de trouver leur singularité en passant de l'intime à l'universel, mais aussi de faire sortir l'humour qui dit beaucoup (ou rien du tout).

Un peu déstabilisés au départ par ce travail, les interprètes, qui disposent de belles formations en mouvement, se sont prêtés au jeu. Ils ont beaucoup improvisé à partir de principes d'espace et non d'intentions psychologiques. « C'est de là que la dentelle du jeu vient », commente la chorégraphe qui fait référence à « Tant'amati » où le travail sur l'espace était dicté par l'esprit de la pièce.

A trois semaines de la première, Erika Zueneli se dit contente du travail réalisé, même si la pièce recèle encore des choses à découvrir. « C'est un voyage, un chemin différent d'un solo ou d'un travail réalisé avec un complice de longue date, dit-elle. J'ai beaucoup aimé travaillé sur cette micro-société où la coexistence est plus importante que le groupe. » Le jeu, le « je », est dans le « nous » et la notion de l'un commun apparaît petit à petit. Mais le point de départ est plutôt l'organisation de l'espace qui détermine des zones où les solitudes, dégagées des attitudes un peu centristes, ne sont plus vraiment présentes.

Se créent alors des zones à défendre, des valeurs face à des questions sociétales partagées de façon différente. Soucieuse de contourner les clichés sur la jeunesse, la chorégraphe insiste sur le fait que « ce sont des individus qui portent l'âge qu'ils ont. Même s'ils sont très conscientisés, ils existent par leur présence et leur corps, plutôt que par un discours explicite ».

A noter qu'en parallèle à la présentation de « Landfall », Erika Zueneli réalise des interventions territoriales participatives sous forme d'ateliers réalisés selon les mêmes principes que ceux utilisés avec l'équipe du spectacle. Le hall de Central accueillera donc une intervention – dont la forme finale n'est pas encore déterminée - réalisée avec de jeunes amateurs de la région à partir de questions abordées ensemble. L'idée est de travailler avec le public pour lui faire découvrir le travail de la scène, autrement que sous le prisme du spectateur. La danseuse qui préfère des gestes créatifs à de simples ateliers pédagogiques envisage également de réaliser des déclinaisons à partir d'une création plus spécifique.

« Landfall » d'Erika Zueneli avec la collaboration artistique et scénographique d'Olivier Renouf, avec Alice Bisotto, Benjamin Gisaro, Caterina Campo, Charly Simon, Clément Corrillon, Elisa Wery, Felix Rapela, Louis Affergan, Lola Cires et Matteo Renouf. Du 25 au 27 novembre à Central à La Louvière, 064/21.51.21, www.cestcentral.be.

Scènes Nouvelles

Palmina Di Meo — 2022-11-16T10:42:33Z

"Les scènes nouvelles" sont une initiative du Théâtre National pour promouvoir la jeune création en Fédération Wallonie-Bruxelles. La première édition a été présentée la semaine dernière. Certains spectacles sont déjà programmés au Théâtre de Liège.

Il s'agit d'un espace dédié aux artistes émergent(e)s en Fédération Wallonie-Bruxelles. Toutes les disciplines y sont représentées : théâtre, danse, art de la performance, théâtre jeune public, cirque.
Le but est également de donner une plus grande visibilité à des spectacles trop peu représentés et de créer des partenariats notamment avec le Théâtre de Liège et le Varia qui a accueilli la jeune metteuse en scène Héloïse Ravet et sa première production longue "Outrage pour bonne fortune", une histoire de fantômes athées à l'humour incisif, et une recherche dramaturgique à partir d'un travail corporel. Nous sommes dans les Alpes italiennes, une abbaye habitée par un moine et une nonne à l'abri du monde dont la quiétude sera brisée par l'arrivée du Pape dont l'avion s'est écrasé sur la montagne voisine. Le paradoxe vient du fait que ce crash va réveiller un couple d'alpinistes en colère d'avoir dû quitter la vie prématurément. Texte rare, désirs réprimés qui remontent en surface sous l'effet de chocs répétés, l'art d'Héloïse Ravet consiste à suggérer pour laisser place à l'imaginaire au travers de personnages atypiques. A voir encore à Liège dans le cadre du Festival Emulation. Outrage pour Bonne Fortune - Théâtre de Liège (theatredeliege.be)

"Le Jardin" de la compagnie Greta Koetz, propose une fable autour d'une fratrie menacée d'expropriation du jardin sur lequel ils vivent : un écrivain, un grand frère, un petit garçon et une sœur revenante qui se prend pour la Vierge, ce sont les protagonistes de ce tableau surréaliste sur le refus de quitter l'enfance et la prise de pas sur le désenchantement. Une fiction qui aime flirter avec le quatrième mur.

Un concept original créé par la compagnie Ersatz dans une mise en scène jeune public de Camille Panza, "Au jardin des potiniers", est une performance immersive qui vous plonge le nez dans un jardin pour une observation des cycles naturels. C'est une nature en mouvement qui émerveille petits et grands dans cette gigantesque maquette imaginée pour faire émerger la tête des spectateurs de sous le gazon. Attention jauge de 30 à 40 spectateurs par représentation. A ne pas rater.

Cirque et danse pour "Garcimore est mort", une création de Gaël Santisteva, ode à la décroissance au travers de tours de passe-passe et de chansons pop. Critique du consumérisme avec l'idée de proposer un spectacle en dehors des tous les codes de représentation traditionnelle.

"Danse Krump" avec les chorégraphes Hendrickx Ntela (artiste associé au National) et Pierre Dexter Belleka. Des danseurs venus de Belgique, de France, d'Espagne et du Sénégal pour dénoncer un système qui nous aveugle en générant des désirs inatteignables. La danse comme moyen d'expression de son propre vécu.
Autre artiste associée au National, Joëlle Sambi, artiste engagée, féministe, explore les "Angles morts" entre ses deux identités belges et congolaises dans une performance poétique. Du slam de haut niveau.

Double narration pour "La grotte" de Clément Papachristou dont c'est la première création - interprétée par Marthe Wetzel et Noémie Zurletti, une exploration d'un passé personnel qui rejoint les Grottes de Lascaux sur la question de l'art.

Qui dit festival dit fête, deux artistes ont mis l'ambiance. Au foyer : Robia Bamba et ses performances aux platines qui invitent à la danse et au studio Soa Ratsifandrihana dans "Groove", un solo dansé aux influences musicales choisies, très vite sold out.

Palmina Di Meo

Outrage pour bonne fortune

Palmina Di Meo — 2022-11-07T14:39:20Z

Héloïse Ravet est une jeune metteure en scène fraîchement sortie de l'INSAS en 2020 qui a déjà un beau palmarès derrière elle. Dramaturge sur les projets de Coline Struyf (Dans la Nuit, 2021,Théâtre Varia), Olivier Boudon (Nous, 2021, Théâtre Varia) et Emilie Maquest (How To Disappear, 2022, Théâtre Varia) ; assistante de Guillemette Laurent sur le spectacle "Dressing Room", elle a présenté aux Tanneurs en 2022 "Larrons en Baskets bleues" qui sera repris au Théâtre Varia pour la saison 24-25 où elle développe une étude poétique de l'échec et de la faiblesse comme un moteur politique contre une société qui pousse aux résultats.

Dans le cadre des scènes nouvelles, elle propose au Varia du 8 au 19 novembre sa première forme longue sous le titre "Outrage pour bonne fortune". Interview d'une jeune artiste prometteuse au talent singulier et novateur.

"Outrage pour bonne fortune" est l'histoire d'un avion du Vatican qui s'écrase dans les Alpes italiennes et qui dans sa chute tue des alpinistes ou réveille des alpinistes déjà morts, les deux versions existent sur le net...

Héloïse Ravet : Oui car il s'agit d'une écriture de plateau mais finalement nous avons privilégié la version où des alpinistes morts depuis bien longtemps se réveillent. "Outrage pour bonne fortune" interroge principalement le deuil. Que fait-on avec les morts ? Généralement, la question est posée du côté des vivants. J'ai voulu la renverser. Car peut-être que les morts ont aussi leur deuil de la vie à faire. Il s'agit ici de mort violente. Ce qui m'intéresse, c'est de savoir que faire si quelque chose reste après la vie.

L'intrigue est située dans les Alpes italiennes et le spectacle est sous-titré en italien.

Héloïse : J'ai grandi à la frontière italienne. L'histoire se passe dans une abbaye.

Dans cette abbaye, il y a des personnages mis à l'honneur, ce sont les femmes.

Héloïse : Il y a un moine et une nonne. C'est une abbaye mixte, ce qui n'existe pas. Je suis pour les femmes.

Si le sujet est grave, le spectacle est humoristique...

Héloïse : On ne veut pas rendre les choses graves. Pourquoi vouloir être ténébreux sur ces questions-là. J'ai voulu en faire une fable.
On se place du côté des morts. La question de la mort nous concerne tous. L'idée est d'explorer la manière d'en parler à travers la fiction sans vouloir être sérieux.

D'où viennent tes idées de spectacles ? Dans "Larrons en Baskets bleues", on pénètre l'univers particulier de trois camarades qui se réunissent tous les ans pour une célébration mystique sur Elvis Prestley et comme tu l'as dit toi-même, ce n'est pas un spectacle sur Elvis mais sur une tentative de trouver un idéal de soi.

Héloïse : Oui essayer d'être soi à travers l'idée d'être un autre. Se trouver en se perdant soi-même.

Souvent les univers décalés de tes spectacles déroutent le spectateur tout au long de la représentation.

Héloïse : Il y a cette envie de provoquer cela, de parler de sujets universels comme la mort, l'identité mais par des biais, des brèches, des endroits où l'on n'irait pas normalement. C'est une dramaturgie des chemins de traverse. Au travers d'éléments anecdotiques comme les sosies d'Elvis Prestley, on peut trouver un sujet véritable sans surlignage, sans dire : "On va parler de ça". Je pars du principe que la dramaturgie infuse sans cesse, durant la création, durant le spectacle, sur les spectateurs, les spectatrices. On ressent, on comprend, sans qu'il soit nécessaire de dire explicitement les choses. Le récit, la fiction tend vers cela. Pour les Larrons, je ne pensais pas spécialement à Elvis Prestley. Mais j'ai halluciné en voyant son dernier live. Je me suis demandée "Qui est cette personne ?" Il a 42 ans, il pourrait en avoir 80. Quelle est sa destinée ? Et pour Outrage, l'idée des moines est venue lors d'une balade où j'ai vu des moines manger des boules de glace à la vanille. J'ai trouvé cela rigolo, très inattendu. Je me suis dit : "Ces gens-là ont aussi une vie, très triviale" alors que dans mon imaginaire, ils sont toujours représentés pieux et tournés vers la spiritualité, ce qu'ils sont, mais l'image des moines avec des boules de glace m'a frappée.

C'est une écriture de plateau, mais tu viens avec une idée de départ ?

Heloïse : Je viens avec une structure, un canevas qui va bouger mais un espace clos et des personnages qui eux ne changent pas. A partir de là, on explore.

Sur base d'improvisations ?

Héloïse : Les comédiens vont travailler sur base d'improvisations oui mais pas d'improvisations de plateau où je vais demander à telle personne de me parler de ses souvenirs ou de ses propres morts. Je viens avec des orientations très écrites par rapport à la structure et il est évident qu'ils participent à la dramaturgie en amenant leur propre sensibilité ou leur propre éclairage. Mais ils ne s'agit pas de faire du collage ni qu'eux-mêmes aient une implication émotionnelle autre que la structure et les recherches que l'on est en train de faire.

Je remarque que dans tes mises en scène il y a un travail très axé sur le corps en mouvance qui demande un effort aux comédiens avec une certaine souffrance physique même. On le retrouve dans ce spectacle-ci ?

Héloïse : On travaille beaucoup sur le corps. Ici, il s'agit en outre d'un travail sur la foi et sur la foi catholique, sur la chair qui est centrale et la chair en souffrance. On interroge aussi la question du corps des morts. Que fait-on des cadavres ? Dans la société actuelle il y a une omerta à ce sujet, on parle très peu de prise en charge du corps des morts. On explore l'idée de savoir de quelle manière la chair peut être battante, pulsante, comment faire un spectacle sur la mort en étant diablement vivant, totalement vibrant. La réponse que j'ai trouvée, c'est que l'on ne peut travailler que sur le corps que l'on a, le corps de l'acteur qui est fascinant puisqu'il peut représenter un millier de choses, on voit un bras et il peut représenter la mer. Ce qui m'intéresse, c'est que ce soit des acteurs(trices) et non pas des danseurs. La qualité corporelle est très particulière. Il n'y a pas le soucis de faire bien et beau mais on fait avec ce que l'on est et donc on travaille sur des ébauches de chorégraphies avec un corps empêché, un peu lourd et pas forcément gracieux mais c'est de là que surgit une petite fenêtre de grâce.

Comment choisis tu tes comédiens et comédiennes, tu les recrute, tu vas les voir ?

Héloïse : Pas toujours. J'ai une passion de trouver les comédiens avec qui je travaille d'une façon liée à la vie et non au plateau. C'est assez rare que j'aie vu quelqu'un travailler, jouer. Cela n'est même jamais arrivé. Je pars du principe que le plus important, c'est la direction d'acteurs et si je peux ressentir quelque chose dans la vie, dans la rencontre avec l'acteur, alors la moitié du chemin est déjà fait et nous pouvons y aller ensemble. Je ne suis pas du tout orientée vers la technicité. J'essaye de travailler avec des gens qui présentent une certaine étrangeté, une bizarrerie qui m'emmène à des endroits que je n'aurais pas imaginés.

En tant que créatrice et metteure en scène, y a-t-il en toi une recherche de faire quelque chose d'innovant ?

Héloïse : Innovant je ne crois pas parce que c'est impossible. Je n'ai pas l'ambition de faire de l'inédit en art mais avec mes quatre collaboratrices de la compagnie des Saintes Patronnes (je travaille toujours avec la même équipe artistique), nous avons envie de mettre en place de nouveaux canevas, de nouveaux schémas narratifs, ne pas se conforter dans des choses qui fonctionnent au plateau. On essaye de trouver des endroits où on ne nous attend pas tant au niveau du fond que de la forme. Je ne crois pas inventer quelque chose de complètement fou si ce n'est essayer de réduire au maximum l'artifice théâtral. La lumière, le son, les costumes, les acteurs, l'espace, on les imagine à quatre, éviter la vidéo, les micros, que ce soit un espace qui aie l'air le plus vide possible. Je pense que c'est un retour à une certaine théâtralité.

Propos receuilis par Palmina Di Meo

Un pays meilleur que son gouvernement

Didier Béclard — 2022-11-07T13:37:40Z

En 2019, un véritable mouvement citoyen a poussé de nombreux Belges à proposer un hébergement à des migrants sans abri, essentiellement au Parc Maximilien à Bruxelles. Edgar Szoc qui s'est fait connaître du grand public par ces chroniques, souvent acerbes, sur les ondes de la RTBF avant de devenir président de la Ligue des droits humains, a lui-même hébergé une dizaine de migrants. Dans « Belgium Best Country », il donne la parole à ces citoyens pour lesquels ils était plus important de faire preuve d'humanité que de respecter la loi.

Pourquoi avoir choisi le théâtre pour aborder ce sujet ?

Edgar Szoc : C'est un peu le hasard et une proposition du Théâtre de Poche. J'avais envie d'écrire sur cette thématique mais je n'avais pas vraiment d'idée de forme très particulière. Et comme souvent avec moi, il faut que l'on me pousse un peu et c'est le Poche qui l'a fait. Du coup c'était le théâtre. J'avais déjà fait des one man show, j'écrivais pour moi et je jouais tout seul et il n'y avait même pas de mise en scène. Ici, c'est la première fois que je fais l'expérience, un peu bizarre, d'écrire un texte, puis on a fait le choix avec la metteuse en scène, Julie Annen, que je ne m'occupais de rien d'autre. Je n'ai pas participé aux répétitions, je n'ai rien vu que le produit fini. Et je m'attendais à être évidemment surpris, en partie positivement et en partie négativement parce que tu es un peu dépossédé de ton texte. Je n'ai été surpris que positivement, je trouve que le résultat est bien meilleur que mon texte.

C'est une expérience un peu inquiétante parce que tu te jettes un peu dans le vide, tu te dis si il font des trucs et je trouve ça nul. Tu te renseignes sur tes droits en tant qu'auteur, est-ce que je peux faire interdire à la dernière minute. Et, en fait, j'étais vraiment ravi, c'était très gai.

Et d'où vient cette envie ?

E. S. : Je trouve que ce mouvement, politiquement, est la chose la plus merveilleuse qui soit arrivé, j'ai envie de dire de ma vie. Le plus surprenant est que des milliers de ménages belges ont ouvert leur porte à des transmigrants, des sans papiers, qu'ils ne connaissent ni d'Eve, ni d'Adam. Je prends cette métaphore : il y a des quatre façades du Brabant Wallon dans lesquelles les premières personnes d'origine africaine à rentrer sont des migrants érythréens sans papiers. Cela a quelque chose de tout à fait improbable, cela tient un peu du miracle. Donc il y avait une envie très forte d'écrire là-dessus pour dire, pour rappeler que cela s'est passé parce que j'ai l'impression, et l'évolution de la société ne fait que confirmer cette impression, que dans quelques années on aura même du mal à croire que cela s'est passé tellement c'était incroyable.

Comme toujours, dans ce genre de mouvement qui est, à l'origine, pas très organisé, qui se répand comme une traînée de poudre, cela mène à plein de problèmes. Cela n'avait pas vocation à durer des années. C'est un peu ce que l'on trouve avec l'accueil des Ukrainiens maintenant. Les gens disent on vous accueille et puis il y a un moment où l'on a envie de se retrouver chez soi sans les invités. Cela devient compliqué. Il y a souvent le risque avec ce genre de mouvement que cela se termine un peu en amertume, parce qu'évidemment on n'a pas réglé les problèmes du monde, on n'a pas changé la politique migratoire belge, et on se retrouve avec une somme de souffrances individuelles qu'on a du mal à assumer dans la durée. J'ai l'impression que ce n'est pas le cas pour le moment mais, un peu préventivement, j'avais envie d'écrire sur les aspects vraiment positifs de ce qui s'est passé qui était généreux, surprenant et parfois drôle.

Il y a un paradoxe dans le fait que des familles ont été poursuivies pour avoir hébergé des Afghans, des Syriens, et là le gouvernement a lancé un appel pour accueillir des Ukrainiens.

E. S. : Il n'y a pas grand chose à ajouter. On peut vite devenir cynique avec cela et dénoncer le racisme d'État. Et il faut le faire. Mais je pense qu'il faut aussi s'appuyer sur ce qui se passe avec les Ukrainiens pour dire qu'avec le soutien de l'État c'est plus facile et cela doit devenir la nouvelle norme. L'Union européenne a activé, pour les cas des Ukrainiens, une directive sur la protection temporaire qui est une vieille directive, elle date de 2001. Elle n'avait jamais été activée, elle aurait dû l'être entre 2015 et 2017. Mais le fait qu'elle le soit maintenant, cela crée un précédent. On l'a fait pour les Ukrainiens, cela n'a pas mené à des catastrophes, on va le refaire. Mais il est vrai que le contraste entre les deux situations est très frappant et il est difficile de l'imputer à autre chose qu'une forme de racisme d'État. C'est ça qui était merveilleux dans ce mouvement aussi, et qui renvoie au titre un peu ironique de la pièce. On avait Théo Francken à l'époque comme secrétaire d'État à l'asile, on avait un gouvernement de merde et un pays qui était bien au-dessus et bien meilleur que son gouvernement, à la fois sur le plan moral et sur le plan politique. C'est vraiment un clivage entre le gouvernement et la société.

Pour l'anecdote, Belgium Best Country, c'est une phrase qu'on entendait beaucoup au Parc Maximilien quand les migrants racontaient leur périple, c'était littéralement « Lybia torture, Italy very bad, racism,... Belgium Best Country ».

Il y a encore des gens que j'ai accueillis, qui sont passés en Angleterre, qui m'appellent chaque fois que les Diables Rouges gagnent un match, en particulier quand les Diables Rouges gagnent un match contre l'Angleterre, là ils sont doublement contents.

Dans une interview, vous parlez d'étouffement de la résignation.

E. S. : Effectivement, c'est un peu prouver le mouvement en marchant. C'est comme la fameuse phrase, ils ne savaient pas que c'était impossible alors ils l'ont fait. Tout cela paraissait complètement improbable. Lorsque ce mouvement a commencé, il y avait des femmes et des enfants et de jeunes hommes qui dormaient dans le Parc Maximilien. Les premiers activistes à s'être mobilisés l'on fait autour de l'idée « plus une seule femme plus un seul enfant au Parc Maximilien ». Cela a tellement bien marché, il y avait tellement de propositions d'hébergement qu'ils se sont dit finalement plus personne au Parc Maximilien. Ce qui paraissait tout à fait inatteignable parce qu'on est résigné, on se dit que ce sont des problèmes trop grands pour nous. Quand bien même on a un peu de cœur et on refuse la politique du gouvernement, on n'a pas vraiment les moyens de lutter contre cela. Et d'un coup, on s'est rendu compte qu'avec un minimum d'organisation, on a réussi à organiser le plus grand service d'hôtellerie de Belgique

N'y a-t-il pas un risque que ces initiatives citoyennes positives ne se substituent à l'action de l'autorité publique et ne la conforte dans son inaction ?

E. S. : C'était clairement un risque que beaucoup avaient en tête à l'époque. Je pense que c'est moins le cas maintenant parce que on peut imaginer un schéma à terme, qui existe déjà dans d'autres pays, d'un accueil citoyen, qui est quand même plus agréable et plus humain qu'un accueil en centre, financé par les pouvoirs publics. Cela demande beaucoup de contrôle pour qu'il n'y ait pas d'exploitation et que l'on vérifie que cela se passe dans de bonnes conditions. Mais pour les demandeurs d'asile, on peut imaginer d'indemniser ceux qui accueillent des réfugiés. C'est un premier pas vers une inclusion réussie dans la société. Ils apprennent beaucoup plus sur la société belge, ses possibilités, son fonctionnement, en vivant quelques semaines, quelques mois en famille plutôt qu'en étant dans un centre de la Croix-Rouge ou dans un centre de Fedasil. Mais il est clair que l'impulsion de base émanait de gens qui voyait que l'État ne faisait rien et qui ont fait à la place de l'État

Le résultat est que maintenant le travail continue à être fait, en partie, par des familles tandis que la plate forme citoyenne, qui était entièrement bénévole, reçoit des subventions de plusieurs milliers d'euros pour organiser un accueil collectif dans des centres etc. In fine, ce mouvement a mené à ce que l'État, en l'occurrence la Région bruxelloise (normalement ce devrait être l'État fédéral, mais c'est de l'argent public) finance l'accueil de ce que l'on appelle les transmigrants, les personnes sans séjour légal chez nous et qui ne souhaitent pas s'y installer et qui ne demandent pas l'asile.

Comment expliquez-vous que ce soit surtout des femmes qui ont commencé à héberger ?

E. S. : Honnêtement, je n'ai que des hypothèses. On en est vite renvoyé vers des stéréotypes du féminin qui est plus dans le « care », dans l'attention à autrui, dans l'empathie, pour qui la visibilité de la souffrance est atroce. C'est toujours un peu délicat parce qu'on renforce vite des stéréotypes en disant ce genre de choses. Dans ce que j'ai pu côtoyer, c'était un peu plus ambivalent. C'est à dire dans des situations de couple, les deux souhaitaient mais voyaient des problèmes différents et ce n'était pas nécessairement toujours la femme qui était le moteur et l'homme qui disait non jamais.

Vous dites qu'à la base c'est un acte solidaire qui devient quelque part une pensée.

E. S. : Je prends toujours l'exemple de ma mère qui a beaucoup hébergé, qui n'était pas particulièrement militante pour qui c'est un acte solidaire, humanitaire. Et puis, petit à petit, comme beaucoup d'hébergeuses, elle a fini par devenir spécialiste en droit des étrangers. Elle s'y connaît mieux en droit des étrangers que beaucoup de juristes. Alors qu'elle était secrétaire et n'avait jamais fait de droit de sa vie. C'est un mouvement solidaire, humanitaire qui s'est transformé en pensée mais aussi en compétence, en expertise et il y a eu une politisation chez beaucoup de gens. Nombre d'entre eux ont accueilli par réflexe humain, parce que cela ne se fait pas de laisser des gens dormir dehors. Mais à partir de là, ils ont développé une réflexion beaucoup plus politique sur l'Europe forteresse, la possibilité des frontières ouvertes, les migrations internationales etc.

Pas chez tous, parce qu'il y a évidemment autant d'expériences d'hébergement qu'il y a d'hébergeuses et toutes les expériences ne sont pas positives. Il y a des personnes, sans que ce soit dramatique, qui ont essayé et qui ont vu que cela ne leur convenait pas. C'est ce qui est très fort dans le mouvement aussi c'est qu'il y a un rapport à l'intimité, C'est rentrer chez soi et vivre avec quelqu'un qu'on ne connaît absolument pas avec qui finalement on partage très peu de choses en termes de références culturelles, linguistiques, culinaires ça peut créer du merveilleux mais cela peut aussi créer de l'insécurité et de l'étrangeté, de la bizarrerie.

Je me souviens que ces gens avaient envie de rendre. Ma compagne de l'époque est retournée en Angleterre il n'y a pas longtemps et a rendu visite à deux des personnes que l'on avait hébergées. En rentrant à la gare Eurostar, elle trouve dans sa poche deux billets de 100 livres roulés. Un des hébergés lui avait glissé cette somme subrepticement parce qu'il savait bien qu'elle n'allait pas les accepter. Au moment même de l'hébergement, ils voulaient rendre aussi, ils ne voulaient pas juste être invités. L'un d'eux arrosait les plantes quatre fois par jour, ce qui est évidemment très mauvais pour les plantes. C'était très compliqué de lui expliquer que c'était extrêmement gentil et touchant et que l'on comprenait bien la motivation mais qu'en fait il valait mieux qu'il ne le fasse pas. Cela peut donner lieu à des tas de scènes, comme celle-là, qui sont cocasses mais qui, selon les caractères peuvent être pénible à vivre. Comme un jour, on rentre et tout notre linge avait été repassé et on s'est dit que l'on est en train d'exploiter de la main d'œuvre illégale, ce qui n'est pas du tout le but. Eux avaient envie de rendre quelque chose. Il y avait tout un équilibre à trouver qui n'est pas toujours évident et qui peut provoquer des malaises chez certains.

Et sinon, le spectacle est drôle ?

E. S. : Il y a quelques moments drôles. Je n'avais pas envie de faire quelque chose à l'eau de rose, ces héros qui se sont levés... D'ailleurs la pièce commence par le témoignage d'un chauffeur - là c'est ironique, pas drôle mais ironique - qui dit « je conduisais deux Érythréens sur l'autoroute, j'avais l'impression d'être Jean Moulin ». Je n'avais pas envie de faire un spectacle grandiose mais je n'avais pas envie de tomber dans l'ironie systématique non plus. C'est entre le bienveillant et l'ironie, on va dire. C'est quand même incroyable ce qui s'est passé mais on ne va pas non plus en faire un récit mythologique. C'est incroyable mais il y avait, comme dans tout mouvement, des ambiguïtés, des ressorts mimétiques. J'ai l'impression qu'il y a plein de gens qui ont commencé à héberger parce que tout le monde hébergeait et que c'était presque devenu une mode et que cela ne se faisait pas de ne pas le faire. Comme dans tout mouvement humain, il y a des composantes et des motivations différentes mais le résultat était quand même assez fascinant. Donc, ce n'est pas à mourir de rire ou alors c'est malgré moi.

La pièce fait-elle écho à votre propre histoire, puisque vous êtes d'origine polonaise ?

E. S. : Du côté de mon père. Moi, je suis né ici mais je n'ai pas un rapport d'étranger à la Belgique. Je suis belge depuis mes 18 ans. A 18 ans, j'ai dû choisir entre la nationalité belge et la nationalité polonaise et la question ne s'est pas posée 30 secondes.

Mais c'est vrai, tout ce qui a trait aux migrations, à la différence, à la diversité, et à la place qu'on lui fait, sont des questions qui me touchent personnellement et je suppose que ce qui s'est passé là a eu un écho. Je ne l'ai pas vécu comme tel sur le moment même mais en y réfléchissant, je me dis que cela a dû un peu plus particulièrement me toucher du fait de mon histoire à moi.

Propos recueillis par Didier Béclard

« Belgium Best Country » du 8 au 26 novembre au Théâtre de Poche à Bruxelles, le 29 novembre au Centre culturel de Huy (scolaire), le 1er décembre à Central à La Louvière

Les Prix Maeterlinck de la Critique ont remis leurs statuettes

Didier Béclard — 2022-11-03T08:58:50Z

Ce lundi 31 octobre, le Théâtre des Martyrs à Bruxelles a accueilli la traditionnelle cérémonie de remise des Prix Maeterlinck de la Critique qui récompensent les meilleurs spectacle de théâtre, danse et cirque. Cette année, la cérémonie était un peu moins traditionnelle puisqu'il s'agissait d'une retour, disons, à la normale. La dernière version « live » de l'événement s'est en effet déroulée en 2019, l'année suivante devant, Covid oblige, se satisfaire d'une version vidéo tandis que l'édition 2021 était simplement annulée.

L'année 2022 marque par ailleurs le septantième anniversaire des Prix qui ont connu différentes appellations (Eves du Théâtre, prix Tenue de Ville, prix de la Critique,...) au cours de leur existence. La cérémonie présentée par la comédienne Valérie Bauchau a notamment été marquée par l'hommage d'une salle debout à Jacqueline Bir distinguée par le Prix Bernadette Abraté.

Cette édition fut également l'occasion d'annoncer un changement d'importance puisque le jury a décidé de supprimer les catégories genrées. Les anciennes catégories comédienne et comédien deviennent une seule catégorie intitulée « interprète », tandis que espoirs masculin et féminin deviennent « espoir ».

Enfin, les Prix Maeterlinck disposent désormais d'un nouveau site web (www.prixmaeterlinck.be) sur lequel vous pourrez trouver une vidéo de l'intégralité de la cérémonie du 31 octobre 2022 (disponible également ci-dessous).

Voici le palmarès pour les saisons 2020 à 2022 :

Meilleur spectacle

George de Molière

De Ludovic Barth et Mathylde Demarez

(Clinic Orgasm Society)

Meilleure mise en scène

Mademoiselle Agnès

Mise en scène de Philippe Sireuil

Meilleur spectacle de danse

Les Autres

D'Anton Lachky

Meilleur spectacle de cirque

À deux mètres

De Jesse Huygh et Rocio Garrote

Meilleure comédie/spectacle d'humour

Birthday

Mise en scène de Julie-Anne Roth

Meilleur spectacle jeune public

Mike

Du Théâtre de l'E.V.N.I.

Meilleur Seul en scène

À cheval sur le dos des oiseaux

De Céline Delbecq, avec Véronique Dumont.

Meilleure découverte

Appellation sauvage contrôlée

De Hélène Collin

Meilleure Interprète

France Bastoen

Dans Mademoiselle Agnès et Girls and Boys

Meilleur Espoir

Leïla Chaarani

Dans Charlotte, Qui a peur et Phèdre(s)

Meilleur Auteur

François Emmanuel

Pour Dressing Room

Meilleure scénographie

Marche salope

De Céline Chariot et Jean-Baptiste Szezot

Meilleure création artistique et technique

Stanley : Small Choice in Rotten Apples

De Simon Thomas (La Horde Furtive)

Prix Bernadette Abraté

Jacqueline Bir

Comédienne

Pour voir ou revoir la cérémonie :

Minuscules mais essentiels

Didier Béclard — 2022-09-30T14:47:31Z

Danse, image, son et leur interactivité sont à nouveau réunis dans la dernière création de Michèle Noiret. Dans « L'Œil, l'oreille et le lieu », la chorégraphe plonge dans le monde souvent méconnu des insectes où la fascination prend le pas sur l'indifférence, voir la répulsion.

Un homme assis à une table semble tenter de maîtriser sa main gauche qui s'échappe, s'éloigne, donne l'impression d'essayer d'attraper des insectes volants. Le noir se fait et l'écran s'allume montrant en miroir, de part et d'autre d'une image macroscopique ce qui pourrait être la tête d'un insecte, un couple qui se meut, un couloir. Les corps se déplacent, semblent s'enfoncer dans les murs qui ne leur résistent pas.

L'écran s'ouvre comme une double porte. Elle apparaît sur le plateau mais est toujours présente à l'image. Le femme est l'homme sont tous deux sur le plateau dans une gestuelle dansée tout en tension. L'un comme l'autre sont vêtus de combinaisons identiques, ils portent tous deux de longs cheveux sombres qui masquent souvent leur visage. Impossible de les distinguer l'un de l'autre. Un mouvement furtif permet, un moment, de voir que le visage de la danseuse est masqué à la façon de Fantomas. L'instant d'après, plus rien ne cache ses traits.

L'action se situe dans un temps futur. La plupart des insectes que nous connaissons ont été décimés par l'irresponsabilité humaine. Des lieux dédiés à des expériences ont été créés afin de sensibiliser ceux qui n'ont pas connu ce monde et de peut-être le faire renaître. C'est dans l'un de ces laboratoires que nous nous trouvons.

L'homme est revenu à sa table de travail où il compulse des notes manuscrites et des schémas d'insectes que nous pouvons découvrir à l'écran grâce aux images qu'il capte à l'aide de son smartphone. D'un tunnel situé à l'opposé de la scène, s'échappent des bruits de frottements, de déchirures. Le chercheur s'approche et filme sa partenaire, couchée, enveloppée dans un drap blanc. Elle gesticule, déchire l'enveloppe dont elle parvient à s'extirper, à l'image du papillon qui quitte sa chrysalide. Elle teste ses membres, découvre son environnement et prend conscience du regard qui est porté sur elle. Par le truchement d'une maquette démultipliant l'effet visuel, elle colle son œil au bout du tunnel tandis que l'écran diffuse les images de la mue d'une libellule.

L'écran et le plateau sont en dialogue permanent, on passe de l'un à l'autre, du documentaire animalier à la gestuelle des interprètes inspirée de celle des insectes aux images de ces derniers qui donnent parfois l'impression de vouloir imiter les danseurs. Pionnière du « danse-cinéma » qui mêle chorégraphie et outils technologiques, Michèle Noiret réinvente les codes, tant de la danse que du cinéma, dans chacun de ses spectacles.

Ici, pas de cameraman sur le plateau, les images sont captées par les smartphones des deux interprètes. Mais comme à chaque fois, la technologie est au service du sens, de l'émotion et la danse, l'image, le son et leur interactivité, forment l'architecture de la création allant jusqu'à influer sur une partie de la dramaturgie. Outre Todor Todoroff, fidèle collaborateur de la chorégraphe, à la création sonore, on retrouve ici Aliocha Van der Avoort, Romain Lalire et Frédéric Nicaise, aux images vidéo 3D et Yorrick Detroy, aux lumières.

Ce qui ne change pas, non plus, et qui constitue une sorte de marque de fabrique de la chorégraphe, est son habilité à semer le trouble dans l'esprit du spectateur. La combinaison d'images filmées en direct, avec des images enregistrées et les présences sur le plateau, les unes reprenant parfois les autres, est constellée de hiatus, de décalages, de « désynchronisations », volontaires qui agissent parfois comme des éléments subliminaux qui suscitent réflexion et questionnements.

Créée en résidence à Bodø, dans le nord de la Norvège, dans le cadre d'un programme européen à destination des jeunes publics (la pièce fait d'ailleurs l'objet de plusieurs représentations « scolaires » en Belgique), « L'Œil, l'oreille et le lieu » a été présenté à 14 reprises dans 5 villes norvégiennes avant d'arriver en Belgique. A chaque fois, il a fallu opérer certains aménagements, un projet de danse-cinéma étant toujours tributaire de l'espace dont il dispose.

Depuis toujours, Michèle Noiret est fascinée par les insectes qui, chez le commun des mortels, n'inspirent que de l'indifférence, voire de la répulsion. Avec cette pièce, elle souhaite partager son émerveillement face au monde de ces drôles de petites bêtes. Mais également exprimer sa tristesse et sa colère à l'égard de sa progressive, mais inexorable, disparition.

A la manière d'un film d'anticipation, elle aborde des questionnements écologiques et sociétaux en conservant le désir de captiver le public, le surprendre, l'interroger. « L'Œil, l'oreille et le lieu » tire son nom d'un recueil de son père, le poète et peintre Joseph Noiret. Pour la chorégraphe, il s'agit de « regarder, écouter et aller là où ça se passe ». En observant on découvre des choses qui permettent de dépasser la frayeur qu'ils peuvent inspirer, de comprendre leur beauté, et leur importance. « Ils n'ont pas besoin de nous, dit-elle, mais nous avons besoin d'eux. »

Didier Béclard

« L'Œil, l'oreille et le lieu » de Michèle Noiret, avec David Drouard et Sara Tan, le 30 septembre à 13h30 (scolaire) et 20h, aux Ecuries de Charleroi Danse, 071/20.56.40, www.charleroi-danse.be.

Puis les 9 et 10 novembre au Théâtre de Liège dans le cadre du Forum Sans Transition, 04/342.00.00, www.theatredeliege.be.

Photos de Sergine Laloux

Chacun de nous est une histoire

Didier Béclard — 2022-09-07T11:23:32Z

Pari réussi pour Claudio Bernardo qui a présenté la version la plus aboutie de « Après les Troyennes » au théâtre grec de Syracuse. Il y convoque la danse, le théâtre, les chants et le cinéma pour évoquer la mémoire, la transmission et l'exil au travers de la la préparation de la dernière représentation des « Troyennes » par un groupe qui se sépare après une longue trajectoire commune.

Il est 22h30 ce mardi 26 juillet 2022. le public du théâtre grec de Syracuse est debout et applaudit à tout rompre après la représentation de « Après les Troyennes » à laquelle il vient d'assister. Le succès est manifeste mais la gestation de cette pièce n'a pas été une promenade de santé pour le chorégraphe Claudio Bernardo et sa Compagnie As Palavras (les mots).

Tout a commencé en 1989 lorsque Claudio Bernardo assiste à la dernière représentation du spectacle « Les Troyennnes » mis en scène par Thierry Salmon (décédé en1998) et mis en musique par Giovanna Marini. Le spectacle qui présente l'œuvre d'Euripide en grec ancien et avec un ensemble de 34 comédiennes touche le chorégraphe pour sa beauté d'abord mais aussi parce qu'il le ramène à sa condition d'exilé qui a quitté son Brésil natal pour se réaliser artistiquement.

En 2017, il entame un travail de recherche puis d'écriture avec Alain Cofino Gomez à partir d'interviews individuelles des interprètes qui racontent leur métier. Ces récits sont mis en projection avec les personnages d'Euripide pour élaborer une pièce construite comme la dernière représentation d'une œuvre jouée depuis longtemps. « On ne sait pas toujours qui parle, explique Claudio Bernardo, laissant le trouble entre personnages et acteurs afin de poursuivre l'émotion ». La tragédie antique rejoint le monde contemporain.

« Après les Troyennes » s'attache à évoquer, au travers d'une série de tableaux interprétés, chantés et dansés, le sort de quatre Troyennes, uniques survivantes du massacre, qui constituent désormais le butin des vainqueurs. Les monologues d'Hécube, Andromaque, Hélène et Cassandre, inspirés des textes d'Euripide, racontent leur humiliation et leurs souffrances. Ils se mêlent aux témoignages des comédiennes et comédiens dont le métier les a poussés, souvent, au nomadisme, voire à l'exil, pour accomplir leur quête artistique.

Les références à la pièce de Thierry Salmon sont nombreuses puisque Claudio Bernardo a repris les textes en grec ancien et la musique de Giovanna Marini à laquelle s'ajoutent le blues musical de Dorian Baste et deux chansons de Nina Simone (« Four Woman » et « The Other Woman »). De plus, trois des comédiennes - Carmela Locantore, Mariagrazia Mandrizzata et Cecilia Kankonda – qui figuraient au générique de la pièce originale sont également présentes.

Sur scène, cinq danseurs, trois actrices, une chanteuse d'opéra et un cameraman donnent vie à ces trajectoires de vie et d'exil par le texte, la danse ou leur chants. La caméra capte en direct le visage des interprètes et les projette en gros plan sur des écrans. Le dispositif est impressionnant et complexe mais géré avec une précision sans faille à l'image de ces personnages qui apparaissent dans un théâtre antique que l'on voit à l'écran et qui semblent, dans une synchronisation parfaite, en descendre pour apparaître sur scène.

La représentation au Teatro Greco de Syracuse est la première de l'œuvre telle que Claudio Bernardo l'avait conçue. Les aléas se sont en effet accumulés tout au long du travail de création. Une réduction des subsides de la Communauté française qui l'a contraint à revoir les moyens dont il disposait, des ennuis de santé personnels et le confinement ont perturbé la réalisation de cette œuvre qui a mis plus de deux années avant de voir le jour. « C'est un processus long et périlleux, explique le chorégraphe, notamment parce que c'est une production en étapes et pas d'un coup comme Thierry Salmon ». Dans le préambule de la pièce, Neptune, interprété par Claudio Bernardo lui même dit une phrase qui semble prémonitoire : « ce soir est la fin d'une longue traversée ».

Mais le résultat est à la hauteur de ses ambitions. Le spectacle mixe les formes dansées, chantées, parlées, avec brio : danseuse et danseurs deviennent chanteuses, acteurs. Les enchaînements sont millimétrés et les prestations de tous les interprètes sont remarquables composant un ensemble de très haut niveau.

Didier Béclard

« Après les Troyennes » de Claudio Bernardo (avec Alain Cofino Gomez) avec Vincent Clavaguera, Elise Gäbele, Maxime Jennes,Cécilia Kankonda,Tijen Lawton, Carmela Locantore, Fatou Traoré, Mimbi Lubansu Thi-Mai Nguyen, Claudio Bernardo et Maria Grazia Mandruzzato

Dans le film : Gabriella Iacono et Johanne Saunier.

Nouvelle(s) direction(s) !

Yuri Didion — 2022-06-08T14:01:48Z

La saison 2022-2023 à Namur est placée sous le signe des rencontres. Rencontre et association entre le Théâtre de Namur et le Centre culturel de Namur (CCN), d'abord, mais aussi rencontres entres des formes différentes, et une plus grande ouverture pour mieux rencontrer les publics. Une chose est sûre, c'est une programmation prometteuse ! A l'origine de celle-ci, Virginie Demilier, directrice du théâtre depuis juin 2021, qui avait donc hérité de la programmation de son prédecesseur, et Vincent Hennebicq. Une nouvelle direction donc, qui n'hésite pas à proposer de nouvelles directions à l'institution namuroise.

Rassurons tout de suite les habitués : il ne s'agit pas d'abandonner les traditions qui ont fait le succès de cette maison. On retrouvera ainsi des spectacles de répertoires (modernisés), tels que "Hedda" (d'après Ibsen), "Edmond" (d'Alexis Michalik - déjà un classique !), "Marcel" (qui questionne l'oeuvre de Proust) et "Julia" (d'après Strindberg) ; du cirque, avec "Yé ! (L'eau !)" et "Sono Io ?" ; et des créations à grand budget avec par exemple "Alma" (F. Murgia et Peggy Lee Cooper). Cependant, en parallèle, la saison 2022/2023 propose également quelques nouveautés très intéressantes.

Tout d'abord, l'association avec le CCN entraîne un ancrage dans la cité et différents partenariats qui favoriseront, je crois, le développement de la question culturelle au-delà du seul domaine artistique. Ainsi, en parallèle des spectacles, les artistes seront invités à aller à la rencontre des citoyens namurois. Cette dynamique remet, au centre de la culture, ces pratiques qui réunissent, rassemblent, qui permettent de faire "société". Mais sans doute deux exemples valent-ils mieux qu'un long discours : le Circus Baobab (qui joue "Yé ! (L'eau !)" ) occupera aussi l'espace public pour des rencontres acro-footballistique avec des équipes namuroises (performance "Foot de cirque... de rue !"). Alors que la culture et le sport se retrouvent régulièrement opposés dans le discours public, voici une occasion de rassembler des amateurs de beaux gestes, de grandes maîtrises techniques, et de prises de risques à travers un spectacle participatif. Plus tard dans la saison, c'est Sara Selma Dolorès (à l'origine de la performance audio-sensorielle "Finis ton assiette !") qui s'associe au philosophe Laurent de Sutter pour un atelier cocktails chez Botanical by Alphonse, établissement HORECA spécialisé dans la mixologie, installé dans la très vivante rue des Brasseurs. Une soirée prometteuse où les richesses gustatives le disputeront aux enrichissements intellectuels.

Ce ne sont, évidemment, pas les seuls croisement au programme. On le voit, Théâtre et CCN semblent bien décidé à faire de la ville entière un véritable lieu culturel.

D'autre part, il est également question de rencontrer d'autres goûts et sensibilités, en accueillant un genre peu représenté en art dramatique : l'Horreur. Le cinéma n'a donc pas le monopole des cris stridents et des sueurs froides, puisque début novembre se tiendra le Festival de l'Horreur : une semaine de frousse, de trouille et de frissons, tant pour les adultes que pour les enfants. L'occasion aussi d'habiter et de faire découvrir autrement le bâtiment historique qu'occupe le Théâtre de Namur.

Et puis, après la rencontre citoyenne et culturelle, après la rencontre de nouvelles esthétiques, il sera aussi question de rencontres pluridisciplinaire, en plein dans l'esprit de la récente réforme FWB : faire se croiser des lieux et des pratiques sociales avec les domaines d'expressions artistiques, pour amener l'art en dehors des lieux d'art. Les spectacles engagés se multiplient et s'enrichissent de véritables collaborations avec des praticiens ou des publics touchés par les problématiques qu'ils abordent. Porter ces paroles peut même aller jusqu'à les intégrer sans s'y substituer : par exemple, le spectacle "Écoute" s'est construit en faisant se rencontrer et collaborer des citoyennes namuroises et des artistes sur scène.

Le théâtre se fait donc également lieu véritablement public, ouvert à tous.tes.

Enfin, cette saison voit également une dernière nouveauté : une création jeune public portée par l'institution. Quand on sait les difficultés de financements et de production propre au secteur jeune public, proposer une telle création est donc le signe d'une haute conscience professionnelle, mais c'est également viser une diversification des productions puisqu'elle ne suit pas le circuit "typique" des spectacles jeunes publics : "Amamer" aborde ainsi un sujet complexe et peu abordé : l'absence parentale. Un choix audacieux et prometteur, puisque cette création s'est construite également par des rencontres avec le public-cible.

En un mot comme en cent, la saison 22/23 remet le Théâtre au coeur de la Cité. Et ça, c'est réjouissant !

Yuri Didion

Festival XS, clap dernière

Didier Béclard — 2022-03-31T17:07:00Z

Le Festival XS 2022 marquera la dixième édition de l'événement, mais aussi la dernière. Raison de plus pour aller y faire le plein de découvertes parmi 21 spectacles de théâtre, danse, cirque et musique. Petit échantillon de pépites qui, à elles seules, valent déjà le déplacement.

En sommeil depuis 2019 – l'édition 2020 qui devait commencer le 12 mars s'est déroulée sur Facebook Live, confinement oblige, l'édition 2021 n'a pas eu lieu, faute de perspective -, le Festival XS revient, enfin, mais pour la dernière fois. Un nouveau directeur a été nommé à la tête du Théâtre National et qui dit nouveau directeur dit nouveau projet comprenant deux autres festivals : les Scènes nouvelles et les Mots À Défendre. Il a fallu faire des choix dictés notamment par des impératifs budgétaires et le Festival XS en fait les frais.

Lancé en 2011, le Festival XS proposait aux artistes de s'exprimer dans un travail concis, respectant une durée de 5 à 25 minutes maximum. Œuvres à part entière ou esquisses d'un spectacle en devenir – certains spectacles aboutissant parfois même à deux versions qui cohabitent -, les formes courtes sont aux arts vivants ce que les nouvelles sont à la littérature ou les court-métrages au cinéma.

Pour l'occasion, le Théâtre National ouvre ses espaces, tous ses espaces : les trois salles mais aussi le monte-charge, la cafétéria, le studio son, l'atelier couture, les salles de réunion et déborde même sur le Boulevard, … Il est donc possible, d'enchaîner une dizaine de spectacles sur une soirée en changeant de salle, et d'univers, à chaque représentation. Tous les soirs ce sont les mêmes spectacles qui se rejouent ce qui permet, le cas échéant, de dresser son planning sur toute la durée du festival.

« Goupil et Kosmao » d'Étienne Saglio ressemble à un numéro de music-hall des années trente avec de vrais morceaux de magie dedans. Sur un air de piano, arrive un grand échalas en queue de pie et haut de forme tenant une malle qui a beaucoup voyagé. Après deux tours de magie, il en sort une peau de renard qu'il fait saluer avant de la remettre au fond du sac. Mais Goupil veut aussi son lot de feux de la rampe et d'applaudissements, il prend vie pour officier comme assistant, cabotin et farceur, du grand magicien Kosmao.

La cathédrale, lieu de stockage de matériel et de décors tout en hauteur, accueille « Gift Songs » de Virginie Benoist et Julie Calbete. Des chaises sont disséminées dans la pièce où attendent les deux chanteuses, les yeux bandés. Le public est, implicitement, invité à faire de même par le bandeau disposé sur les chaises. Les deux voix qui entonnent, a capella, des chansons traditionnelles de la renaissance ou de nos jours nous invitent à un voyage sonore et sensoriel. Elles déambulent entre les chaises, multipliant les effets de déplacement du son, se déplacent ensemble ou s'éloignent (semble-t-il) parfois l'une de l'autre, créant encore d'autres effets sonores. Privé de la vue, on prend la pleine mesure des reliefs du chant et de l'harmonie des deux voix réunies. Une expérience fascinante et envoûtante.

Étape préparatoire au jeu des comédiennes et comédiens sur scène, la lecture n'a pas vocation à être montrée au public. Céline Delbecq et Sébastien Bonnamy élèvent l'exercice au rang de spectacle à part entière dans les deux premiers volets du triptyque « Les yeux noirs » (mise en lecture de Jessica Gazon). « Phare », monologue d'une femme qui ne sait pas comment échapper à ces déferlantes qui ne viennent pas que de la mer et « Sur la porte du frigo » où la violence s'immisce, insidieusement, dans un couple dont la femme attend leur premier enfant. Deux épisodes, deux histoires différentes, deux variations sur un même thème. Accrochez-vous, ça secoue.

« Trajectoires » préside à la rencontre de la danse urbaine contemporaine de Julien Carlier avec la guitare classique de Gaëlle Solal. Sur un plateau parsemé de câbles reliant le sol au plafond, Gaêlle Solal, tout de rouge vêtue, prend sa guitare et entame la deuxième partita de Jean-Sébastien Bach tandis que Julien Carlier s'étire et gémit avant de se lancer dans des mouvements, nerveux, tendus, presque bruts. Les deux interprètes explorent les moyens naturels et spontanés de se connecter à distance l'un à l'autre. Par moments, la musique, ou le son, accompagne la gestuelle du danseur, à d'autres elle lui dicte sa loi et son rythme.

Dans une société où le virtuel est omniprésent, Marion Alzieu considère que la danse, l'expression par le corps et ses mouvements, est un engagement en soi. Dans « Ceci n'est pas une femme blanche », elle questionne la place et l'identité de la femme dans cette société nouvelle. Face à une identité plus subie que choisie, elle tente de s'en extirper en revenant à l'essence de ce que nous sommes : de la chair et des muscles. Partant d'une position intimiste, timide dans un halo de lumière en bout de scène, elle se meut dans des mouvements contenus, et quelques pointes, avant de prendre possession de tout le plateau dans une gestuelle très physique, énergique, radicale qui semble, parfois, virer au mime. Un solo de danse à l'état pur, magnifique.

Si Ariel Doron entre sur le plateau de « Plastic Heroes » au son d'un chant martial, ses premiers gestes sont plutôt trop chouchou mignons : un tigre qui s'éveille et fait des câlins. Arrive un char d'assaut. Il sera suivi par un peloton de militaires à l'exercice, un soldat allemand qui monte la garde derrière une palissade, un hélicoptère qui évacue des soldats, trois autres soldats qui rampent dont un qui ne voulait pas du tout être militaire. Le marionnettiste Ariel Doron a l'air d'un gamin de huit ans qui joue sur la table du salon, avec le même bonheur et la même conviction. De deux choses l'une, soit il a trop joué aux petits soldats quand il était petit, soit il n'a jamais pu le faire.

Dans « Boxed », Ariel Doron confirme son talent de comédien et de... manipulateur. Il arrive mal fagoté, peignoir orange sur un training rouge, des claquettes sur des chaussettes, un carton à chaussures sous le bras. Lorsqu'il ouvre la boîte, il y découvre, surpris, une main. Il la scrute, la touche, la manipule, et fait avec cette main tout ce que l'on peut faire avec une main sauf que (apparemment) ce n'est pas la sienne. Difficile d'en dire plus sans éventer la surprise, sachez juste qu'il va, ici aussi, au bout de son délire.

Présenté en continu dans une caravane garée sur le boulevard devant le théâtre, « Columbia Circus » de Cécile Léna (Cie Léna d'Azy) nous invite à pénétrer dans l'univers intime de la trapéziste Columbia. Assis dans sa loge, face au miroir, une voix partage les pensées de la circassienne avant de remonter sur scène. Imperceptiblement, la piste qui sera le théâtre du spectacle se dévoile à nos yeux. Dans une autre pièce, on découvre le chapiteau installé place de la Gare où Columbia enfile ses grandes ailes blanches avant de prendre son envol. Ces tableaux, dans des décors miniatures avec jeu de lumière et voix off, sont des fragments, comme des pièces de puzzle, à partir desquels le spectateur reconstitue l'histoire de la trapéziste.

Didier Béclard

Festival XS, du 31 mars au 2 avril au Théâtre National à Bruxelles, 02/203.53.03, www.theatrenational.be. Pass un jour 15 euros, pass trois jours 25 euros.